Ciao a tutti e tutte,

siamo alla fine di un anno importante. Sì, lo sappiamo che siamo a fine luglio e non a Natale, ma per noi l’anno finisce adesso e riparte a settembre, con progetti, idee, percorsi e sfide nuove. A gennaio, in realtà, l’anno è già finito: bisogna prepararsi per tempo e con la testa fresca, quella che si riesce ad avere solo durante la pausa estiva. Vale per voi, vale anche per noi.

Abbiamo pensato allora di mettere insieme una rassegna delle evoluzioni più significative che abbiamo raccontato nel Sunday Jumper in quest’ultimo anno, da fine luglio 2025 a oggi. Un numero di bilancio prima dell’estate, ma anche l’occasione per tornare (o per arrivarci adesso, se non avete avuto modo di leggere tutti i SundayJumper dell’anno) su temi che allora sembravano poco importanti e che oggi, con un mercato cambiato sotto i nostri occhi, si vedono molto più nitidi.

Il filo conduttore: dall’entusiasmo alla maturità critica

Se dovessimo tracciare un’unica linea che attraversa tutto l’anno, è il passaggio da un dibattito polarizzato (”l’AI sì / l’AI no”) a una riflessione più matura su cosa significhi davvero usarla bene. Lo dimostrano sia il post di apertura di questo periodo, Non è l’AI a decidere cos’è bello, sia l’ultimo della serie, di pochi giorni fa, L’immagine AI non è di scarsa qualità, che chiude il cerchio affermando che oggi la qualità è eccezionale ma resta appannaggio di pochi professionisti che studiano davvero. In mezzo, Contro il rumore delle opinioni e L’AI si può rifiutare a parole sottolineano lo stesso punto: il problema non è più la tecnologia, ma la superficialità con cui la si giudica o la si usa.

Gli strumenti che cambiano il lavoro creativo

Qui ci sono alcune delle notizie e riflessioni più concrete dell’anno:

• La chiusura dello store Affinity in vista di un “big change” con Canva (Reshooting: la fotografia come punto di partenza)

• La settimana con tutti e tre i grandi del software creativo in movimento nello stesso momento (Quando il terreno cambia, camminare è già una scelta)

• L’evoluzione degli ecosistemi Affinity+Canva e Figma (Il bivio è adesso)

• Il salto più importante dal punto di vista tecnico, cioè Anthropic che collega Claude a Blender, Canva e Adobe Creative Cloud: il vero passo dal “fare” al “far fare” (Dal fare al far fare), e come vedete qui sotto quell’evoluzione è ormai diventata quotidianità

• La riflessione sulle interfacce uomo-macchina nelle fotocamere (Le macchine fotografiche sono macchine)

• L’arrivo dei flussi a nodi come nuovo modo di lavorare (Dal mouse al nodo): quello che dicevamo prima parlando di Claude, e che si lega direttamente al corso che abbiamo fatto meno di un mese fa proprio su questo

Autenticità, copyright e verifica delle immagini

Un altro grande filone, forse il più politico:

• Stiamo guardando dalla parte sbagliata mette in discussione la retorica sul copyright AI

• L’intervento di Adam Mosseri su Instagram, che vuole etichettare tutto il contenuto AI-generato, discusso in Quando tutto è replicabile, cosa resta da fare?

• L’annuncio di Google su SynthID che entra in Search, Chrome e Circle to Search, con oltre 100 miliardi di contenuti già marcati, e l’adesione di OpenAI: Un’alleanza tecnologica sta certificando le immagini AI

• Il tema della fotografia come atto di resistenza e di verità in La fotocamera in volo

Il grande evento sportivo dell’anno: Milano-Cortina 2026

Le Olimpiadi Invernali sono state un banco di prova reale per l’AI applicata alla documentazione visiva. Alibaba Cloud e OBS hanno mostrato come l’AI possa aggiungere strati di comprensione invece di creare finzione: Spacetime Slices.

Il lato business e i “grandi imperi”

• Lo spin-off mensile dedicato al business, che abbiamo chiamato BUSINESS ISSUE, partito con Il girotondo dei soldi, gli imperi dell’AI

• La chiusura di Wired Italia dopo diciassette anni, letta insieme ad altri segnali culturali in Wired, Hoepli, un podcast da 200 milioni

• La riflessione sul mercato dei prezzi, partita da un aneddoto su una Guinness: Rachel, la Guinness e il mercato che non esiste ancora

• L’aumento dei prezzi Apple per la crisi dei chip, raccontato in La risposta potremmo trovarla in un panino...

Casi studio e provocazioni culturali

• Il caso Ferrari Luce come esempio di innovazione incompresa: Tutti contro la Ferrari Luce

• I Rolling Stones ringiovaniti digitalmente e il tema della narrazione che serve oltre l’effetto tecnico: Ringiovanirsi non basta: serve una storia

• Il ritorno nostalgico del formato quadrato: Il ritorno del quadrato

• La riflessione sull’imperfezione preziosa, partendo da una fotocamera giocattolo da 1,6 megapixel: Nel tempo della perfezione, l’imperfezione è diventata preziosa

• Il tributo più personale e sentito dell’anno, dopo una perdita importante nel settore: La cultura, gli strumenti, le persone

Le nostre iniziative editoriali e formative

Non va dimenticato tutto il lavoro fatto per la community: il calendario dell’avvento di Aiway con cinque tappe (dalla verità sulla fotografia fino alle storie invisibili delle Olimpiadi), l’uscita di Aiway Magazine 7, il webinar gratuito raccontato in 214 non è un numero, sono iscritti e il corso sui flussi AI annunciato in Fatevi un nodo al fazzoletto.

E ora siamo al presente

Dopodomani c’è il nostro Master dedicato a Midjourney, che mette insieme molte delle tematiche creative e di ispirazione a cui tutti i professionisti dell’immagine dovrebbero guardare. Il corso è GRATUITO per tutti gli abbonati ad AiwayMagazine LAB, quindi vi consigliamo di non perdere l’occasione: se non siete ancora abbonati o se il vostro abbonamento è scaduto, potete iscrivervi o rinnovare qui e il Master è compreso. Perché il SundayJumper è e rimarrà un appuntamento importante di informazione, mentre Aiway è rivolto a chi con l’AI e con il futuro dell’immagine ci vuole lavorare OGGI e sostenersi DOMANI.

Buone vacanze. Per chi vorrà, ci si vede martedì alle 15 LIVE su Zoom per il Master di Midjourney, adatto sia a chi non è mai entrato nel mondo della generazione creativa con l’AI, sia a chi usa Midjourney tutti i giorni e vuole una visione più approfondita, per rispondere a quei dubbi e a quelle curiosità sulla piattaforma di qualità più alta in assoluto per creare immagini fotorealistiche (non solo quelle, ma è probabilmente quello che interessa di più a voi che ci leggete).
Ci risentiamo poi qui dopo le vacanze.

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Dopo l’entusiasmo, dopo la paura (ancora presente), oltre le discussioni (che però non finiranno mai), la generazione di immagini con AI ha trovato un suo spazio, sia nel mondo della produzione che in quello della creatività. Ma deve ancora guadagnare una visione culturale, che non sia fatta di tifoserie, di prese di posizione, di sguardi solo parziali.

Oggi la qualità raggiungibile è, potenzialmente, eccezionale: ma possono arrivarci solo i professionisti di alto livello, quelli che studiano, che si applicano, che ricercano, che guardano con occhi sensibili e che non si lasciano andare alla semplicistica osservazione da lontano. In molti pensano che generare immagini con AI sia semplice: il risultato è evidente in mille esempi (terribili) che si vedono in giro, anche in campagne pubblicitarie e progetti “di alto livello”. La chiamano “AI slop”, la “sbobba fatta con l’AI”: banale, goffa, volgare, senza alcuna sensibilità, e riempie quantitativamente schermi, cartelloni, brochure.

Facciamo però un passo indietro: lo “slop”… non esiste forse già da tanti anni? Immagini pasticciate con Photoshop, filtri ed effetti di pessima qualità, manichini umani invece che persone, selfie che dimostrano che “mostrarsi conta più di essere”. I bias dell’ignoranza visiva nascono con l’AI o molto prima? Voi siete tra coloro che magari lottano da anni per far comprendere ai clienti qualità, messaggio, cura dei dettagli? Siete tra coloro che magari hanno investito in attrezzature costose e obiettivi spettacolari, in tempo e soldi per visitare mostre, sfogliare libri di fotografia, seguire corsi di aggiornamento per essere professionisti migliori? Ecco, perché allora in molti si fermano davanti a un muro, giudicando l’AI “di scarsa qualità”?

Magari perché c’è qualcosa che non vi piace del processo che genera le immagini AI: qualcuno pensa che l’etica, il diritto d’autore, il rispetto delle opere degli artisti siano stati calpestati. Ma, come sempre, il problema sta in chi usa le armi, non in chi le produce (anche se, a dirla tutta, ci dovrebbe essere maggiore responsabilità per tutti, ed è a causa della lentezza legislativa o di interessi politici che ancora non sono state definite regole precise e corrette). Noi però usiamo l’AI da anni, e lo facciamo rispettando le regole e l’umanità di questo processo creativo: sappiamo che si può fare, e che si deve fare. E ancora una volta: il plagio, la copia senza rispetto, il furto della creatività sono sempre stati guai che i creativi hanno dovuto combattere e da cui hanno sempre dovuto difendersi.

La strada nell’uso dell’AI segue le rivoluzioni che abbiamo già visto (molte di queste raccontate proprio su questo SundayJumper, e prima ancora nei nostri progetti editoriali cartacei; alcune avvenute prima - molto prima - della nostra nascita): dalla pittura alla fotografia, dalla fotografia chimica a quella digitale, dalla ripresa alla post-produzione con Photoshop. Chi è sopravvissuto ha saputo interpretare, comprendere, approfondire, studiare nuovi strumenti e nuovi linguaggi, e chi lo ha fatto davvero bene ha trovato un proprio spazio. Quello su cui vogliamo puntare l’attenzione è che - ancora una volta - per essere visibili, apprezzabili, per avere prodotti da vendere e da proporre in ambito creativo, bisogna elevare l’asticella e arrivare a un risultato di eccellenza: da tempo diciamo che un buon uso dell’AI innalza tutti, ma proprio per non essere “uno/a tra tutti/e” bisogna puntare all’eccellenza.

Non avete passato tanto tempo per trovare la giusta sfocatura, scegliendo un sensore full frame o un’ottica con grande apertura di diaframma? Avete lavorato per imparare a regolare luci, contrasti, sfumature? Avete compreso come un uso raffinato delle curve, dell’esposizione, della regolazione del bianco o dei parametri in camera vi abbia permesso di ottenere qualità e differenziazione rispetto al primo che scatta un’immagine con il suo cellulare? Quanto avete faticato per restituire davvero l’oro rosa (o giallo, o bianco), il colore esatto che il vostro cliente chiede? Tutto questo è sensibilità, ma anche tecnica: spesso tecnica difficile, da imparare.

Il 28 luglio saremo LIVE su Zoom per un MASTER di oltre tre ore (dalle 15 alle 18, ma è probabile che “sforeremo”, anche per lasciare spazio a domande, richieste, dubbi) dedicato a Midjourney: il sistema più affascinante, in grado di produrre le immagini più belle e fotorealistiche, di proporre miliardi e miliardi di stili e di personalizzazioni, di creare moodboard per discutere con il cliente lo stile “perfetto”, di generare versioni infinite fino a trovare quella desiderata. E che propone un vero e proprio lessico di parametri con cui controllare ogni dettaglio della qualità, della nitidezza, del “sapore”, della precisione. Un linguaggio che pochi conoscono, ed è per questo che in molti non raggiungono l’apice della qualità.

Perché NOI?

Questo Master è unico proprio perché lo abbiamo creato noi, che dal lontano 2022 abbiamo iniziato a occuparci di questi strumenti, a usarli quotidianamente, a produrre immagini per noi, per i nostri progetti, per i nostri clienti, per mostre e fiere in Italia e nel mondo; noi che non ci fermiamo quindi al fare “demo”: con questi strumenti ci lavoriamo, e li mostriamo nella pratica del lavoro quotidiano ai professionisti che da tanti anni ci seguono. Abbiamo prodotto centinaia di migliaia di immagini (e video) con Midjourney, abbiamo un contatto diretto con i principali esperti di questo tool nel mondo, seguiamo i passi dell’azienda e la visione (affascinante) del suo fondatore, David Holz: un bagaglio di esperienza profonda che vi sarà utile, anzi fondamentale, per giocare la partita del vostro futuro nell’immagine al livello più alto.

Parleremo anche - come abbiamo detto - dell’uso lecito di questa tecnologia, della sicurezza nel creare immagini protette per l’uso commerciale, di come tutelarsi creativamente. Insomma, tratteremo tutto quello che interessa ai professionisti dell’immagine: la tecnica per ottenere il massimo, il lavoro sullo stile per creare personalizzazioni proprie e uniche, i confini della qualità di riproduzione e di stampa, le tematiche legali e commerciali.

L’immagine generativa con AI ha trovato in ambito artistico, creativo, editoriale e professionale spazi di altissimo prestigio, mentre a livello più basso e commerciale si parla di qualità scarsa. “Forse” il problema non è lo “strumento” ma come viene usato e con quale sensibilità?

Se siete abbonati ad Aiway LAB, tutto questo è gratis per tutta la durata dell’abbonamento: oltre a partecipare LIVE, avrete accesso al video, per poterlo guardare (se ve lo siete persi) o riguardare e studiare.

Successivamente, a settembre, il video del corso sarà disponibile anche per l’acquisto senza abbonamento, ma a un costo superiore. Se invece vi iscrivete ora, oltre ad avere 3 mesi di abbonamento ad Aiway LAB con tutti i suoi vantaggi, avrete accesso anche al Master su MidJourney. Bello, no?

Insomma: materiale da studiare per le vostre vacanze (il periodo migliore per dedicare un po’ di tempo alla vostra crescita e alla strategia da scegliere per il vostro futuro professionale).

Iscriviti ad Aiway Magazine LAB e partecipa GRATIS al corso/master dedicato a Midjourney.

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Capita sempre più spesso, ultimamente, di sentire qualcuno dichiararsi contrario all’intelligenza artificiale con la sicurezza di chi ha preso una posizione netta. Succede tra i più giovani, che vivono l’AI generativa come una minaccia diretta alla creatività o al lavoro che li aspetta, ma non solo loro: capita anche tra adulti, tra colleghi giornalisti, tra docenti, tra persone che di comunicazione e immagine vivono per mestiere. È una posizione legittima, sia chiaro: ognuno ha diritto alle proprie perplessità, e alcune sono più che fondate. Ma vale la pena fare un piccolo esercizio, quasi banale nella sua semplicità: chi dice di essere contro l’AI, cosa sta facendo concretamente per esserlo davvero?

Perché se l’obiezione è di principio (l’intelligenza artificiale come tale, non un suo uso specifico), la coerenza chiederebbe di smettere di usare Google, che dell’AI è protagonista assoluto e la infila ormai in ogni angolo dei propri prodotti, dal motore di ricerca a Gmail. Chiederebbe di abbandonare Android, che oltre ad essere un prodotto di Google (vedi sopra) su modelli di intelligenza artificiale costruisce buona parte della propria intelligenza quotidiana, dalla fotocamera al completamento automatico. Vorrebbe dire lasciare anche i prodotti Apple, per gli stessi identici motivi, e insieme a loro YouTube oppure Netflix, che selezionano, raccomandano e moderano contenuti attraverso sistemi addestrati su scala planetaria. Servirebbe smettere di scorrere TikTok, il cui algoritmo è esso stesso uno dei sistemi di AI più sofisticati mai costruiti per tenerci incollati allo schermo. Bisognerebbe rinunciare a Photoshop e al resto della suite Adobe, dove il machine learning ormai regge selezioni, ritocchi, generazione di contenuti. E infine servirebbe abbandonare Microsoft e i suoi sistemi operativi, che infilano Copilot in ogni angolo del pacchetto Office.

E non finisce qui, perché la lista potrebbe continuare a lungo: l’app della banca che segnala una transazione sospetta lo fa grazie a un modello di AI, il traduttore automatico che ci salva in una prenotazione all’estero, anche. Il filtro antispam della casella di posta, il sistema che decide quale prodotto mostrarci per primo su qualunque e-commerce, il servizio clienti che risponde prima di un umano, la piattaforma di streaming che ci consiglia la prossima serie, il navigatore che ricalcola il percorso in tempo reale: tutto questo, ormai, gira su intelligenza artificiale. Non lo scriviamo per smontare con sarcasmo chi si dichiara critico, e non è un esercizio pensato per “avere ragione” su qualcuno.

Lo scriviamo perché crediamo serva a mostrare un punto scomodo, che va detto con gentilezza, ma va detto: l’intelligenza artificiale non è più una tecnologia che si può scegliere di usare o non usare, come si sceglierebbe un elettrodomestico. È diventata l’infrastruttura invisibile che regge buona parte dei servizi digitali che usiamo ogni giorno, spesso senza nemmeno accorgercene. Essere “contro l’AI” oggi significa, quasi sempre, essere contro un’etichetta, non contro una pratica quotidiana da cui, a conti fatti, nessuno di noi si è davvero tirato fuori.

Questo non vuol dire che le preoccupazioni siano infondate, anzi. Ci sono temi veri, seri, che vanno affrontati con la serietà che meritano: la regolamentazione delle infrastrutture e dell’uso dei modelli, l’etica di sistemi che decidono al posto nostro, il controllo della privacy, la tutela dell’identità umana in un mondo dove distinguere un contenuto generato da uno autentico diventa ogni mese più difficile. Sono discussioni che meritano tempo, studio, anche dissenso vivace. Il problema non è discutere questi temi: è confondere la critica (a un uso, a un’azienda, a una scelta politica precisa) con un rifiuto totale e simbolico che, nei fatti, lascia tutto esattamente come sta, perché nessuno smette davvero di usare i prodotti in cui l’AI è già incorporata.

Questa distinzione tra critica seria e rifiuto simbolico si vede con chiarezza nella questione dei data center, che in Italia non è affatto un dibattito astratto o lontano: è già cronaca locale, ogni settimana. Secondo il Post, i data center attivi nel nostro Paese sono già circa 200, con altri 83 in arrivo nei prossimi anni, e la Lombardia ne ospita la quota più consistente (il 68 per cento della potenza installata a livello nazionale, concentrata soprattutto nella provincia di Milano). A Opera, alle porte di Milano, il progetto da 2 miliardi di euro proposto da EdgeConnex ha diviso la città: il Comune promette 400 posti di lavoro stabili, 2,1 milioni di euro di oneri, un terreno ceduto e la ristrutturazione del palazzetto dello sport, ma i cittadini (riuniti anche grazie a Legambiente) chiedono da mesi “chiarezza e trasparenza” su tempi e modalità, lamentando un percorso deciso in modo unilaterale.

Più a sud, nel Pavese, la situazione è persino più tesa. A Lacchiarella il Comitato Ciarlasco si è mobilitato contro il progetto della società Apto scoprendo, tra le altre cose, che l’iter non era mai stato reso pubblico come dovuto: il Ministero dell’Ambiente ha dovuto riaprire la procedura. Il nodo è simile a quello che si ripete in molti altri progetti italiani: generatori a gasolio di emergenza che, per i quantitativi di carburante stoccato, rischiano di far rientrare gli impianti nella direttiva Seveso sugli stabilimenti a rischio di incidente rilevante. A questo si aggiungono le “isole di calore” (uno studio citato dal comitato stima fino a 5 gradi in più nel raggio di due chilometri) e consumi elettrici tali da richiedere nuove sottostazioni Terna dedicate. A Borgarello, comune confinante, la sindaca Alberta Samuele si oppone a un secondo progetto a poche centinaia di metri dalle abitazioni, mentre a Zibido San Giacomo l’amministrazione comunale sta rallentando l’insediamento di un altro operatore, K2, chiedendo garanzie sull’area agricola coinvolta. La Lombardia, lo diciamo per completezza, è anche la prima regione italiana ad essersi dotata di una legge che prova a mettere ordine (favorendo le aree industriali dismesse rispetto ai terreni verdi), mentre una norma nazionale è ancora in discussione in Senato.

Ma c’è di più, e bisogna stare attenti a non confondere due cose diverse. Sam Altman ha definito la corsa globale ai data center “il più grande progetto industriale congiunto della storia”, con stime che parlano di quattromila-ottomila miliardi di dollari di investimenti nei prossimi cinque anni. È legittimo chiedersi congiunto in che senso, e chi siano davvero i congiunti: chi decide, chi guadagna, chi si prende il rischio ambientale e chi, come i cittadini di Opera o di Lacchiarella, resta a chiedere trasparenza da fuori il tavolo delle decisioni. Serve controllo pubblico vero, trasparenza sui consumi reali, pianificazione che guardi alla rete intera invece che al singolo cantiere alla volta, magari con quella distanza minima dalle abitazioni che oggi, in molte normative regionali, ancora manca. Ma concludere che i data center siano di per sé un male, e che quindi l’intelligenza artificiale vada frenata o rifiutata in blocco, è un altro discorso, e rischia di essere pigro tanto quanto le narrazioni che critica.

Perché c’è anche un altro tipo di dipendenza da mettere sul tavolo, meno visibile ma altrettanto concreta. Se non costruiamo, con criterio, con regole vere, con il consenso informato dei territori, le infrastrutture che faranno girare l’intelligenza artificiale, quelle infrastrutture le costruirà comunque qualcun altro, altrove, secondo priorità che non sono le nostre. Il controllo sui data center non è solo una questione di impatto ambientale locale, per quanto reale e da presidiare con serietà: è anche una questione di chi deciderà, nei prossimi vent’anni, i costi e la capacità produttiva su cui si baseranno intere economie, la nostra compresa: useremo, continueremo ad usare l’AI e la pagheremo molto di più (come già succede con l’energia elettrica). Restare fuori dalla partita non significa restare puliti, significa restare dipendenti dalle scelte, e dai capricci, di infrastrutture costruite altrove, con regole altrui, per interessi altrui.

Il punto, allora, non è schierarsi fra “pro” e “contro” l’intelligenza artificiale come fosse una tifoseria: è separare con lucidità le preoccupazioni legittime, quelle su speculazione finanziaria, impatti ambientali mal comunicati, mancanza di pianificazione, tutela della privacy e dei diritti, dal gesto simbolico di rifiutare a parole una tecnologia che, come dicevamo, nei fatti, usiamo già tutti i giorni attraverso Google, Android, Apple, YouTube, TikTok, Adobe e Microsoft, oltre che attraverso la banca, il traduttore e il navigatore che teniamo in tasca. L’intelligenza artificiale porta benefici concreti, verificabili, e proprio per questo meriterebbe di essere trattata come un bene comune da governare bene (e non abbiamo parlato di medicina, di ricerca scientifica, dove l’AI può portare speranza e futuro a molti che, altrimenti, non la avrebbero proprio). Non come un nemico da respingere a parole mentre, nella pratica di ogni giornata, continuiamo tutti quanti ad accedervi.

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Nel 1826, o forse nel 1827 (la data esatta si è persa tra le pieghe della storia, e ci torneremo), Nicéphore Niépce inquadrò la finestra della sua proprietà a Saint-Loup-de-Varennes, vicino a Chalon-sur-Saône, e lasciò che la luce facesse il suo lavoro per ore, forse per giorni. Ne uscì “Veduta dalla finestra a Le Gras”: un tetto, un cortile, un pezzo di cielo, fissati per sempre su una superficie. È la prima immagine fotografica permanente della storia, ed è un’immagine imperfetta, sfocata, quasi illeggibile a un primo sguardo. Ma è lì che è iniziato tutto.

Niépce non datò mai quella lastra, e per decenni la si credette perduta, fu ritrovata solo nel 1952 dallo storico Helmut Gernsheim, che analizzando le ombre proiettate sulle superfici e confrontandole con la corrispondenza di Niépce la collocò nel 1826. Lo stesso Gernsheim, però, rivide in seguito la propria datazione: nella terza edizione del 1982 del suo “The Origins of Photography” accettò la tesi di Harmant e Marillier, che collocavano lo scatto tra il 4 giugno e il 18 luglio del 1827, e oggi è proprio questa la data che l’Harry Ransom Center dell’Università del Texas ad Austin (dove è conservato l’originale) e il J. Paul Getty Museum considerano più accreditata. A rigore, il vero bicentenario cadrebbe nel 2027, non nel 2026, ma le celebrazioni sono comunque partite quest’anno, perché il 1826 resta la data con cui la maggior parte di noi ha imparato questa storia, ed è giusto festeggiare adesso: due secoli di un’invenzione che ha cambiato il modo in cui l’umanità guarda se stessa meritano di essere celebrati, che la lastra sia stata esposta un anno prima o un anno dopo.

Vale la pena spendere due righe sul come, perché è un dettaglio che racconta bene la fatica di quel primo scatto. Niépce sciolse del bitume di Giudea, una resina naturale che indurisce se esposta alla luce, in olio di lavanda, e ne stese un sottile strato su una lastra di peltro lucidata. Inserì la lastra nella camera oscura puntata verso la finestra del suo studio e la lasciò lì, esposta al sole, per circa otto ore secondo le stime più accreditate (anche se in passato si è parlato di tempi più lunghi, persino giorni). Alla fine lavò la lastra con essenza di trementina: il bitume indurito dalla luce nelle zone più illuminate restò attaccato al metallo, mentre quello rimasto molle nelle ombre si sciolse via, lasciando affiorare l’immagine. Niente pellicola, niente carta, niente vetro: solo un metallo lucidato, una resina vegetale e otto ore di luce.

Ed è per questo margine di incertezza che si festeggia il bicentenario proprio ora: non dal 1839, quando Louis Daguerre (socio di Niépce, morto nel 1833, tre anni prima di vedere il proprio metodo diventare di dominio pubblico) presentò il dagherrotipo all’Accademia delle Scienze di Parigi, ma da quel primo, faticosissimo scatto che all’epoca nessuno sapeva ancora come chiamare.

Le celebrazioni, intanto, sono già iniziate e continueranno per tutto l’anno. In Francia, che resta il fulcro simbolico di questa storia, il Ministero della Cultura ha lanciato il programma ufficiale del bicentenario, con oltre 180 progetti selezionati che potranno fregiarsi del marchio nazionale: il grosso parte da settembre 2026 tra mostre dedicate a Gisèle Freund al Jeu de Paume di Parigi, a Robert Capa al Musée de la Libération e l’annuncio, ad Arles, di un nuovo museo nazionale della Fotografia. L’Italia, però, quest’anno non sta certo a guardare: Fotografia Europea a Reggio Emilia ha dedicato la sua ventunesima edizione proprio ai duecento anni dall’invenzione di Niépce, dal 30 aprile al 14 giugno, mentre a Torino l’Exposed Photo Festival ha portato avanti la sua terza edizione dal 9 aprile al 2 giugno. A Milano il Mudec ha ospitato fino al 28 giugno “100 fotografie per ereditare il mondo”, curata da Denis Curti, a Siracusa si è appena chiusa la summer school “La luce custodita” organizzata con CAMERA di Torino, e chi vuole allungare la celebrazione fino all’autunno può guardare a Cortona On The Move, dal 16 luglio al 1 novembre, con la nuova direzione artistica di Renata Ferri.

Torniamo però al punto che ci può interessare di più, quello che lega questi duecento anni a oggi. Quando la fotografia arrivò, non fu accolta da molti con entusiasmo unanime: fu vissuta, da una parte consistente del mondo dell’arte, come una minaccia esistenziale. Il caso più clamoroso, ed è qui che le cose diventano interessanti per il parallelo con l’AI, è quello di Charles Baudelaire, uno dei più grandi intellettuali del suo secolo, che nel Salon del 1859 scrisse un testo durissimo intitolato “Le public moderne et la photographie”. Baudelaire non usava mezzi termini: definiva l’industria fotografica:

e sosteneva che, irrompendo nel campo dell’arte, la fotografia ne diventasse “la più mortale nemica”. Arrivò a scrivere che “un Dio vendicatore esaudì i voti di questa moltitudine. Daguerre fu il suo Messia”, descrivendo l’entusiasmo collettivo per la nuova tecnica come una forma di follia narcisistica di massa. Concedeva alla fotografia un solo ruolo accettabile, quello di restare:

Oggi queste frasi suonano prive di alcun senso, lette con gli occhi di chi sa come è andata a finire. La fotografia non ha ucciso l’arte: ha spinto la pittura altrove, verso l’Impressionismo, verso tutto ciò che una lastra fotografica non poteva ancora catturare (la luce che cambia, la sensazione soggettiva, il gesto). E soprattutto, in termini molto pratici, ha spinto migliaia di pittori (i miniaturisti che vivevano di ritratti su avorio, per esempio, la cui categoria in Francia si ridusse drasticamente nel giro di pochi anni dal 1839) a spostarsi su altre forme, altre specializzazioni, altri usi della propria manualità. Nessuno di loro ha smesso di essere un artista, semmai ha smesso di fare una cosa, e ne ha trovata un’altra.

Questo è esattamente il parallelo che ci interessa con l’intelligenza artificiale generativa, oggi: c’è chi si sente escluso, chi teme di perdere non solo un ruolo economico ma qualcosa che ama profondamente, e capiamo perfettamente questa paura: è la stessa, identica paura che attraversò i pittori accademici francesi a metà Ottocento. C’è anche chi accusa l’AI di essere semplicemente una macchina che copia (anche se tecnicamente non è corretto: la macchina ha imparato, e come l’umano ricalca e reinventa qualcosa che ha visto), ma in tanti casi, va detto con onestà, è proprio così, ma non per colpa della macchina ma a causa degli umani che la usano in modo semplicistico: succede soprattutto quando chi si avvicina a questo nuovo linguaggio si concentra sul “rifare” quello che sapeva già fare (o non sapeva fare) con un altro mezzo, la fotografia appunto, invece di cercare cosa questo nuovo strumento sappia fare che nessun altro mezzo ha mai saputo fare prima. Ma siamo solo agli inizi: sono tre, forse quattro anni che si sperimenta seriamente con questi strumenti, e non è niente, in termini di tempo storico. Ci sono già esperienze professionali e artistiche che stanno cercando e trovando linguaggi davvero nuovi, ma comunque non abbiamo ancora visto nulla di quello che arriverà.

Il mondo va avanti, per quanto a volte non ci piaccia, e in moltissime cose oggi è meglio di ieri. Chi si è trovato al confine tra un’epoca e l’altra della nostra cultura ha sempre provato, in qualche modo, a fermare l’onda: è comprensibile, ma non è mai stato possibile, e non è mai stato nemmeno sensato. Le celebrazioni di questo bicentenario, viste così, non sono solo un omaggio nostalgico a Niépce e alla sua lastra imperfetta: sono anche uno stimolo a fare oggi quello che allora fecero, senza saperlo, i pittori spaventati dal dagherrotipo. Sperimentare, capire, trovare la propria strada dentro il cambiamento, invece di restare fermi a difendere un confine che comunque si sposterà. Non per dimenticare quello che si ama, ma per non chiudersi dentro la paura di perderlo.

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Questa settimana ci sono stati alcuni eventi che devono (dovrebbero) farci riflettere su come il mondo sta cambiando velocemente, e questo a prescindere da quello che possiamo pensare sul nostro ruolo e sulla nostra posizione riguardo l’intelligenza artificiale. Andiamo a punti, altrimenti rischiamo di scrivere un libro ;-)

1. Questa settimana Apple ha aumentato i costi - in modo significativo, circa il 20% - dei Mac e degli iPad. Il motivo? L’aumento del costo delle componenti primarie interne (ram, e non solo) perché il mercato sta subendo una crisi di disponibilità di chip a causa della richiesta sempre più forte da parte delle infrastrutture dei datacenter. Lo avevamo annunciato all’inizio di gennaio, quando all’interno dei nostri incontri dedicati agli abbonati di Aiway Magazine LAB avevamo fatto le nostre previsioni (Forecast) per il 2026. Ovviamente, la reazione potrebbe essere quella di dire “un ottimo motivo per non comprare un computer nuovo, ancor meno un Mac”, ma il problema è che questo riguarda tutta la filiera tecnologica, tutti i brand del settore: tutto sta aumentando, e questo contribuirà - a prescindere dalle vostre decisioni - ad un aumento dell’inflazione. Non è un bene, non è “direttamente collegato all’AI” in termini di colpa, ma è un fenomeno che ci deve portare a reagire dal punto di vista del valore del nostro lavoro (non siamo qui a parlare di opinioni, ma di fatti): se non troviamo un modo per rendere accettabile l’aumento dei nostri costi, ci troveremo ad avere un lavoro che sarà sempre meno sostenibile.

2. Questa settimana è stata presentata, con grande enfasi Emma-5, modello linguistico lanciato da Egomnia (fondata da Matteo Achilli, quotata su Euronext Growth Milan), presentato come risposta italiana alla dipendenza dai grandi modelli americani, una sorta di AI “sovrana” nazionale ed europea. Nel giro di 24 ore Emma è diventata virale: ma per i meme, non per le capacità. Non sa fare la tabellina del 9, ha risposto in modo problematico su temi politici sensibili (Hitler come “ottimo presidente”, frasi xenofobe), e ha accumulato oltre 60.000 chat prima che Egomnia la portasse offline. La chiusura è avvenuta con una nota che ringraziava gli utenti e spiegava che “l’utilizzo emerso non era in linea con gli obiettivi del test”. Il problema di fondo: il gap tra il framing (”sovranità tecnologica”, “sfidiamo OpenAI”) e la realtà tecnica del modello ha generato aspettative impossibili da soddisfare. Egomnia ora cerca tester per Emma-6. Cosa significa? Che siamo in Italia e siamo in Europa, e siamo in una situazione in cui, per cause politiche, di cecità negli investimenti, e anche a causa della cultura storica che ci portiamo dietro, nel bene e nel male, possiamo solo subire gli strumenti, i costi e le politiche americane e cinesi (i due poli che dominano questo mondo). Se non troviamo modi intelligenti, utili, produttivi e imprenditorialmente sensati per utilizzare le tecnologie di altri e quindi proporre una nostra capacità di essere competivi, ci troveremo solo ad essere il mercato che ha un costo superiore di quello degli “altri”, e quindi saremo meno capaci di rimanere, su questo mercato. Noi, dai piccoli ai grandi. Siamo quelli che pagano più cara l’energia elettrica, saremo quelli che pagheranno di più le infrastrutture e i modelli di intelligenza artificiale.

3. OpenAI ha presentato i suoi nuovi modelli evoluti, tra cui SOL che si dichiara anche superiore a quel Mythos e Fable5 di Anthropic che è stato bloccato dall’amministrazione americana perché troppo “pericoloso per essere usato da Paesi e da cittadini che non sono americani”. E anche SOL è stato bloccato al largo pubblico internazionale, e concesso solo ad una trentina di aziende americane per il test iniziale. Non si tratta (solo…) di preoccupazione per eventuali usi illeciti (verso cui le stesse amministrazioni che vietano in verità stanno andando per propri interessi), ma per creare un gap che rafforzerà l’economia degli USA, rispetto ai mercati “concorrenti”. Cosa significa? che se non saremo esperti, intelligenti, furbi nel trovare un modo di dare valore al nostro lavoro (ancora una volta) rischiamo di essere tagliati fuori dai giochi.

Sì, lo sappiamo che questo quadro non sembra ottimistico, ma in realtà ci dice che al contrario se abbiamo coscienza di tutto questo, dobbiamo attivare la nostra mente verso il “come usare meglio il nostro tempo” e “come strutturare al meglio gli strumenti”, perché gli strumenti alla fine sono oggetti che si trasformano e diventano potenti in funzione di quello che facciamo con loro.

Abbiamo fatto una animazione (la trovate qui sopra) che presenteremo durante il corso che faremo domani, lunedì 29 giugno, dalle ore 14 alle ore 18 online su Zoom e che dopo sarà disponibile anche in formato video completo di tutta la documentazione e i tool che abbiamo preparato. È un hamburger che mostra come il lavoro deve concentrarsi sempre di più su DECISIONE (capire cosa fare) e su CONSEGNA (delivering: cosa diamo al mercato) dedicando sempre meno sforzo “diretto-umano” all’ESECUZIONE (il fare), perché se sappiano cosa vogliamo fare, perché lo vogliamo fare, e a chi proporlo, l’esecuzione può essere semplificata e potenziata grazie a flussi di lavoro che prevedono automatizzazioni. È successo così con l’agricoltura, poi con le fabbriche e poi, con il digitale, con le piattaforme e gli algoritmi. Ora è arrivato il momento e l’occasione per tutti (noi tutti compresi).

Serve capire come gestire i flussi del lavoro, quando intervenire con la nostra unicità e creatività umana, e quando lasciare spazio all’automatizzazione e al processo controllato da macchine che sono bravissime a fare queste cose (seguire istruzioni, completare task, verificare processi, automatizzare). Dedicare sempre più tempo alla strategia, all’ingegno, alle nuove idee, alla sperimentazione, alla scoperta, allo studio, all’esplorazione anche di strade apparentemente sbagliate consentirà a tutti noi (lo consente già oggi) di fare la differenza. Ma per farlo non possiamo perdere tempo, dobbiamo entrare in questo nuovo approccio, un approccio che spieghiamo, raccontiamo, rendiamo usabile dal primo giorno in modo concreto, con questo nostro corso, FLOW. Non perdete l’occasione di averlo GRATIS, abbonandovi entro domani al nostro Aiway Magazine LAB. Questa iscrizione, che dura tre mesi (e poi, se volete, potete rinnovare e continuare a crescere con e grazie a noi) vi offrirà newsletter di aggiornamento, appuntamenti mensili di formazione, consulenza personalizzata, il far parte di una community di colleghi che vivono le stesse vostre attività e preoccupazioni (ed entusiasmi), ad un costo totale di soli 98 euro+iva (potete anche dividere il costo in 3 rate con Paypal) COMPRESO il corso FLOW e anche il corso su Midjourney che è lo strumento più potente e creativo per generare immagini fotorealistiche (e non solo) con l’AI e che verrà pubblicato entro l’estate. A partire dal 30 giugno, il SOLO corso Aiway FLOW passerà al costo di 160 euro + iva (senza altro, solo quel corso e solo in video).

Come detto: potete decidere di subire questa rivoluzione, da una posizione che non è privilegiata, per i motivi che vi abbiamo espresso in questo articolo, oppure potete entrare mentalmente ed operativamente in questo nuovo modo di pensare al lavoro, ma anche al nostro ruolo di persone.
A voi la scelta: noi vi aspettiamo numerosi!

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Usi l’AI per generare, correggere, modificare le tue immagini? O, al contrario, questa rivoluzione non è ancora entrata nel tuo flusso di lavoro quotidiano?

In entrambi i casi, quello che abbiamo creato è qualcosa che ti interesserà, perché nel frattempo i flussi di creazione supportati dall’intelligenza artificiale hanno fatto passi da gigante, cambiando la prospettiva del lavoro, dello sforzo, della produttività e, non ultimo - anzi primo - del ruolo professionale e creativo.

Si tratta di un corso di 4 ore, online, nato specificamente per fotografi professionisti ma anche per creativi dell’immagine e della comunicazione che vogliono fare il salto: vogliamo portarvi dall’essere chi lancia un prompt alla volta a chi progetta flussi che lavorano per te. La data è: 29 giugno 2026, dalle 14 alle 18, la piattaforma sarà Zoom e la registrazione video sarà inviata a tutti coloro che si iscriveranno, così se quel giorno non riuscite ad essere presenti dal vivo (anche se ve lo consigliamo… così potete fare domande ed intervenire, se volete), avrete tutto per poter studiare, e rivedere tutte le volte che vorrete.

Ma di cosa parleremo? In realtà ne abbiamo parlato spesso, in questo periodo, per esempio qui spiegavamo come i tool come Photoshop (il vostro/nostro Photoshop) oggi si integra a sistemi di AI come Claude per essere “comandato” e automatizzato da una chat, oppure QUI, abbiamo parlato dei nuovi flussi di lavoro visuale che usano i “nodi” per creare mappe di produzione e di creatività fluide e flessibili. O, ancora e ancora di più, quando vi abbiamo parlato di Agenti AI per fotografi (QUI).

Ma perché usare queste nuove strade? E quali scegliere? Lo spiegheremo molto nel dettaglio, durante il corso, ma se volete uno spoiler, il senso è: i flussi di lavoro ormai sono governabili dall’AI, e questo permette di avere una sola interfaccia, un processo che sposta il tempo dell’esecuzione tecnica (non creativa) dagli “umani” alle macchine, e quindi ci lascia modo di dedicarci alla creatività, alla gestione o alla ricerca del cliente, alla crescita professionale e culturale, a quello che significa (siamo sicuri che sarete d’accordo) essere umani. Ma c’è di più: questi processi, specialmente quelli dell’AI, vi permettono non solo di produrre meglio e più velocemente, ma anche di fare cose che la vostra attività richiede (impone) per crescere, per offrire nuovi livelli di ottimizzazione di tutte le componenti del lavoro, del marketing e della promozione della vostra attività, della gestione dei vostri social e per creare molteplici altre attività che potrete gestire per conto di nuovi clienti.

Si parla molto di tutto questo, in giro. Ma questo corso è il primo (e unico) che mette a fuoco le esigenze, la cultura, la conoscenza del settore della fotografia professionale, proposto da chi, per almeno due decenni, ha aiutato migliaia di professionisti di questo settore a trovare, sperimentare, implementare innovazione per aprire nuove opportunità. Non siamo qui a spiegarvi un “trucchetto” di Photoshop… siamo qui a supportarvi per trovare il vostro ruolo e difenderlo in un mondo in cui la concorrenza si fa sempre più forte.

Programma del corso:

Flussi, nodi, skills, Agenti AI:

Le “strade” che i fotografi professionisti e i creativi della comunicazione visiva hanno ora a disposizione per arrivare ad un nuovo livello creativo, produttivo e di business.

Organizzato e curato da Aiway Magazine LAB

Introduzione

Come è cambiata l’interazione con l’intelligenza artificiale a fronte della sua evoluzione agentica. Mappatura dei sistemi esistenti, integrazione con i tool che usiamo tutti i giorni e scoperta di nuovi tool e opportunità che ampliano ruoli, prodotti e processi.

Flussi a nodi

• Progettare il flusso di lavoro. La logica dei nodi: input → trasformazione → output, e perché conviene a un creativo

• Focus sulle piattaforme a nodi più usate ed efficienti e accenni ad altre piattaforme (da Figma Weave e Spaces di Magnific/Freepik, a Flora e Pletor).

• Quando usare i flussi a nodi (e quando altre strade che affrontiamo subito dopo)

• Esempi pratici di creazione di flussi e spiegazione di flussi già creati.

Skill e agenti con Claude

• Cos’è una skill e cos’è un agente?

• Come installarle e richiamarle nel flusso di lavoro

• Vi mostreremo skill pronte all’uso: per gestire flussi di immagini, video, per il marketing, per la gestione studio, per l’analisi della concorrenza, per la creazione di contenuti social, per lo sviluppo creativo

• Creare una skill in 3 modi, dal più semplice al più strutturato

• Modificare e mantenere le proprie skill

Cosa vi portate a casa:

• 4 ore di formazione unica, profonda, intelligente, appassionata

• Un tool per creare le vostre skills, esempi di skills già pronte, le slide del corso.

• Un futuro che lascerà più spazio alle cose che contano davvero del vostro lavoro (e della vostra vita)

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Costi

La cosa bella è che il corso è totalmente gratuito per tutti gli abbonati ad Aiway Magazine LAB, e non solo questo: entro l’estate pubblicheremo anche un eccezionale corso molto evoluto e completo dedicato a Midjourney (senza dubbio alcuno, il migliore e il più creativo tool di generazione di immagini AI). Sì, i corsi sono gratuiti per gli abbonati LAB, e questo si aggiunge a:

• Rivista online (7 numeri già usciti, il numero 8 è in arrivo)

• Newsletter settimanale esclusiva per essere aggiornati/e in tempo reale su tutto quello che è rilevante nel mondo dell’AI (pensate a quanto risparmiate in termini di tempo, anche evitandovi le tante cose prive di valore e di verità che si trovano in giro)

• Incontri mensili di formazione e di aggiornamento pratico, che potete vivere LIVE tranquillamente dal vostro divano, o comunque rivedere con calma in formato video

• Accesso al nostro canale community e di contatto con la redazione

• Mille altri vantaggi

L’abbonamento trimestrale ad Aiway Magazine LAB costa SOLO 98 euro + Iva, e sì… se non avete messo a fuoco il vantaggio, comprende anche i due corsi già in programma (quello del 29 giugno di cui abbiamo parlato e quello di Midjourney).

Dal 30 giugno, il SOLO corso sui Flussi a nodi e le skills costerà 160 euro + Iva, e lo stesso varrà per i corsi successivi che faremo. Volete perdere questa occasione di spendere molto meno e avere molto, molto (molto) di più?

Facciamo due conti:

Se deciderete di acquistare il corso dopo il 29 giugno, pagherete 160 euro + Iva invece che 98 euro + Iva

Se deciderete di acquistare il corso + il corso di Midjourney senza abbonarvi , pagherete 360 euro + Iva invece che 98 euro + Iva

Se deciderete di acquistare il corso + il corso di Midjourney, e quello di Makers senza abbonarvi pagherete 520 euro + Iva invece che 98 euro + Iva

Lo ripetiamo: se vi abbonate, in un solo trimestre spendete SOLO 98 euro + Iva e avete tutto quello che prevede l’abbonamento di Aiway Magazine LAB. Che ne dite, è un’occasione da non perdere?

Attenzione: se siete iscritti a TAU VISUAL, c’è una offerta per voi ancora migliore, quindi o scriveteci oppure chiedete direttamente a TAUVisual.

Speriamo di vedervi tutti entrare in questo mondo che vi apre migliaia di orizzonti di grande stimolo e di incredibili prospettive.

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(e ottieni i corsi gratis)

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Era Novembre del 1996. Adobe aveva organizzato una conferenza stampa per presentare Photoshop 4.0, e io ero lì, tra i pochi invitati, in un’epoca in cui il mondo del digitale creativo era davvero piccolo, quasi una famiglia estesa. Il product manager che conduceva la presentazione a un certo punto si era fermato, aveva alzato gli occhi dalla slide e aveva detto - rivolto in particolare a me - più o meno questo: “Sono sicuro che questa funzione piacerà molto a Luca.” Stava presentando le Azioni. Le Actions di Photoshop.

Per chi non lo ricordasse (o non lo sapesse), le Azioni erano e sono tutt’ora una cosa semplice e rivoluzionaria allo stesso tempo: potevi registrare una sequenza di operazioni - correzione colore, cambio dimensione, salvataggio in un formato specifico - e poi ripeterla con un click su qualsiasi altra immagine, oppure lanciarla in modalità batch su un’intera cartella. Per la nostra redazione, che era una piccolissima squadra che cercava di fare il lavoro di uno studio tre volte più grande, era una liberazione. Potevi smettere di spostare le stesse pietre, una per una, ogni volta da capo. Certo, aveva i suoi limiti: le Azioni richiedevano un processo rigido, costruito a priori, dove ogni passaggio doveva andare esattamente come previsto. Se si volevano operazioni complesse, il rischio che la sequenza si bloccasse a metà o non arrivasse al risultato corretto era tutt’altro che raro. Era uno strumento potente, ma poco flessibile: funzionava bene su processi semplici e standardizzati, e diventava fragile non appena le variabili in gioco aumentavano.

Trent’anni dopo, quella storia si ripropone. Ma stavolta con un’ampiezza che nel 1996 non avremmo potuto nemmeno immaginare.

Oggi il problema dei professionisti dell’immagine - fotografi, creativi, videomaker, designer - non è la mancanza di strumenti. È esattamente il contrario: di strumenti ce ne sono troppi, e nessuno parla con l’altro. Per fare un flusso di lavoro anche solo decente nell’AI creativa del 2026 devi avere account su cinque piattaforme diverse, esportare da una e importare nell’altra, aspettare rendering, scaricare file intermedi, ricaricarli altrove, perdere di vista il progetto d’insieme mentre sei ancora fermo al secondo passaggio dei dieci che hai in mente. È la sensazione di costruire un mosaico i cui tasselli non sanno di essere parte dello stesso quadro. Un caos che consuma ore, energie creative e, spesso, anche la voglia di sperimentare.

Parallelamente a questa frammentazione, però, stanno emergendo due risposte molto concrete. La prima sono gli agenti AI, di cui abbiamo parlato spesso e di cui torneremo a parlare ancora: sistemi capaci di gestire processi complessi in modo autonomo, che si configurano una volta e poi lavorano per noi. La seconda risposta è quella di cui voglio parlarvi oggi, e che forse conoscete meno: le interfacce a nodi.

Un nodo è un blocco che fa una cosa sola, e la fa bene. Generare un’immagine. Scrivere un prompt. Rimuovere uno sfondo. Fare upscale. Animare. Esportare nelle dimensioni giuste per i social. Un nodo non è isolato: si connette con quello prima e con quello dopo, attraverso un filo visivo che sulla schermata appare letteralmente come una linea che unisce blocchi. Costruendo un flusso di nodi si crea qualcosa che assomiglia molto più a una mappa mentale che a un software tradizionale: vedi l’intera struttura del processo, sai da dove sei partito, capisci dove stai andando, puoi aggiungere o togliere un passaggio in qualsiasi momento senza dover ricominciare dall’inizio. E soprattutto, una volta che il flusso è costruito (e in molti casi ci vogliono pochi minuti), puoi riusarlo ogni volta che ti serve, su qualsiasi contenuto.

Pensate a un processo reale: correzione del colore, scontorno ed eliminazione dello sfondo, inserimento di un prodotto reale nella scena generata, upscale per la massima risoluzione, animazione video, inserimento finale nelle grafiche dei social. Tutto questo in un unico ambiente connesso, tutto visibile, tutto ripercorribile senza importazioni manuali. Non ci sono file che si perdono tra le cartelle, non ci sono passaggi che dimentichi di fare. C’è un percorso, e il percorso è vostro.

Su questo fronte, tre piattaforme ci stanno interessando molto. Figma Weave, nata dall’acquisizione della startup Weavy per oltre 200 milioni di dollari nell’ottobre 2025, ha portato nell’ecosistema di Figma un canvas node-based che connette modelli come Runway, Luma, Google Veo 3 e ChatGPT in pipeline riusabili. È significativo che Figma, la piattaforma di riferimento per il design professionale, abbia scelto di muoversi esattamente in questa direzione con un investimento così importante. Magnific Spaces (la nuova identità di quello che conoscevamo come Freepik AI, lanciato a settembre 2025) ha costruito attorno alla stessa logica un canvas dove ogni nodo può generare immagini, creare video, produrre voiceover, elaborare file e passarli automaticamente al nodo successivo, tutto nello stesso ambiente.

Poi c’è Flora (lanciata nel febbraio 2025, finanziata con 42 milioni di dollari da Redpoint Ventures, usata da studi come Pentagram e da produzioni Lionsgate): un canvas infinito che integra oltre 50 modelli AI - da Flux a Kling, da GPT-5 a Google Veo 3.1 - e che a marzo 2026 ha introdotto Fauna, un agente creativo che si muove dentro il canvas stesso, rendendo il confine tra flusso a nodi e agente automatico sempre meno definito. Ma questa tecnologia è in fase di sviluppo anche per Adobe, che ha mostrato delle anteprime mesi fa e presto dovrebbe proporre la sua soluzione (che però non è detto che comprenderà anche modelli esterni, o quali).

Tante piattaforme, tanti approcci leggermente diversi, una sola idea di fondo: smettere di saltare tra software e diventare gli architetti del proprio processo creativo.

Ecco il punto che più ci preme condividere, e che crediamo sia la chiave di lettura giusta per guardare a tutto questo: non si tratta di imparare un nuovo strumento. Si tratta di cambiare il proprio ruolo. Chi lavora con le immagini ha sempre avuto un problema culturale in questo senso: la professione è stata associata all’esecuzione tecnica, al “fare con le mani”, al padroneggiare la macchina. Prima la fotocamera, poi la camera oscura, poi Photoshop, poi le curve e le maschere di livello. La bravura stava nella tecnica, la tecnica era il confine del valore.

Quella stagione è finita. Non perché la tecnica non conti più (conta, eccome, ma in modo diverso), ma perché il valore si è spostato altrove. Si è spostato sulla capacità di pensare un processo: capire che tipo di immagine vuoi, che risultato deve produrre, per chi, su quali canali, con quale coerenza visiva, e poi costruire il flusso che lo genera in modo affidabile e ripetibile. Questo è il ruolo del direttore creativo, dell’architetto visivo, di chi non muove le pietre, ma progetta dove vanno. Il tempo liberato dall’automazione è spazio per pensare, per proporre, per creare cose che prima non sarebbero esistite.

Connessioni che si collegano, nodi che comunicano, modelli che si passano il lavoro senza che tu debba intervenire a ogni passaggio: è esattamente così che funziona un team creativo ben organizzato. E ora è così che può funzionare il tuo processo, anche se lavori da solo.

Su questo vogliamo costruire insieme a voi un percorso concreto. Il 29 giugno terremo un corso online (quindi accessibile facilemente a tutti, e che verrà discribuito anche in formato video) che unisce entrambe le dimensioni di cui abbiamo parlato: i flussi a nodi e gli agenti AI, pensati specificamente per fotografi e creativi dell’immagine. Due facce della stessa visione, quella di chi non vuole più limitarsi a eseguire, ma vuole progettare, orchestrare, sperimentare e poi delegare le parti più meccaniche a sistemi che le gestiscono meglio di quanto potremmo fare noi stando incollati allo schermo.

Questo corso è gratuito per chi è abbonato ad Aiway Magazine LAB: un percorso che abbiamo costruito per chi vuole stare davvero al passo, con tutto ciò che questo significa oggi e che, nei prossimi mesi, permetterà quindi di avere GRATIS:

Il corso del 29 giugno su Flussi a nodi e Agenti per fotografi

Un corso PRO su Midjourney (dalle basi alla versione 8.1, con trucchi e profondità che non troverete da nessun’altra parte in Italia). Midjourney è in assoluto il MIGLIORE generatore di immagini, imprescindibile se volete lavorare a livello davvero professionale creativo.

Un corso MAKERS dedicato a chi vuole imparare a costruire prodotti nuovi - siti, webapp, installazioni interattive - usando creatività e competenza visiva per proporre al mercato qualcosa di davvero diverso.

Oltre a questo, l’abbonamento Aiway LAB comprende, come sempre:

Il Magazine online (7 numeri già disponibili, l’ottavo in arrivo)

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Un Incontro LAB mensile online di due ore di formazione (live+video),

L’accesso alla community e alla redazione per consigli e supporto diretto

Il link per abbonarsi e unirsi a questo percorso è questo. potete scegliere tra abbonamento trimestrale, oppure semestrale (scriveteci, abbiamo una promozione esclusiva per te!)

Trent’anni fa le Azioni di Photoshop avevano cambiato il modo in cui lavoravamo. Oggi i nodi cambiano qualcosa di più grande: cambiano chi siamo nel processo creativo. Architetti, non muratori. Direttori, non esecutori. La differenza non è una questione di strumenti, ma di prospettiva.

ABBONATI AD AIWAY LAB E OTTIENI I TRE CORSI GRATIS!

(il giorno successivo alla loro pubblicazione, i corsi non saranno più gratuiti se non eravate già iscritti ad AiwayLAB e da quel giorno saranno disponibili SOLO pagandoli singolarmente una cifra superiore all’abbonamento trimestrale, quindi non perdete tempo, se volete ottenere tutto al prezzo più contenuto!)

C’è un momento preciso in cui ci si accorge che qualcosa si è rotto. Non in modo drammatico, senza che crolli niente o suoni nessun allarme. È più sottile: ti ritrovi a scorrere un feed, uno schermo dopo l’altro, e ti rendi conto che sei anestetizzato. Draghi che distruggono città, onde giganti che travolgono grattacieli, volti umani che si dissolvono in spirali di pixel, sequenze che fino a tre anni fa avrebbero richiesto budget cinematografici e oggi vengono generate in quaranta secondi con un prompt di dodici parole. Tutto è possibile. E proprio perché tutto è possibile, niente stupisce più.

Questo è quello che da un po’ chiamiamo “effetto dinosauro”. È il nome che abbiamo dato a una deriva creativa precisa: quella di chi, trovandosi di fronte a uno strumento che permette di creare l’impossibile, sceglie sistematicamente di creare l’impossibile. Situazioni estreme, emozioni amplificate fino al grottesco. L’intelligenza artificiale ha abbassato il costo tecnico della meraviglia artificiale a zero, e la risposta di una larga parte del mondo creativo è stata quella di correre verso l’eccesso, come se la corsa all’iperbole fosse di per sé una strategia. Il problema è che quando tutti urlano allo stesso volume il risultato non è un concerto: è rumore.

La trappola dell’estremo, in realtà, non è nuova. Ogni volta che la tecnologia ha abbassato le barriere di accesso alla produzione c’è stata una fase di eccesso. Ma quello che sta succedendo adesso ha una caratteristica diversa: la velocità di saturazione è senza precedenti. Il ciclo tra “mai visto prima” e “già stanco di vederlo” si è compresso in settimane, a volte giorni. L’estremo è diventato la nuova normalità con una rapidità che non lascia spazio neanche alla nostalgia. E così ci troviamo in un paradosso che vale la pena di fermarsi a guardare: in un mondo in cui tutto può essere portato all’eccesso, la cosa più rara (e quindi la più preziosa) è la normalità.

Non facendo i romantici, non stiamo dicendo che bisogna tornare all’artigianato analogico per principio, né che l’AI sia in sé il problema. Stiamo dicendo qualcosa di più concreto: che la creatività autentica ha sempre avuto a che fare con la capacità di vedere quello che gli altri non vedono. E oggi quello che nessuno guarda più sono proprio le cose ordinarie. Il pavimento di una sala d’attesa. Il suono di una stampante che si scalda. Il gesto meccanico di tre nocche che battono sul tavolo mentre l’acqua del té sale a temperatura. Queste sono cose che esistono ovunque, che passano davanti a tutti ogni giorno, e che non catturano l’attenzione di nessuno. Finché qualcuno non decide di fermarsi e guardarle davvero. E lì, improvvisamente, c’è uno stupore che nessuna sequenza di dinosauri in CGI potrà mai generare, perché viene da qualcosa di vero.

La creatività che vale, oggi, è quella che sa trasformare il trascurato in emozione. Non l’emozione urlata (quella che ti aggredisce e ti costringe a fermarti, quella l’abbiamo capita tutti e l’abbiamo anche consumata). Ma l’emozione silenziosa di chi riconosce qualcosa di sé in un dettaglio che non sapeva di aver notato. Quella è la differenza tra chi produce contenuto e chi produce senso. E la differenza non sta negli strumenti, ma nello sguardo.

Su questo tema abbiamo un’opinione abbastanza precisa anche riguardo all’AI: il modo più intelligente di usarla non è quello che viene venduto come slogan, cioè efficienza, velocità, produttività. L’efficienza come obiettivo primario è una trappola elegante. Se tutti usano gli stessi strumenti per fare le stesse cose più velocemente, il risultato è un’omologazione accelerata: non creatività, ma clonazione. L’errore, l’imperfezione, il cammino storto che porta inaspettatamente da qualche parte di nuovo sono cose che l’ottimizzazione elimina per definizione. Non si impara ad andare in bicicletta senza cadere, e non si trova un’idea genuinamente originale seguendo il percorso già tracciato da qualcun altro. L’AI usata per fare di più e in meno tempo porta tutti a fare la stessa cosa, solo più in fretta. L’AI usata per alzare la qualità (per esplorare, per tentare, per sbagliare in modo più interessante) è un’altra storia.

La conseguenza di tutto questo è che il pubblico che vale si sta spostando. Non in modo visibile nei numeri aggregati, che premiano ancora l’eccesso perché l’eccesso scala. Ma c’è un pubblico più piccolo, più attento, più fedele che sta cercando qualcosa di diverso. Persone che non contano i like ma il tempo: quanto tempo hanno dedicato a qualcosa, quanto ci hanno pensato dopo, quanto sentivano che quello che stavano leggendo o guardando era stato fatto per loro e non per l’algoritmo. Un like non pesa nulla. Il tempo che qualcuno passa su un testo, su un progetto, su un’idea: quello pesa. E i media che riusciranno a costruire qualcosa di solido nei prossimi anni non saranno quelli con più follower, ma quelli con il pubblico più presente.

Andare contro corrente, in questo contesto, non è una posizione romantica né nostalgica. È la scelta strategicamente più sensata per chi vuole costruire qualcosa che duri. Non è facile, è probabilmente la strada più lunga, ma è l’unica che porta a un posto dove vale la pena stare.

Detto questo, ci teneva presentarvi un progetto che sta seguendo esattamente questa direzione, e di cui siamo in qualche misura testimoni, perché stiamo seguendo i suoi autori prima come docenti e poi come relatori di tesi nella costruzione di una tesi di laurea. Irene Trazzi e Alessandro Kosowski, studenti di TAG Trento, stanno lavorando a Conventional Magazine, un progetto editoriale che ha scelto l’ordinario come materia prima. Non per nostalgia, non per ironia: per convinzione.

Il numero zero si chiama The Waiting Room ed è esattamente quello che dice: una sala d’attesa digitale. Esplora i pavimenti delle poste, dei tribunali, degli ospedali e delle stazioni, con la stessa serietà con cui un giornale di architettura analizza un palazzo storico. Raccoglie rituali dell’attesa da Groenlandia, Giappone, Hong Kong, Argentina, Emirati (gesti piccoli, invisibili, che le persone fanno da secoli per sopportare il tempo morto). Racconta la storia del primo semaforo della storia (che esplose dopo un mese, uccidendo il poliziotto di turno) con la stessa cura con cui si racconta una battaglia napoleonica. Costruisce una galleria di scarabocchi psicologici (quei disegni involontari che la mano produce mentre la mente aspetta) e li trasforma in un archivio di chi siamo quando non stiamo cercando di impressionare nessuno. Il numero uno uscirà a settembre.

Nel frattempo, c’è la newsletter su Substack, che esce puntualmente ed è già il posto migliore per seguire il progetto mentre cresce. È lì che Irene e Alessandro stanno costruendo la comunità di lettori attorno all’idea, e vale la pena entrarci adesso, prima che la sala d’attesa si riempia. E poi ovviamente non poteva mancare Instagram, perché le persone vanno trovate anche dove, alla fine, ci sono proprio tutti (magari per portarli via da lì)

È un progetto editoriale che percorre come filosofia quello che descriviamo da tempo quando parliamo di qualità contro quantità. E come tutti i progetti che rompono gli schemi, ha bisogno di qualcosa di specifico: l’attenzione delle persone giuste. Non milioni di follower, ma persone sensibili (quelle che tra le lettrici e i lettori del Sunday Jumper ci sono sicuramente).

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Quando si decide di fare qualcosa di radicalmente diverso, la prima cosa che si accetta è che la maggior parte delle persone non lo capirà. Non subito, forse mai. Questo è esattamente quello che Ferrari ha fatto con Luce, la prima automobile completamente elettrica del Cavallino, presentata a Roma alla fine di maggio alla Vela di Calatrava di Tor Vergata, uno spazio che da solo racconta già qualcosa della visione con cui questo lancio è stato costruito. E quello che è successo nelle ore e nei giorni successivi è stato, se possibile, ancora più istruttivo dell'automobile in sé.

L'onda di critiche è arrivata puntuale, massiccia, e nella maggior parte dei casi straordinariamente superficiale. Montezemolo, il presidente storico che ha guidato Ferrari dal 1991 al 2014, ha dichiarato in un'assemblea di Confindustria che "c'è il rischio della distruzione di un mito" e che, se proprio non si può cambiare rotta, "almeno toglieteci il cavallino rampante". Il titolo in Borsa ha perso quasi l'8% tra Milano e New York. Sui social i meme si sono moltiplicati con la solita puntualità sconfortante (il confronto con la Fiat Multipla ha fatto il giro del mondo), e sulle testate si è aperta una gara a chi riusciva a demolire il progetto nel modo più definitivo. La domanda che quasi nessuno sembra essersi fatto, però, è quella che conta davvero: demolire rispetto a cosa?

Tutto il dibattito si è svolto usando come metro di giudizio l'idea che abbiamo di Ferrari: un muso lungo perché ospita un motore enorme, un rombo che si sente nel petto prima di girare la chiave, una silhouette aggressiva che urla sportività prima che tu salga a bordo. Tutto legittimo come punto di riferimento personale. Ma completamente sbagliato come parametro per valutare la Luce. Perché la Luce non è l'evoluzione delle Ferrari che conosciamo. È un prodotto completamente diverso, destinato a un mercato completamente diverso, costruito con una logica che Ferrari stessa non nasconde da un pezzo: quella dell'alta moda, del lusso puro, del cliente che non si aspetta di sentire il rombo sotto i piedi ma di vivere un'esperienza di raffinatezza assoluta. Con un prezzo di partenza di 550.000 euro - sopra qualsiasi altra Ferrari in catalogo - il Cavallino non sta cercando di strappare clienti a Lamborghini o Porsche. Sta cercando di parlare a persone che comprano anche abiti su misura a Parigi e orologi che costano quanto un appartamento. È un altro binario, un altro cliente, un altro senso del lusso.

Su questo, le polemiche riguardanti la firma del design hanno toccato un punto che meritava molta più attenzione. Il progetto è stato affidato a LoveFrom, lo studio fondato da Jony Ive e Marc Newson, con sede a San Francisco. La critica che ha girato più di ogni altra - "come si fa a dare in mano il design di una Ferrari agli americani?" - dimostra esattamente il tipo di pigrizia intellettuale di cui stiamo parlando. Perché Jony Ive non è americano. È britannico, nato a Chingford, East London, formatosi come designer industriale al Newcastle Polytechnic. È l'uomo che ha disegnato l'iPhone, l'iPod, l'iMac, l'Apple Watch e l'interfaccia di iOS. Definirlo "americano" perché il suo studio si trova a San Francisco è come definire Leonardo da Vinci "francese" perché morì ad Amboise. La sensibilità di Ive - calibrata, minimale, ossessionata dai materiali e dai dettagli - è radicalmente britannica ed europea, l'opposto dello stereotipo a cui si fa appello quando si parla di "gusto americano" nell'automotive. Il fatto che nessuno, in settimane di polemiche, si sia preoccupato di verificare la nazionalità del principale accusato la dice lunga sulla solidità delle argomentazioni. Ah, a proposito: Marc Newson è australiano e comunque tutto il progetto è stato supportato e condiviso da Flavio Manzoni, storico e mitico Chief Design Officer di Ferrari e responsabile del Centro Stile di Maranello. Il suo ruolo sul progetto Luce non è stato quello di autore del design, ma di interlocutore e coordinatore interno: LoveFrom ha gestito la visione estetica, mentre Manzoni e il suo team si sono occupati degli aspetti tecnici, dell'industrializzazione e dell'omologazione, garantendo che la visione di Ive e Newson fosse effettivamente realizzabile su un'automobile.

Non è quindi solo una questione di difendere la scelta dei designer (tra i più autorevoli al mondo, al contrario di tutti quelli che parlano e che, ad esclusione di leciti pareri di gusto, probabilmente non sanno nulla di design e di visione). È capire perché quella scelta è stata fatta. LoveFrom non è specializzata nello specifico nel design di automobili, e questo non è un limite del progetto, è esattamente la sua premessa. Ferrari ha scelto qualcuno che non portasse il bagaglio culturale dell'automotive, qualcuno capace di guardare la macchina come oggetto di lusso nella sua totalità, senza il peso delle aspettative storiche. Quello che ne è uscito può piacere o non piacere, ma non può essere valutato ignorando questa premessa.

Quello che colpisce, ripensando al dibattito, è che quasi nessuno ha parlato degli interni e ancor di più della “interfaccia”. Eppure gli interni della Luce sono, per ammissione quasi unanime anche tra chi ha demolito l'esterno, qualcosa di straordinario. La console centrale, i selettori, la plancia, il modo in cui il display è integrato senza diventare il protagonista assoluto, la qualità dei materiali: tutto parla di un livello di cura artigianale che si vede raramente. Non c'è il tablet appiccicato sulla plancia che caratterizza la maggior parte delle elettriche di lusso in questo momento. C'è un dialogo progettato tra l'occupante e lo spazio, un'interfaccia che tratta chi guida come protagonista di un'esperienza, non come utente di un sistema. Questo, per chi si occupa di design e di come gli oggetti comunicano con le persone, è molto più interessante da analizzare di qualsiasi confronto estetico con la Ferrari Purosangue (l’ultima nata, prima della Luce, acclamata proprio per la sua bellezza e il suo design, così tanto “purosangue Ferrari”).

Le presentazioni dell'alta moda funzionano da sempre con un meccanismo identico. Ogni stagione, le sfilate dei grandi brand generano incomprensione, ironia, e una coda interminabile di commenti che usano come parametro la portabilità normale di un abito, come se l'haute couture stesse cercando di vestire la gente invece di creare visioni e indicare direzioni. Quelle visioni poi si declinano in quello che due o tre stagioni dopo tutti indossano senza sapere da dove viene. Ferrari sta facendo esattamente la stessa cosa, con la stessa certezza di generare incomprensione nel breve periodo e la stessa convinzione che il mercato di riferimento capirà dove si sta andando.

In questo contesto, la presa di posizione del CEO di Lamborghini Stephan Winkelmann ci ha fatto molto sorridere. Approfittando dell'attenzione globale generata dalla polemica, Winkelmann ha dichiarato a CNBC che la scelta di cancellare il progetto di auto completamente elettrica di Lamborghini per concentrarsi sulle ibride plug-in era "la strada giusta". Benissimo, probabilmente è una scelta corretta per Lamborghini. Ma il timing - cavalcare con precisione il momento esatto in cui tutti stavano criticando Ferrari - ha molto più il sapore di una battuta brillante che di una dichiarazione di visione. Lamborghini produce automobili eccezionali, ma la sua visibilità mediatica nei momenti normali è obiettivamente microscopica rispetto a quella del Cavallino. Forse questa uscita è stata un'opportunità ghiotta per occupare per qualche ora uno spazio di attenzione che altrimenti non avrebbe trovato. Il che è comprensibilissimo. Ma dimostra anche, indirettamente, che fare un progetto come la Luce avrebbe richiesto una solidità di brand e una chiarezza di visione che appartengono a un'altra categoria.

C'è un esperimento che continua a tornare in mente. Qualche tempo fa, per dimostrare che l'intelligenza artificiale non è capace di produrre immagini di valore artistico, qualcuno ha pubblicato in rete un'opera affermando che era stata generata con l'AI. Centinaia di commenti hanno descritto con dovizia di particolari i segni evidenti della generazione artificiale, la bassa qualità, l'imitazione meccanica. Il dipinto, però, era in realtà un Monet autentico. Quello che quell'esperimento racconta è qualcosa che continuiamo a dimenticare con una costanza impressionante: quando decidiamo in anticipo cosa vogliamo vedere, lo vediamo. E quando decidiamo in anticipo cosa non può funzionare, troviamo mille conferme costruendo l'intera analisi a partire da una conclusione già scritta. Le critiche alla Luce hanno esattamente questa struttura. Si parte dall'assunto che quell'automobile non può essere Ferrari, e da lì si costruisce tutto il resto.

Non compreremo mai una Ferrari Luce: questo va detto con la stessa onestà che usiamo per mille altri oggetti di lusso straordinari che non appartengono alla nostra visione del mondo. Ma quello che riconosciamo, con un rispetto che non è diminuito di un grammo dopo le polemiche, è che solo chi è davvero grande può permettersi mosse di questo tipo. Solo chi ha un brand abbastanza solido da reggere l'8% di perdita in Borsa senza dover cambiare una virgola della propria visione. Solo chi ha il coraggio di sapere in anticipo che la reazione sarà di incomprensione diffusa, e di andare avanti lo stesso. Benedetto Vigna, il CEO di Ferrari, ha risposto alle critiche con una semplicità disarmante: "delle critiche me ne importa poco, andiamo per la nostra strada". Non è arroganza, ma la dichiarazione di qualcuno che sa esattamente dove sta andando, e sa anche che la maggior parte di chi critica oggi non è il pubblico a cui si rivolge. Tutti gli altri - quelli che non hanno questa certezza, questa solidità, questo brand - seguiranno le strade più rassicuranti e più facili da spiegare. E poi, tra qualche anno, seguiranno la direzione che Ferrari ha indicato per prima, senza ricordarsi bene quando tutto è cominciato.

Questa settimana Google ha fatto un annuncio che, se ci si ferma un momento a pensarci, dice molto più di quanto sembri. Al Google I/O del 19 maggio, l'azienda ha confermato che SynthID - il suo sistema di watermark invisibile per i contenuti generati dall'intelligenza artificiale - sta entrando in Google Search, in Chrome e in Circle to Search su Android. Numeri alla mano, SynthID ha già contrassegnato oltre 100 miliardi di immagini e video, più 60.000 anni di audio. E, dettaglio non secondario, anche OpenAI ha deciso di adottarlo: a partire dalle immagini create tramite ChatGPT, Codex e la propria API, incorporerà il watermark di Google DeepMind insieme alle Content Credentials C2PA che già utilizza.

C2PA, per chi non lo conosce, è lo standard tecnico aperto fondato nel 2021 da Adobe, BBC, Intel e Microsoft, e oggi sostenuto da oltre 6.000 membri tra cui Google, Meta, Sony, Nikon e Leica. Funziona incorporando metadati verificabili sulla provenienza nei contenuti digitali: immagini, video, audio, documenti. Lo stesso 19 maggio, OpenAI ha aderito al comitato direttivo di questo standard, impegnandosi a dichiarare esplicitamente la natura dei propri output generati dall'AI. Google ha inoltre lanciato il SynthID Detector, un portale standalone che scansiona contenuti caricati e indica esattamente quali porzioni portano il watermark — con accesso prioritario per giornalisti, professionisti dei media e ricercatori.

È, oggettivamente, un progresso. Dopo anni in cui il dibattito sulla disinformazione visiva è rimasto bloccato sul "si fa presto a dire deepfake", finalmente c'è un'infrastruttura tecnica concreta, sostenuta da attori di peso, che inizia a rispondere alla domanda "ma come facciamo a sapere se un'immagine è vera?". Il watermark non cambia la qualità del contenuto, resiste a ritagli, filtri, compressione, e viene generato automaticamente (sui dispositivi Pixel, per esempio, anche i video registrati con il telefono ottengono un certificato crittografico di provenienza).

E però, mentre ci preoccupiamo (giustamente) di distinguere le immagini generate dall'AI da quelle "reali", questa settimana è successa un'altra cosa che merita di essere osservata. SpaceX ha depositato il documento S-1 presso la SEC, avviando ufficialmente la sua IPO, che punta a essere la più grande della storia della finanza, con una valutazione tra 1.500 e 2.000 miliardi di dollari e un obiettivo di raccolta che arriva a 75 miliardi. Il ticker sarà SPCX, la data ipotizzata è il 12 giugno sul Nasdaq.

Nel documento, SpaceX dichiara di aver identificato "il più grande mercato indirizzabile della storia umana", stimato in 28,5 trilioni di dollari. E poi c'è il dettaglio che più di tutti merita attenzione: il "Mars bonus", una clausola che consente a Elon Musk di ricevere fino a un miliardo di nuove azioni quando un milione di persone vivranno su Marte. Marte. Non quando ci sarà un profitto, non quando si raggiungerà un fatturato, non quando si completerà una missione concreta. Quando un milione di persone vivranno su un altro pianeta, con tecnologie che oggi non esistono, per un obiettivo che nessun essere umano ha mai raggiunto nella storia.

Eppure, a partire da questa narrazione, i mercati stanno ragionando su valutazioni superiori a quelle di qualsiasi azienda che abbia mai messo piede in borsa. Non ci sono numeri di fatturato che giustifichino queste cifre. Ci sono storie. Storie affascinanti, raccontate benissimo, capaci di generare un entusiasmo genuino - ma pur sempre storie.

Il problema non è Musk o SpaceX in particolare, ma il meccanismo. Viviamo in un momento in cui la distinzione tra informazione e narrazione si è fatta sottile quasi fino a scomparire, e in cui l'asticella di ciò che deve essere dimostrato per essere creduto si è abbassata in modo drammatico. Non solo nei mercati finanziari: nella politica, nelle istituzioni, nel dibattito pubblico. I governi dichiarano fatti che sono narrazioni. I politici descrivono scenari futuri come se fossero realtà presenti. Le piattaforme amplificano chi urla più forte, non chi argomenta meglio. E tutto questo, per qualche ragione che sarebbe interessante analizzare, sembra essere socialmente accettato come parte delle regole del gioco.

La cosa curiosa è che per le immagini generate dall'AI abbiamo costruito (e stiamo consolidando) un'intera infrastruttura tecnica: SynthID, C2PA, Content Credentials, portali di verifica con liste d'attesa per giornalisti. Per decenni abbiamo usato Photoshop, strumenti di ritocco, filtri e manipolazioni di ogni tipo, senza che questo generasse una risposta sistemica comparabile. Ma quando l'AI ha reso la cosa scalabile e accessibile, il problema è diventato urgente. Ha senso, sia chiaro. I deepfake di persone reali, le immagini di eventi mai accaduti, i video sintetici usati in contesti politici: sono rischi reali che meritano risposte reali.

Ma il punto che si fa fatica a non notare è che lo stesso ecosistema che si mobilita per marchiare un'immagine generata da Gemini sembra molto meno preoccupato di dover certificare l'affidabilità di una narrazione da 2.000 miliardi di dollari. Per i contenuti visivi esiste il watermark. Per le parole, esiste il fact-checking giornalistico che i migliori giornali e mezzi di informazione praticano con rigore, e che rimane uno degli strumenti più preziosi che abbiamo. Ma il fact-checking è uno strumento umano, lento, che richiede redazioni, fonti, tempo. Ed è efficace quando la falsità da smontare ha una forma concreta: una data sbagliata, un numero inventato, una foto manipolata.

Dove il fact-checking tradizionale mostra i suoi limiti è quando la "fonte" non è un documento falsificabile, ma una dichiarazione. Quando Musk dice che un milione di persone vivranno su Marte e guadagneranno miliardi di dollari, non sta diffondendo una notizia falsa nel senso tecnico del termine: sta dichiarando una visione del futuro. E quella dichiarazione - proprio perché è una dichiarazione, non un fatto verificabile - scivola attraverso i filtri del fact-checking come acqua tra le dita. Non si può smentire un sogno con la stessa precisione con cui si smentisce una statistica inventata. La dichiarazione viene presa per buona, amplificata dai mercati, trasformata in una valutazione da 2.000 miliardi, e il ciclo si chiude senza che nessun meccanismo di verifica abbia avuto modo di incepparsi.

È una differenza sottile ma fondamentale: il problema non è che le bugie non vengano verificate, è che certe forme di comunicazione non entrano nemmeno nella categoria "verificabile". Restano nell'aria come promesse, come visioni, come "narrazioni di sistema" che generano fiducia e flussi di capitale indipendentemente da qualsiasi riscontro documentato.

C'è una figura italiana che, in qualche modo, ha anticipato questo meccanismo con qualche decennio di anticipo: Wanna Marchi. Non per sminuire il discorso, ma forse per renderlo più nitido. Marchi vendeva prodotti e promesse con una capacità narrativa straordinaria, in un'epoca in cui i meccanismi di verifica erano lenti e gli strumenti di amplificazione erano la televisione commerciale. Quello che costruiva era esattamente un sistema in cui l'intensità della promessa sostituiva la prova della promessa. E funzionava, fino a quando non funzionava più. La differenza con il presente, però, è che Marchi operava su scale relativamente piccole, con un pubblico che poteva eventualmente rendersi conto dell'inganno in modo diretto e personale. Oggi le stesse dinamiche operano su scala globale, con attori che dispongono di piattaforme di amplificazione enormi e di un pubblico che - per ragioni legittime, non per ingenuità - decide di investire fiducia e denaro in una direzione, anche senza prove, perché la narrativa è sufficientemente affascinante e il narratore sufficientemente credibile.

La domanda che vale la pena farsi, dunque, non è solo se SynthID funzioni (funziona, ed è un passo importante). È se siamo disposti, come cultura, a pretendere lo stesso livello di trasparenza per le parole che esigiamo per le immagini. Un watermark certifica che un'immagine è stata generata da un algoritmo. Ma chi certifica che una promessa è fondata su qualcosa di reale, e non solo su un ottimo venditore? E soprattutto: vogliamo davvero saperlo, o preferiamo continuare a credere alle belle storie… purché siano abbastanza grandi da sembrare vere?

I Rolling Stones hanno appena pubblicato il video del loro nuovo singolo “In the Stars”, anticipazione di “Foreign Tongues”, l’album in uscita il 10 luglio. Se non lo avete ancora visto, fatelo: Mick Jagger, Keith Richards e Ronnie Wood suonano in un magazzino affollato di fan e sembrano esattamente com’erano negli anni ‘70. I loro volti sono stati digitalmente de-invecchiati da Deep Voodoo, la società fondata dai creatori di South Park Trey Parker e Matt Stone, la stessa che aveva già trasformato il volto di Kendrick Lamar in quello di O.J. Simpson e Kobe Bryant nel video “The Heart Part 5”, e che aveva ringiovanito Billy Joel nel 2024. È un’operazione tecnicamente impegnativa (nei crediti compaiono controfigure per ogni membro della band e una figura denominata “AI data wrangler”, cioè chi gestisce i dati e i materiali video necessari ai modelli), ma visivamente fluida, abbastanza da reggere bene anche sul grande schermo.

Non è un caso isolato. Robert Zemeckis ha fatto lo stesso in “Here”, il film con Tom Hanks e Robin Wright ambientato nella stessa casa attraverso secoli di storia: i due attori vengono de-invecchiati in tempo reale, usando come base filmati della Wright diciannovenne (tra parentesi, film che ha visto anche l’utilizzo del tool di upscaling Magnific per il miglioramento di alcune scene). Il de-aging è passato da trovata bizzarra a strumento di lavoro vero e proprio, usato sempre più spesso anche fuori dai grandi budget hollywoodiani.

Per chi fotografa e produce video in modo professionale, tutto questo non è una curiosità lontana, ma è una mappa del territorio in cui si lavora già, o si lavorerà tra poco.

Operazioni come quella dei Rolling Stones funzionano, e funzionano bene: creano interesse, generano discussione, alimentano la promozione in modo molto più efficace di una semplice uscita discografica. Il video fa parlare del video, parlando del video si parla del disco, e parlando del disco si costruisce attesa attorno all’album. È esattamente quello che serve a una band come i Rolling Stones per tornare con forza su un mercato che dimentica in fretta. La tecnica, in questo caso, è al servizio di qualcosa di più grande: l’immagine di un mito che non invecchia, che esiste fuori dal tempo, che non ha bisogno di spiegarsi. E funziona perché dietro ci sono cinquant’anni di storia vera.

La domanda da porsi, però, non è se la tecnica funziona: funziona, e usarla bene richiede competenza, investimento e visione. La domanda è: per quanto?" Nel breve, un de-aging così riuscito appare convincente ed eccitante, apre porte, cattura attenzione. Ma nel tempo, costruire una presenza (di una band, di un brand, di un professionista) richiede qualcosa che va oltre l’effetto speciale, per quanto raffinato. Richiede una narrazione che si accumula, che crea memoria, che genera un legame emotivo genuino con chi la riceve.

Parallelamente, circola in questi giorni una riflessione approfondita sullo stato della comunicazione dei brand sui social, e dice cose che si collegano in modo diretto a questa questione. I feed sono saturi di contenuti prodotti in serie, senza una strategia di marca che regga nel tempo, costruiti per accontentare gli algoritmi e non le persone. I brand grandi usano i trend come scorciatoia pigra, al posto di una narrazione solida che costruisca qualcosa di duraturo. I brand piccoli, che spesso non hanno altre risorse, li usano come unico strumento di visibilità. Il risultato, nei due casi, è un volume enorme di contenuti che non costruisce niente, che non rimane nella memoria di nessuno, che genera un momento di visibilità e poi scompare nel rumore.

Quello che la comunicazione di marca dovrebbe costruire - credibilità, relazioni reali, riconoscibilità nel tempo - viene continuamente sacrificato alla metrica del giorno, alla frequenza che tiene buono l’algoritmo. Si posta perché “bisogna postare”, non perché esiste un’idea chiara di dove si vuole arrivare. E andare avanti senza una direzione, a lungo, stanca tutti: il brand, chi lo segue, e chi ci lavora.

Questo tocca direttamente chi produce immagini e video per i brand. Perché se la strategia del cliente è “produciamo tanto e velocemente”, il ruolo del fotografo o del video maker diventa prettamente esecutivo: fare in modo rapido, replicabile, senza troppo pensiero. Ed è esattamente il tipo di lavoro che i sistemi di intelligenza artificiale stanno imparando a fare sempre meglio. Ritocco fotografico, generazione di varianti visive, adattamento ai format dei social, de-aging: tutto questo è già automatizzabile in buona parte, e gli strumenti migliorano a un ritmo impressionante. Chi si posiziona come esecutore tecnico di contenuti da consumare in fretta si trova a competere con qualcosa che è più veloce, più economico e sempre meno dipendente da una persona in carne e ossa.

Ma c’è un’altra strada, e non è una via di fuga romantica: è concreta. Quando Zemeckis costruisce “Here”, non lo fa per mostrare quanto sia bravo il suo team. Lo fa perché ha una storia da raccontare che attraversa il tempo, e ha bisogno di un linguaggio visivo che renda quella storia credibile emotivamente. Quando i Rolling Stones usano Deep Voodoo, non stanno solo applicando un filtro: stanno costruendo l’immagine di una band che esiste fuori dal tempo, e usano quella storia per dare forza al ritorno discografico. Lo strumento è l’AI, ma il progetto è la narrazione: sono due cose che non si possono invertire.

I fotografi e i videomaker che lavorano con un’intenzione precisa, che costruiscono storie visive con un prima e un dopo, che aiutano un brand a capire cosa vuole dire di sé nel tempo e non solo questa settimana, offrono qualcosa che nessun sistema automatizzato può generare: un punto di vista. Un modo di raccontare che si riconosce, che diventa familiare, che cresce. Una relazione con il brand che non si esaurisce in una consegna di file, ma che si approfondisce progetto dopo progetto, finché il professionista dell’immagine non diventa parte del modo in cui un’azienda racconta se stessa.

È la differenza tra produrre contenuti e costruire memoria. E la memoria - quella che rimane e genera credibilità nel tempo - è l’unica cosa per cui i brand con una visione sono disposti a investire davvero. Non nel volume. Non nella velocità. Non nell’effetto speciale fine a se stesso.

I Rolling Stones nel video “In the Stars” sembrano i Rolling Stones degli anni ‘70. Ma li ricordate per quello, o li ricordate per cinquant’anni di concerti, di copertine di album, di storie stratificate una sull’altra fino a creare qualcosa che nessun de-aging ha bisogno di spiegare, perché esiste già nella testa di chiunque li abbia mai ascoltati? Il de-aging funziona perché c’è una storia enorme dietro. Senza quella storia, è solo un filtro costoso.

È proprio per questo che su Aiway Magazine lavoriamo su due fronti. Da una parte il lato tecnico: raccontiamo in tempo reale cosa si può fare, mostriamo gli strumenti, spieghiamo nel nostro Lab come usarli nel modo più efficace, perché queste tecnologie sono già realtà e integrarle bene rafforza il valore del professionista, non lo riduce. Dall’altra lavoriamo sul lato culturale: perché la magia tecnologica che si rinnova ogni giorno non diventi l’unico punto su cui investire, ma diventi invece un pezzo di una costruzione più pensata, orientata alla narrazione, capace di creare emozione e di costruire una storia che dura nel tempo.

Non si tratta di scegliere tra tecnica e cultura. Si tratta di capire che l’effetto speciale, da solo, attrae sì ma solo per un momento, mentre quando fa parte di una storia più grande - come nel caso dei Rolling Stones, che hanno dietro decenni di storia reale a dare senso a tutto - cambia natura: diventa qualcosa che resta.

Chi lavora con l’immagine oggi ha questa riflessione da fare: imparare a usare gli strumenti nuovi con intelligenza, senza lasciare che diventino il fine del lavoro. Investire nella propria capacità di costruire narrazioni, di capire i brand in profondità, di proporre progetti che lascino qualcosa, non solo nelle statistiche della settimana, ma nella memoria di chi li guarda. Non è semplice, e non si costruisce in fretta: richiede tempo, richiede visione, richiede di saper parlare con i clienti non solo di tecnica, ma anche di strategia e di senso.

Ma è la differenza tra essere uno strumento e essere un autore. E tra i due, nel mercato che si sta costruendo, solo uno ha un futuro che non dipende dal prossimo aggiornamento di un modello AI.

C’è una sensazione che probabilmente conoscete bene. Si apre Instagram, LinkedIn, TikTok, qualsiasi piattaforma, si scrolla per dieci minuti, e alla fine non resta in mente quasi niente. Decine di immagini, frasi, video, idee passano davanti agli occhi e poi scompaiono, sostituite dalla successiva, e dalla successiva ancora. Non è una mancanza di attenzione personale: è esattamente quello che gli algoritmi sono stati costruiti per produrre. Un flusso ininterrotto di stimoli brevi, tarati sulla velocità più che sulla profondità, dove l’unica metrica che conta davvero è il tempo che passate nell’app.

Questo modello - che ha dominato l’ultimo decennio dei media digitali - sta producendo un effetto strutturale che oggi è sotto gli occhi di tutti. I social hanno smesso di essere luoghi di proposta editoriale per diventare macchine di trend, in cui il contenuto stesso è progressivamente subordinato al formato che funziona meglio per l’algoritmo del momento. E mentre questa direzione si accentua, qualcosa cambia anche dall’altra parte dello schermo: il pubblico comincia a stancarsi.

Su questo scenario, l’arrivo dell’intelligenza artificiale generativa ha aggiunto una pressione ulteriore, e in due direzioni opposte che è importante distinguere. La prima è la più evidente: l’AI rende straordinariamente facile produrre contenuti in quantità industriale. Quello che fino a poco tempo fa richiedeva ore - scrivere un post, generare un’immagine, montare un video - oggi si fa in pochi minuti, e se ne automatizza anche la pubblicazione. La conseguenza è che Instagram, LinkedIn e gli altri grandi feed si stanno riempiendo di volumi crescenti di materiale a bassa cura editoriale, dove la qualità media tende inevitabilmente verso il basso e la soglia di attenzione del lettore si abbassa di conseguenza, perché tutto si confonde con tutto.

Su un fronte diverso, e forse meno visibile, si muove invece l’altra trasformazione, quella legata all’AI come motore di ricerca. Sempre più persone non aprono più dieci link su Google: chiedono direttamente a ChatGPT, Perplexity o alla nuova interfaccia di ricerca AI di Google, e si fermano alla risposta sintetica che ricevono. È una risposta che attinge ai contenuti degli editori - quindi al lavoro fatto da chi scrive davvero - ma che spesso non rimanda più alla fonte, o lo fa in modo marginale. Il risultato è un crollo netto del traffico verso i siti, già documentato da diversi gruppi editoriali in tutto il mondo, che sta cambiando in profondità il modo in cui i media trovano il proprio pubblico.

Mettete insieme queste due dinamiche e capirete perché molti professionisti dei contenuti vivono in questi mesi una sensazione di vicolo cieco. Da una parte i social premiano la quantità superficiale, dall’altra l’AI intercetta il pubblico prima che arrivi al lavoro originale. La domanda quindi è: dov’è lo spazio per chi vuole costruire qualcosa che resti?

La risposta - quella che troviamo sempre più convincente - non sta nel fare guerra agli algoritmi sul loro stesso terreno, ma nello spostare il baricentro. I podcast crescono in modo continuativo da anni, soprattutto quelli a episodi lunghi, dove l’ascoltatore investe tempo deliberatamente. Le newsletter - questo Sunday Jumper compreso - trovano un pubblico sempre più attento, che apre, legge, salva, condivide, perché ha scelto consapevolmente di ricevere quel contenuto. E i media editoriali che hanno scommesso sulla qualità lunga, sui podcast, sull’audience che vuole approfondire, stanno costruendo qualcosa che gli algoritmi di TikTok semplicemente non sanno replicare: una relazione con il lettore che non passa dal feed ma dalla scelta diretta.

Su questo terreno, le immagini hanno un ruolo che merita attenzione. I modelli di intelligenza artificiale sono efficaci nel riassumere parole, nell’estrarre concetti dal testo, nel restituire una sintesi rapida di un articolo. Sono molto meno efficaci con storie costruite intrecciando immagini e testo in modo non separabile, dove il senso nasce dalla relazione tra figura e parola, dal ritmo visivo, dalla composizione della pagina. Una storia illustrata, una graphic novel, un long-form visivo non si lascia comprimere in tre righe di risposta automatica. Chi vuole capirla deve andare a leggerla. E proprio per questo attrae un pubblico più selezionato, magari più di nicchia, ma incomparabilmente più presente.

Vogliamo raccontarvi un esempio che ci riguarda da vicino, ed è una storia dentro un’altra storia. Rita Nadir Nicotra - una mia tesista, che ho seguito come relatore - ha sviluppato una tesi che parte dalla sua storia personale e la trasforma in un esperimento editoriale articolato in molti tasselli. Un articolo, una versione illustrata in HTML con interazioni, storie disegnate, un documento interattivo che mostra con immagini, parole e audio l’evoluzione delle leggi italiane sulla famiglia e sui ruoli genitoriali, un podcast, persino un dizionario cartaceo che propone parole nuove per categorie culturali ormai inadeguate. Una tesi pensata fin dall’inizio non come oggetto chiuso, ma come metodo: cercare spazi di ascolto diversi da quelli che il mercato dei media offre oggi.

Il primo tassello di questo percorso era già stato pubblicato da Il Post mesi fa, in una rubrica dedicata alle storie personali - un articolo dal titolo “Io e le mie madri” in cui Rita raccontava in forma scritta il proprio nucleo familiare e le domande che porta con sé (qui il pezzo originale). Già allora si vedeva la qualità della voce e la chiarezza del progetto narrativo. Ma è proprio ieri che è arrivato il tassello visivo, e lo ha accolto di nuovo lo stesso giornale: “Nati dallo stesso donatore”, una lunga tavola illustrata che racconta in immagini un pezzo successivo della sua storia, l’incontro a Parigi con un ragazzo e una ragazza che un test del DNA online le aveva indicato come fratelli, nati dallo stesso donatore. Non vi spoileriamo nulla: vale la pena guardarla e leggerla così come è stata costruita, perché è esattamente l’esempio di una storia che vive del suo ritmo visivo, dell’alternanza tra disegno e parola, del tempo che chiede a chi la sfoglia. Una storia che un riassunto generato da un’AI non potrebbe restituirvi.

Il fatto che sia uscita su Il Post non è secondario, e merita una riflessione. Il Post è oggi una delle realtà editoriali più vive in Italia, con una direzione molto chiara: contenuti gratuiti accessibili a tutti sul sito, abbonati che pagano per non vedere pubblicità (l’unico grande giornale online italiano a tenere insieme queste due cose) e una proposta in continua espansione tra podcast di grande seguito, newsletter, libri, eventi, prodotti editoriali complementari. È un modello che dimostra ogni giorno che si può fare informazione lunga e di qualità in un mercato che a parole sembra non volerne più. Non a caso, è anche il giornale che ha accolto il lavoro di Rita.

E qui torniamo a voi, ai professionisti dell’immagine che ci leggete, che siete il nostro interlocutore principale. Se il mercato in questo momento non vi sta chiedendo progetti così evoluti, così stratificati, così capaci di tenere insieme racconto, immagine e tempo di lettura, forse la strada non è aspettare che ve lo chiedano. Forse è proporli voi. Bussare a porte editoriali, a media attenti, a riviste e piattaforme che cercano qualcosa di diverso, con idee forti e progetti che aprano una breccia in un panorama che sembra andare nella direzione opposta. Non è romanticismo, bensì una scelta di posizionamento professionale, in un momento in cui chi sa fare storytelling visivo curato ha - paradossalmente - più spazio di quanto pensi.

Il nostro grazie a Il Post per il coraggio editoriale che continua a mettere nelle proprie scelte, e i nostri auguri grandi a Rita per un percorso che si è appena aperto e che ha già parecchie porte davanti. Lasciamo questa porta socchiusa anche per voi: là dietro c’è qualcuno che ancora vuole leggere, guardare, fermarsi. Spesso, è anche il pubblico più interessante con cui lavorare.

Da qualche giorno qualcosa è cambiato, e vale la pena raccontarlo con la precisione che merita. Anthropic ha aggiornato i connettori di Claude rendendo possibile l’interazione diretta con una serie di strumenti creativi che fino a poco tempo fa restavano fuori dalla portata di qualsiasi sistema AI: Blender per la modellazione 3D, Canva per la grafica destinata ai social e al web, e l’intera Creative Cloud di Adobe. Questo aggiornamento è il primo passo concreto verso qualcosa che da tempo viene descritto come possibile e che ora ha una forma operativa.

Ma partiamo da dove siamo davvero, adesso. L’integrazione più profonda e più matura riguarda Photoshop e Lightroom. Il motivo è tecnico, ma capirlo è utile per capire anche come si svilupperà tutto il resto: questi due software sono quelli più avanzati nel loro percorso verso una versione web. Ed è proprio questa versione web che rende possibile il dialogo con l’AI, perché per un sistema intelligente è molto meno complesso interagire con una piattaforma che funziona attraverso un browser (richiedendo autenticazione e richiamando funzioni via Internet) che non lavorare direttamente con un’applicazione installata su una macchina locale. Non è un limite permanente: le cose sono destinate a cambiare e migliorare esponenzialmente, questa è solo la fotografia dell’ecosistema in questo momento.

Nella pratica, cosa significa tutto questo? Significa che oggi è possibile utilizzare Claude come interfaccia per impartire comandi a Photoshop attraverso una semplice chat in linguaggio naturale. Descrivere un’operazione, dare un’istruzione, chiedere una modifica: il software la esegue. Non è necessario sapere dove si trova quel pannello, quel sottomenu, quella funzione specifica che magari avete usato tre volte nella vita e ogni volta avete dovuto ritrovare. Il linguaggio naturale diventa il punto di accesso all’intera potenza dello strumento.

Cosa possiamo fare, nella pratica?

• Editing selettivo con maschere AI: può isolare il soggetto principale o un elemento descritto a parole (”la macchina rossa a sinistra”, “il cielo”, “la maglia del bambino”) e applicare un’aggiustamento solo lì;

• Soggetto + sfondo sfocato (effetto ritratto): seleziona il soggetto, inverte la maschera, e applica bokeh realistico o sfocatura solo allo sfondo;

• Color grading professionale a più livelli: può impilare correzione esposizione, bilanciamento luci/ombre, regolazione HSL per famiglia di colori (es. solo i blu del cielo, solo i verdi della vegetazione), preset Lightroom finale, vignettatura, grana;

• Recolor mirato di oggetti: cambia il colore di un capo d’abbigliamento, di un’auto, di un muro, mantenendo texture e pieghe;

• Espansione generativa del canvas (outpainting): allarga la foto oltre i bordi originali, generando con AI il contenuto coerente intorno;

• Vettorializzazione foto → SVG: converte un’immagine raster in vettoriale scalabile e modificabile;

• Smart crop con riconoscimento soggetto: può ritagliare in qualsiasi rapporto (1:1, 4:5, 9:16) tenendo automaticamente il soggetto al centro o nei terzi, anche su un gruppo di foto eterogenee;

• Effetti stilizzati con maschera: halftone, glitch, grana pesante, virature monocromatiche o duotone applicabili a tutta l’immagine o solo a una zona;pure halftone solo sullo sfondo per un look editoriale.

• Auto-correzione + verifica iterativa: può eseguire varie attività richieste, controllare il risultato, e iterare con regolazioni manuali finché il risultato è quello desiderato.

È chiaro che siamo agli esordi. Ma siamo anche di fronte a un cambiamento strutturale nel modo in cui si lavora con i software creativi. Per anni il valore professionale di un fotografo era legato in parte significativa alla padronanza tecnica degli strumenti: conoscere i menu, i flussi di lavoro, le scorciatoie che fanno risparmiare tempo. Quella conoscenza richiedeva anni di pratica, aggiornamento costante, investimento. Era, in un certo senso, una barriera d’ingresso che proteggeva chi l’aveva costruita.

Questo non sparisce dall’oggi al domani, ma il suo peso relativo si riduce: quando l’accesso alle funzioni di uno strumento passa attraverso il linguaggio naturale, la competenza che conta non è più “so dove cliccare”, ma “so cosa voglio ottenere e come descriverlo con precisione”. Spostamento sottile in apparenza, radicale nella sostanza: l’attenzione si sposta dalla capacità tecnica verso il lavoro concettuale, creativo, narrativo. Verso quello che nessun sistema automatico può sostituire, perché richiede giudizio, visione, sensibilità.

Pensiamo a un fotografo di matrimoni. C’è un lavoro progettuale e narrativo che è profondamente umano: la costruzione dello storytelling, la selezione delle immagini che raccontano una storia, le scelte estetiche che danno carattere a un lavoro. Poi c’è un’operatività che spesso diventa il collo di bottiglia: preparare le immagini per la stampa dell’album, creare versioni per i social del cliente, costruire slideshow, produrre varianti verticali per i reel, confezionare formati diversi per piattaforme diverse. Lavoro necessario, ripetitivo, che non è detto venga pagato adeguatamente, e che in ogni caso riduce il margine orario del professionista in modo sostanziale.

Se una parte di quell’operatività può essere guidata attraverso linguaggio naturale, descrivendo al sistema cosa fare e in quale formato consegnarlo, il tempo liberato non è solo risparmio, è anche spazio per fare di più, proporre di più, costruire nuove aree di business che prima erano precluse semplicemente per mancanza di ore. Oppure, più semplicemente, per fare meglio quello che si fa già: con più attenzione, più energia, più presenza nelle parti del lavoro che davvero richiedono di esserci.

Parallelamente, c’è una cornice più grande che vale la pena citare. Jensen Huang, il CEO di Nvidia (l’azienda che produce i chip su cui gira la maggior parte dell’AI mondiale) ha dichiarato di recente che le aziende che assumono nuove persone devono aspettarsi che ciascuna di esse lavori con fino a cento agenti AI come se fossero il proprio team. Può sembrare un’estremizzazione, e forse lo è. Ma non lo dice solo lui: lo dicono anche le grandi aziende che in questo momento stanno riorganizzando i propri processi attorno all’intelligenza artificiale.

Ora guardiamo questa prospettiva dal punto di vista di un piccolo studio fotografico, che spesso è una persona sola, o quasi, con nella dimensione ridotta una qualità, non solo un limite. Non potrebbe quella persona sfruttare la stessa logica? Non per diventare un’azienda, non per rinunciare alla parte relazionale e creativa del proprio lavoro, ma per fare di più, meglio, e guadagnare di più, sapendo che c’è una parte del processo che può essere governata, poi delegata e automatizzata.

La distinzione che ci sembra più utile è quella tra fare e far fare. “Fare” è l’operatività diretta, il click, il drag, il workflow eseguito personalmente. “Far fare” è la governance: descrivere cosa deve succedere, verificare il risultato, decidere dove intervenire. La seconda non è meno impegnativa della prima, ma è più vicina a dove il valore professionale si costruisce davvero. E un agente AI, una volta configurato e istruito correttamente, può eseguire quel “fare” ogni volta che serve, senza stanchezza, senza distrazioni, senza il vincolo del tempo personale. Non solo: se incontra un ostacolo trova un’altra strada, o propone un’alternativa, o avvisa. Non si ferma semplicemente perché qualcosa non è andato come previsto.

Volete continuare a investire il vostro tempo nell’eseguire tutto quello che oggi un agente di intelligenza artificiale può fare per voi, lasciandovi il tempo per progettare, per immaginare, per costruire relazioni con i clienti… oppure no? Lo sappiamo, sono argomenti che possono creare difficoltà di visione, soprattutto quando si è soli, quando si lavora con le urgenze quotidiane, quando il nuovo sembra sempre qualcosa che richiede tempo che non si ha. Ma questa è esattamente l’evoluzione che abbiamo di fronte, e si sta muovendo velocemente.

All’interno di Aiway LAB stiamo lavorando su percorsi concreti per iniziare a integrare questi strumenti nei flussi di lavoro già esistenti, partendo dalle basi, mostrando come costruire i primi agenti, come configurarli, come renderli funzionali nel proprio contesto reale.

Un primo contenuto è già disponibile: abbonati ad Aiway LAB per almeno tre mesi e il video (2h) sarà tuo. E potrai partecipare alle prossime live e ricevere i video delle lezioni successive.

C’è una domanda che ci portiamo dietro da anni, e che raramente diciamo ad alta voce perché suona quasi come un’ammissione di colpa: perché non riusciamo a promuovere la nostra attività? Perché la sera, invece di uscire a passeggiare per la città con la mente sgombra - quella passeggiata che ogni tanto regala un’idea, uno stimolo, una visione nuova - siamo ancora davanti allo schermo a sbrigare le ultime cose rimaste indietro? Perché il business non cresce come dovrebbe, nonostante il lavoro non manchi?

La risposta è molto semplice: non abbiamo tempo. Ma questa risposta è anche troppo comoda, perché nasconde qualcosa di più profondo. Non è solo una questione di ore nella giornata. È una questione di come siamo stati abituati a lavorare, e di come il mercato nel frattempo ha smesso di aspettarci.

La fotografia, storicamente, è uno dei mestieri più solitari che esistano. Si pensa da soli, si progetta da soli, si esce a scattare da soli, si torna in studio e si fa la post-produzione da soli, si consegna il materiale e si aspetta (da soli) che il cliente sia soddisfatto. Le strutture con più collaboratori, con aree dedicate al marketing e allo sviluppo del business, sono una rarissima eccezione. La grande maggioranza dei fotografi professionisti è, di fatto, un artigiano, e come tutti gli artigiani ha interiorizzato un principio che per decenni ha funzionato benissimo: fare è quello che mi permette di fatturare. Finché produco, guadagno. Finché scatto… esisto.

Il problema è che il mercato ha cambiato le regole senza avvisarci. O meglio: lo ha fatto piano piano, anno dopo anno, finché un giorno ci siamo trovati a dover fare una quantità di cose che non stavano nel nostro concetto di lavoro. Aggiornare i social ogni giorno (o quasi). Ottimizzare il sito. Analizzare cosa fanno i concorrenti. Scrivere newsletter per i clienti già acquisiti, stimolando nuove richieste. Cercare clienti che ancora non ci conoscono, capire come avvicinarli, costruire una relazione prima ancora che ci commissionino qualcosa. Fare analisi, fare presentazioni, rispondere alle email, mandare preventivi, controllare quelli passati per calibrare i nuovi. Tutto questo, mentre continuiamo a scattare, consegnare, spostarci.

È letteralmente impossibile. Non è un’iperbole, è impossibile in senso matematico, nel senso che le ore non bastano.

Quello che stiamo cercando di fare da qualche tempo, e che ci stiamo impegnando a costruire in modo sempre più concreto e pratico, è rispondere a questa impossibilità con una soluzione che fino a poco tempo fa non esisteva. Non si tratta di lavorare di più, né di lavorare meglio nel senso classico del termine. Si tratta di avere dei collaboratori. Collaboratori che non richiedono di essere pagati profumatamente ogni mese, che non si ammalano, che non vanno in ferie, e che, una volta istruiti nel modo giusto, possono lavorare ventiquattro ore su ventiquattro se necessario. Stiamo parlando degli agenti AI.

Vale la pena fermarsi un momento su cosa siano, perché c’è ancora molta confusione. Un agente AI non è la stessa cosa di ChatGPT, o di qualsiasi strumento che risponde alle nostre domande con testi più o meno utili. Un agente è qualcosa di diverso: è un sistema progettato per eseguire compiti in modo autonomo, continuativo, seguendo un processo che noi abbiamo definito, con obiettivi che noi abbiamo stabilito. Non risponde alle nostre domande, ma agisce per noi. Fa le cose, invece di suggerire come farle.

Nel contesto del lavoro fotografico, questo si traduce in una serie di possibilità molto concrete. Pensate a un collaboratore che si occupa interamente dei vostri profili social: seleziona le immagini dai lavori recenti, scrive le caption, pianifica la pubblicazione, mantiene viva la presenza online anche nei periodi in cui siete completamente immersi in un progetto. Parallelamente, potreste avere qualcuno - un altro agente - che aggiorna il sito con i lavori nuovi, ottimizza le pagine per i motori di ricerca, monitora come vi trovano i potenziali clienti. Su un fronte diverso, un agente dedicato alla comunicazione con il vostro database di clienti già acquisiti potrebbe mandare una newsletter ogni dieci giorni, con contenuti personalizzati, promozioni mirate, aggiornamenti sui vostri lavori più recenti.

Questo si collega a qualcosa di ancora più interessante quando si parla di sviluppo del business: un agente strategico che fa ricerca costante (su nuove opportunità di mercato, nuovi settori da esplorare, tendenze emergenti nella fotografia commerciale) e che periodicamente vi porta un’analisi di quello che sta succedendo fuori, mentre voi siete dentro a lavorare. E poi c’è tutta la parte amministrativa: le fatture, la documentazione, le risposte alle email di primo contatto, i preventivi. Un agente che conosce il vostro tariffario, il vostro storico di lavori simili, e che è in grado di costruire una proposta commerciale seria partendo dalle informazioni che gli fornite. O ancora: presentazioni automatiche per potenziali clienti, costruite attingendo direttamente al vostro archivio fotografico: immagini di viaggi per le aziende del settore travel, ritratti per i clienti corporate, reportage di eventi per chi organizza conferenze.

Tutto questo, in modo automatico. E probabilmente, leggendo, starete pensando che è troppo, che è complicato, che non è per voi. Ma è esattamente quello di cui avete bisogno, e lo sappiamo bene perché lo diciamo da un po’ di tempo, anche a noi stessi.

Perché funzioni, però, bisogna prima imparare. Non si tratta di scaricare un’app e cliccare un bottone. Si tratta di acquisire una conoscenza, di capire quali strumenti esistono, come funzionano, quali sono i migliori per le vostre esigenze specifiche. E poi (e questa è la parte più importante) si tratta di insegnare a questi agenti quello che devono sapere per essere davvero utili. Il vostro stile di comunicazione. I vostri clienti tipici. I settori in cui lavorate di più. Il tono di voce della vostra newsletter. Come volete che vengano costruiti i preventivi. Un agente ben addestrato è un’estensione di voi, non un sostituto generico.

Su questo punto vogliamo essere chiari, perché è qualcosa che spesso viene frainteso: non stiamo insegnando a usare strumenti per ottenere risultati rapidi con il minimo sforzo. Stiamo insegnando a costruire un metodo di lavoro, a sviluppare un processo, a coltivare l’analisi del vostro futuro professionale. Chi impara solo i trucchi rimane indietro quando i trucchi cambiano (e cambiano sempre). Chi impara il processo ha qualcosa che rimane, che cresce, che si adatta.

È per questo che abbiamo già fatto un primo incontro con gli abbonati ad Aiway Lab: un webinar di due ore, già disponibile come video, che spiega come funzionano questi meccanismi e traccia la strada per i prossimi approfondimenti. Marketing, strategia, costruzione degli agenti: ogni aspetto verrà affrontato in modo progressivo, perché non si può spiegare tutto in una volta e soprattutto perché le esigenze di ciascuno sono diverse. L’esigenza di un fotografo di matrimoni non è la stessa di un fotografo industriale. Il processo di chi lavora da solo non è lo stesso di chi ha già uno studio con qualche collaboratore.

Se volete cominciare subito, potete acquistare il video del primo webinar a un prezzo di favore e iniziare a capire come funzionano questi meccanismi. Ma il nostro consiglio vero (quello che daremmo a un amico) è di abbonarvi ad Aiway Lab, con un abbonamento trimestrale o annuale. Non perché abbiate bisogno di un altro strumento: ne avete già troppi. Ma perché quello che serve è un modo per imparare ed essere seguiti, mese dopo mese, mentre questa trasformazione si sviluppa. Le tecnologie evolvono continuamente, le opportunità cambiano, e avere un punto di riferimento stabile in questo panorama vale molto di più di qualsiasi singolo corso.

Il lavoro del fotografo resterà artigianale, resterà creativo, resterà artistico: su questo non ci sono dubbi e non vogliamo che ce ne siano. Ma si unirà, necessariamente, a una gestione imprenditoriale che oggi non è un lusso: è la condizione per rimanere sul mercato con dignità, con soddisfazione, con risultati economici che rispecchino il valore di quello che fate. Smettere di pensare che il passaparola basti, o che pubblicare qualche post su Instagram senza una strategia produca risultati, non è un’ammissione di sconfitta: è il primo passo per costruire qualcosa di serio.

E sì, tutto questo richiede tempo per impararlo. Ma è un investimento che, una volta fatto, vi restituisce il tempo: proprio quello che adesso non avete.

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In poche settimane, tre fatti che sembrano separati, eppure si parlano tra loro con una chiarezza quasi inquietante. Il 16 aprile Condé Nast comunica alla redazione di Wired Italia, dieci minuti prima del comunicato pubblico, che la testata chiuderà. Nata nel 2009 sull’onda lunga della Wired americana (e di quella inglese, che nel frattempo ha già rinunciato al cartaceo per diventare trimestrale digitale), per diciassette anni ha raccontato tecnologia, cultura digitale e innovazione a un pubblico che in Italia non era affatto scontato esistesse. La motivazione ufficiale è la solita, quella che in editoria funziona come una scomunica: non è più redditizia. Meno dell’uno per cento del fatturato del gruppo, spiega l’amministratore delegato Roger Lynch.

Qualche settimana prima, il 10 marzo, l’assemblea dei soci della Hoepli di Milano ha deliberato la liquidazione volontaria. La libreria di via Hoepli, quattro piani, duecentomila volumi, una casa editrice storica (aperta nel 1870 dall’immigrato svizzero Ulrico Hoepli, che ha dato il nome alla via) che per generazioni ha rappresentato il punto di riferimento per chiunque cercasse libri di arte, fotografia, design, grafica, architettura e saggistica tecnica e innovativa. Ottantanove dipendenti, un patrimonio culturale che ha attraversato tre secoli. Le motivazioni ufficiali parlano di “performance del mercato editoriale” e di un conflitto familiare irrisolvibile tra due rami della proprietà; dietro si intravedono appetiti immobiliari e una certa stanchezza di quella borghesia milanese che della cultura sembrava aver fatto un pilastro, e che forse non ci crede più davvero. Chi lavora nel mondo dell’immagine e della grafica sa cosa significa. Significa perdere un luogo fisico dove si potevano sfogliare volumi che altrove non esistevano, dove si faceva lavoro di scoperta, dove si entrava con un’idea e si usciva con tre idee nuove.

Parallelamente, oltreoceano, una notizia dal segno opposto. All’inizio di aprile OpenAI ha annunciato la sua prima acquisizione di una media company: TBPN, un podcast tecnologico nato appena nel 2025, con 58.000 iscritti su YouTube. Cifra stimata dal Financial Times e confermata da alcune newsletter del settore: circa 200 milioni di dollari. Il podcast continuerà a raccontare la Silicon Valley come ha fatto finora, ma risponderà al chief global affairs officer di OpenAI, Chris Lehane. Nessuno ha bisogno di tradurre cosa significhi: le aziende dell’AI hanno capito prima degli altri che la rivoluzione in corso non si vince sui parametri dei modelli, si vince sulla narrazione, si vince occupando lo spazio in cui quella rivoluzione viene raccontata, interpretata, legittimata.

Tre fatti e una contraddizione.

Da un lato si spengono luoghi e testate che per decenni hanno prodotto cultura, sapere, pensiero critico. Dall’altro le aziende che stanno costruendo l’intelligenza artificiale pagano cifre enormi per comprare media, per produrre narrazione, per plasmare l’opinione. E qui arriviamo al paradosso più interessante del momento che viviamo. L’AI, nell’immaginario collettivo, è la macchina che sa tutto, che ha già dentro di sé l’intera cultura umana, che può rispondere a qualsiasi domanda. In realtà la situazione è quasi opposta. L’intelligenza artificiale ha una fame costante e crescente di sapere umano di alta qualità. Di dati freschi, di opinioni nuove, di visioni originali, di ricerca, di critica, di libri scritti da persone che hanno ancora qualcosa da dire perché hanno qualcosa da pensare. Senza questo flusso, la sua evoluzione diventa sterile: si ripete, collassa sui propri output, produce quella nebbia omogenea e piatta che già inizia a riconoscere chiunque lavori ogni giorno con questi strumenti.

L’Italia, in questo momento, sembra non aver capito bene il gioco. Si investe poco nella cultura, si lasciano morire istituzioni che sarebbero state definite strategiche se solo fossero state aziende di difesa o infrastrutture digitali. La cultura viene trattata come una spesa, non come l’infrastruttura che rende possibile tutto il resto. E questa è la parte che ci colpisce di più come autori del Sunday Jumper, perché parliamo a fotografi, creativi e professionisti dell’immagine, persone il cui mestiere poggia interamente sulla capacità di vedere prima degli altri, di collegare, di sintetizzare un’idea che non c’era un momento prima. Quella capacità non si compra in un abbonamento AI e non si scarica come un plugin. Si costruisce frequentando mostre, dibattiti, librerie come Hoepli, riviste come Wired Italia. Quando questi luoghi chiudono, chi resta sul mercato a produrre immagini e pensiero si ritrova con meno attrezzi, meno riferimenti, meno contesto.

Ora, se guardiamo a quello che sta succedendo con occhi pragmatici, viene da fare una domanda semplice. Perché nessuno, in Italia, si è fatto avanti per rilevare Hoepli? Non per conservarla come un museo, lo diciamo subito, ma per rilanciarla. Immaginiamola per un attimo come un faro di cultura concreta, pratica, democratica e progressista. Un luogo fisico in centro a Milano che funzioni anche come spazio digitale, un archivio che dialoghi con modelli di AI addestrati su contenuti di qualità, una casa editrice che produca saggistica pensata per i prossimi vent’anni invece che per i prossimi sei mesi, un punto di riferimento per chi deve educare se stesso e i propri figli a un pensiero che non sia soltanto consumo passivo di contenuti. Il capitale c’è, in Italia e all’estero, e c’è sicuramente anche in quelle stesse aziende dell’AI che tra poco si accorgeranno di quanto sia prezioso avere un partner culturale europeo capace di garantire un flusso continuo di sapere di qualità. Sarebbe un’operazione industriale, prima ancora che filantropica.

Facciamo un passo indietro e guardiamo al quadro più grande. La domanda che il Sunday Jumper si pone questa settimana è se davvero possiamo permetterci di lasciar morire i luoghi della cultura proprio mentre la più grande rivoluzione tecnologica della nostra vita ha bisogno di quegli stessi luoghi per evolvere senza inaridirsi. La risposta, per noi, è no. Gli investimenti sulla cultura vanno potenziati, non ridimensionati. Non una cultura per pochi, non quella da salotto bene che in Italia ha spesso allontanato le persone invece di avvicinarle, ma un sapere diffuso, allenato al pensiero critico, accessibile. Perché questo è lo spazio in cui gli esseri umani, e i creativi in particolare, possono ancora costruire valore: un’identità che sa guardare oltre le macchine, un pensiero che si interroga invece di limitarsi a rispondere, una visione che nasce dal frequentare cose che stanno fuori dagli schermi. È forse la cosa principale che dovremmo fare, adesso. E forse qualcuno, tra editori, fondazioni, investitori, istituzioni e aziende dell’AI, dovrebbe davvero pensarci seriamente. La finestra non resterà aperta a lungo.

Premessa doverosa: io la birra non la bevo. Eppure il miglior spunto per questo Sunday Jumper me l’ha dato una pinta di Guinness. Morale, prima ancora di cominciare: non cercate solo dove già sapete guardare. Le risposte spesso abitano altrove.

E ora, seconda premessa: parleremo di costi, di prezzi, di mercato che si uniforma. So già cosa state pensando. Rimanete qui, perché la conclusione è esattamente il contrario di quello che teme chi lavora con la creatività, con la comunicazione, con i valori. Promesso!

Una storia che inizia con €7,80

Matt Cortland, ingegnere americano che vive a Londra, entra in un pub di Dublino e ordina una Guinness. Il conto arriva: €7,80. Lui paga, torna a casa, e invece di sfogarsi su qualche forum costruisce qualcosa.

Quello che costruisce si chiama Rachel. Una voce con accento nordirlandese, creata su ElevenLabs, con un compito preciso: chiamare i pub di tutta l’Irlanda e chiedere una cosa sola. Quanto costa una pinta di Guinness?

Nel weekend di Saint Patrick’s Day 2026, Rachel ha composto più di tremila numeri telefonici, in tutte e 32 le contee dell’Irlanda. I numeri vengono dalle API di Google Maps, le chiamate passano attraverso Twilio con una SIM irlandese, poi Claude estrae i prezzi dalle registrazioni audio effettuate.
Spesa totale: €200.

Il risultato si chiama Guinndex, un indice nazionale del prezzo della pinta, raccolto voce dopo voce, pub per pub.
Media nazionale €5,95.
Dublino €6,75. Punta massima €10 a Temple Bar.
A Laois nell’entroterra arriva a costare €5,38.

La parte più interessante non è il dato, ma è quello che è successo dopo: un gestore ha visto la propria scheda, ha confrontato il prezzo con i locali vicini, ha abbassato di quaranta centesimi, e poi ha aggiornato lui stesso la voce sul Guinndex. Senza leggi, senza campagne, solo grazie a questo specchio del settore e la pressione silenziosa della trasparenza.

Rachel non è un esperimento da laboratorio, è un agente AI che ha svolto un compito preciso, in autonomia, su scala, producendo un effetto reale sul comportamento del mercato. E quello che ha fatto per la birra irlandese si può fare per qualunque cosa abbia un prezzo. Mutui. Assicurazioni. Voli. Avvocati. Fotografi. Agenzie di comunicazione.

Quando un agente AI viene delegato a trovare la soluzione migliore per una specifica esigenza, il prezzo diventa una variabile misurabile, confrontabile, indicizzabile in tempo reale. La conseguenza è prevedibile: i mercati si uniformeranno sui costi. Chi oggi si regge su margini gonfiati dall’opacità si troverà esposto, non da una legge, non da una disruption spettacolare, ma dalla stessa pressione silenziosa che ha fatto abbassare il prezzo di quella pinta.

Ecco perché vi avevo chiesto di restare!

Perché se il prezzo si appiattisce, il mercato allora si sposta sui valori.

E i valori non si indicizzano. Un fotografo, un designer, uno studio di comunicazione: il loro valore non è nel prezzo della singola ora. È in quello che sanno leggere di un cliente, in come traducono un’identità in immagini, in come costruiscono riconoscibilità nel tempo. Questo Rachel non lo trova e non può richiederlo a un numero di telefono.

Ma se un agente viene delegato a cercare “un fotografo per il lancio del mio prodotto” e se nel sito di quel fotografo non c’è nulla che risponda a questa domanda in modo chiaro e leggibile per un sistema AI, quell’agente non lo considererà. Non perché sia meno bravo, ma perché è… invisibile.

Meta ha appena presentato un modello AI progettato per personalizzare gli annunci usando tutto quello che l’intelligenza artificiale può sapere di noi. Amazon sta ridisegnando la propria piattaforma e-commerce da zero con l’AI nel cuore dell’esperienza di acquisto. Questi non sono segnali di un futuro lontano, ma sono l’infrastruttura che si sta costruendo adesso, qui e ora.

Per lungo tempo ci siamo chiesti come posizionarci su Google, ma oggi dobbiamo chiederci: quando un agente AI viene incaricato di trovare qualcuno come me, quali domande si pone? E nelle mie pagine, nei miei contenuti, nella mia comunicazione, ci sono le risposte a quelle domande?

Bisogna ricominciare da zero, non rattoppare

Il sito web di un professionista, oggi, è quasi sempre un racconto di chi sei. Quello che servirà è un sistema di risposte a domande specifiche: cosa risolvi, per chi, con quale approccio, con quali risultati. Lo stesso vale per i social: non contenuti generici ben confezionati, ma punti di vista precisi, competenza dimostrata su problemi reali, una reputazione che un sistema possa riconoscere come coerente nel tempo. E per chi lavora con le immagini: un’immagine bella ma priva di contesto, nel nuovo ecosistema, è semplicemente inesistente.

La rivoluzione non arriverà annunciata con le fanfare, arriverà come è arrivata per quel gestore di pub irlandese: un giorno troverai una scheda con il tuo nome, accanto ad altri nomi, e qualcuno avrà già fatto il confronto al posto tuo. Rachel ha chiamato tremila pub e ha chiesto il prezzo della birra. Presto, qualcosa di simile - più sofisticato, più capillare, più silenzioso - chiederà ai mercati di tutto: quanto vali, cosa fai, perché sceglierti.

Quando arriverà quella chiamata, avrai già la risposta pronta?

Di questo - di come funzionano gli agenti AI, di come costruire visibilità online in questo scenario, di come ripensare la comunicazione e i contenuti nell’ottica di questa evoluzione - parliamo e parleremo sempre di più su AiWay Magazine. Se sono temi che vi riguardano, e vi riguardano, è il momento giusto per seguirci.

In questi anni di lavoro nella formazione e nella consulenza, sia con aziende strutturate, sia con professionisti e studenti, una cosa si ripete con una frequenza che non lascia più spazio al dubbio: la maggior parte delle persone non ha ancora capito dove sta andando davvero l’intelligenza artificiale. Non è un giudizio, è un’osservazione. Ed è comprensibile, perché la velocità con cui questa tecnologia si evolve rende difficile anche a chi ci lavora ogni giorno avere una visione nitida di dove si stia andando.

Il punto di svolta non è stato quando i modelli linguistici hanno cominciato a rispondere in modo convincente alle nostre domande. Quello era il primo capitolo, straordinario ma ancora limitato nel suo impatto pratico: chiedevi, ricevevi una risposta, poi decidevi cosa farne. La discontinuità vera, quella che sta cambiando la struttura del lavoro e non solo la sua efficienza, si chiama agentic AI, ovvero l’intelligenza artificiale di tipo agentivo. Non un sistema che risponde, ma un sistema che agisce: che prende un obiettivo, lo scompone in sottocompiti, li assegna a sotto-agenti specializzati, coordina i risultati e porta avanti il processo in modo autonomo.

Facciamo un passo indietro nel tempo, molto indietro, perché il modo migliore per capire cosa sta succedendo è guardare a qualcosa che già conosciamo. Adam Smith, nell’opera “La ricchezza delle nazioni” pubblicata nel 1776, descriveva quello che è diventato uno dei concetti fondanti dell’economia industriale: la fabbrica degli spilli. L’intuizione era semplice ma rivoluzionaria: un artigiano da solo, occupandosi di ogni fase della produzione (tirare il filo, tagliarlo, appuntirlo, assemblarlo), riusciva a produrre al massimo una ventina di spilli al giorno. Dieci operai specializzati, ciascuno dedicato a una sola fase del processo, potevano arrivare insieme a produrne decine di migliaia nello stesso tempo. Non una differenza di efficienza, ma un salto di scala che ha cambiato il mondo.

Quello stesso principio, suddividere il processo in parti piccole e assegnare ciascuna parte a chi (o a cosa) è più adatto a eseguirla, è esattamente ciò che l’AI agentica sta portando dentro i flussi di lavoro moderni. Un agente principale capisce l’obiettivo e coordina la strategia; agenti esecutori si occupano delle singole fasi operative; un sistema di controllo verifica che ogni output sia corretto prima di passarlo alla fase successiva. La fabbrica degli spilli, in versione digitale e infinitamente più scalabile.

Fin qui, sembra tutto positivo. E in effetti lo è, almeno dal punto di vista dell’efficienza. Ma c’è una parte di questa storia che rischia di passare in secondo piano, e che invece merita tutta l’attenzione che sappiamo darle. Quando la specializzazione raggiunse il suo apice nell’industria manifatturiera, portò con sé anche l’omologazione: prodotti sempre più simili tra loro, prezzi sempre più schiacciati dalla concorrenza, margini sempre più ridotti. La differenziazione diventò possibile solo alzando il livello qualitativo o innovando radicalmente il prodotto. Chi non ci riusciva si trovava a competere solo sul prezzo, e quella è una guerra che porta tutti verso il basso.

Lo stesso meccanismo rischia di attivarsi ora, con una velocità molto superiore. Se deleghiamo alle macchine la scelta, quale fotografo scegliere, quale agenzia contattare, quale soluzione adottare, quella scelta verrà operata su dati oggettivi e criteri misurabili: il prezzo, la disponibilità, i feedback medi. Non si tratta di fantascienza, è già il modo in cui funzionano molte piattaforme di intermediazione. Il volo più conveniente da A a B negli orari indicati: l’algoritmo non ha dubbi, sa già la risposta. Se il nostro lavoro diventa altrettanto misurabile, altrettanto confrontabile su parametri oggettivi, smette di avere valore intrinseco e diventa solo un dato in una tabella.

Esiste una legge informale, osservata ogni volta che una tecnologia è diventata più veloce e più economica: la disponibilità aumenta, il prezzo scende, ma il tempo che pensiamo di risparmiare non si accumula davvero. Quando arrivò il processore più veloce, non ci trovammo con più tempo libero: cominciammo a fare di più, in meno tempo, e poi ancora di più. Quando le fotocamere digitali eliminarono il costo della pellicola, non scattammo lo stesso numero di fotografie: cominciammo a scattarne migliaia, quando prima ne facevamo decine. L’innovazione più veloce non liberava il tempo, lo riempiva di nuove richieste.

Con l’AI agentica sta accadendo la stessa cosa, ma con una variante che complica il quadro: questa volta, ciò che si automatizza non sono solo le azioni ripetitive e meccaniche, ma anche parti del processo creativo, decisionale, di analisi. E allora la domanda che si pone non è “quanto tempo sto risparmiando?” ma “cosa sto facendo con il tempo che sto liberando?”

Il consiglio che ci sentiamo di dare, e che stiamo testando anche nel nostro lavoro di Aiway LAB, è di cominciare a fare un’analisi metodica del proprio flusso di lavoro. Non in modo generico, ma con la precisione di chi vuole davvero capire cosa sta facendo. Prendere un processo (uno shooting fotografico, una campagna di comunicazione, un progetto editoriale) e scomporlo nelle sue azioni elementari: cosa si pianifica, cosa si esegue, cosa si controlla, cosa si distribuisce. Per ciascuna di queste azioni, chiedersi con onestà: questa attività richiede intuizione umana, oppure è riproducibile da un sistema ben istruito?

Non è un esercizio freddo o anti-creativo. È esattamente il contrario, perché permette di vedere con chiarezza dove si trova davvero il valore del proprio lavoro. Scoprire che una parte significativa di ciò che facciamo ogni giorno è automatizzabile non è una notizia scoraggiante: è la premessa per smettere di dedicare a quella parte il tempo e l’energia che invece dovrebbero andare altrove. Verso la strategia, verso l’intuizione, verso quelle scelte che un sistema, per quanto perfezionato, non riesce ancora a fare perché richiedono esperienza vissuta, senso del contesto, capacità di sbagliare e imparare dall’errore.

Quello che rimane alle persone, in questo schema, è la parte più difficile da imitare: non il fare, ma il pensare il fare. Non l’esecuzione, ma la visione di dove si sta andando e perché. Non la verifica tecnica dell’output, ma la capacità di riconoscere se quell’output è davvero quello giusto per quel momento, per quel cliente, per quella storia che si vuole raccontare. Sono le stesse cose che hanno sempre distinto un buon professionista da uno mediocre, ma diventano ancora più preziose in un mercato in cui la parte esecutiva si livella rapidamente verso un denominatore comune accessibile a tutti.

Il rischio che stiamo osservando, nelle aziende come tra i freelance, è opposto a quello che ci si potrebbe aspettare. Non è che le macchine tolgano lavoro alle persone. È che le persone, trovandosi di fronte a strumenti sempre più capaci, scelgano di delegare sempre di più, allontanandosi progressivamente da quella parte del proprio lavoro che genera valore reale. Diventare supervisori passivi di processi automatici non è un’evoluzione, è una rinuncia. E le rinunce, nel tempo, si pagano: in termini di differenziazione, di identità professionale, di capacità di offrire qualcosa che nessun sistema può generare al posto tuo.

Il futuro non è nella competizione con le macchine su ciò che le macchine sanno fare. È nell’investire con decisione su tutto il resto.

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C’è un campo che seguiamo con attenzione crescente, quasi quotidiana, nell’evoluzione tecnologica: quello delle interfacce. Non è un argomento che fa tendenza sui social, ma è forse il tema più profondo di questo momento. Perché le interfacce sono il confine tra noi e le macchine. E quel confine, per decenni, è rimasto sorprendentemente fermo.

Bottoni, ghiere e memoria muscolare

Per generazioni, l’interfaccia è stata un insieme di pulsanti, ghiere, slider, cursori. Elementi fisici o digitali che trasformano un pensiero in un’azione trasmessa a una macchina. Un linguaggio di mediazione tra la mente umana e il sistema elettronico.

Anni fa, guardando la presentazione di alcune fotocamere professionali, avevo sollevato questa questione: non potrebbe essere che la difficoltà di trovare nuove posizioni per i controlli fisici diventasse un limite all’innovazione del form factor? La risposta - data da una persona con anni di rapporto diretto con i fotografi professionisti, sportivi, di eventi - fu illuminante nella sua semplicità: “sono i professionisti stessi a chiederci di non cambiare nulla”.

La memoria muscolare è una risorsa preziosa. Decine di migliaia di ore passate a lavorare con una macchina fotografica costruiscono un sistema automatico di interazione: la mano trova il pulsante senza che l’occhio lo cerchi, il pollice gira la ghiera mentre la mente è altrove, sul soggetto, sulla luce, sull’istante. Qualunque cambiamento in quel sistema significa perdita di velocità, errori, frustrazione. Così le fotocamere professionali hanno mantenuto sostanzialmente la loro forma e la loro logica di interazione per decenni.

Il precedente iOS: quando il cambiamento fa paura

Lo abbiamo vissuto anche nel mondo degli smartphone. Chi c’era ricorda la transizione tra iOS 6 e iOS 7, da quella che i designer chiamano interfaccia skeuomorfica - icone e grafiche che riproducono oggetti analogici nel digitale - a quella piatta, minimalista, geometrica. Fu un cambiamento divisivo, polemico, sofferto. Poi, come sempre, l’essere umano si è adattato. Ma ci vuole tempo. E il tempo, nell’innovazione, ha un costo.

Gennaio 2026: Halide entra in Apple

A gennaio è successa una cosa che, in apparenza, sembra una semplice notizia di settore. Uno dei fondatori di Halide - l’applicazione fotografica amata dai professionisti che usano iPhone proprio per la sua interfaccia ricca, controllata, professionale -ha lasciato la società Lux per entrare nel team di Apple, con toni non privi di polemica verso la strada presa fino a quel momento.

Come spesso accade con Apple, la mossa è ambigua, ma invita a immaginare: e se qualcosa stesse per muoversi nell’app fotocamera dell’iPhone? Quella che fino ad ora è stata volutamente “basic” - apri, inquadra, scatta - potrebbe evolvere verso qualcosa di molto più sofisticato. Forse già dal prossimo sistema operativo, atteso come sempre nell’autunno di quest’anno. O forse no: Apple è Apple, e le sue mosse raramente si anticipano con certezza.

Ma se fosse così, ci sarebbe qualcosa di più grande in questa storia. Qualcosa che va ben oltre i bottoni dell’app fotocamera.

L’AI come nuovo sistema operativo delle interfacce

L’intelligenza artificiale non è più uno strumento che si usa dentro le applicazioni. Sta diventando un livello fondamentale della tecnologia, un layer trasversale che si colloca alla base di tutto, più vicino al sistema operativo che alle singole app.

Pensateci: perché dovrebbe esistere un modello AI separato dentro Photoshop, un altro dentro la fotocamera, un altro ancora nel word processor? Ha senso, invece, immaginare un’intelligenza artificiale a livello di sistema operativo che alimenta tutte le applicazioni, iniettando capacità dove servono, senza duplicazioni, con un’unica fonte di aggiornamento e miglioramento continuo.

Questo cambia tutto il discorso sulle interfacce. Perché l’AI non interagisce con ghiere e pulsanti. L’AI interagisce con il linguaggio naturale. Con le intenzioni. Con il contesto.

Il grande salto: dall’interazione fisica all’interazione naturale

Halide è nata in un’era pre-AI, come quasi tutti i software e le applicazioni che usiamo. È costruita su un modello di interazione che è figlio della tradizione: slider, istogrammi, controlli manuali, aree di tocco. Tutto questo è straordinariamente funzionale per chi ci ha investito ore ed esperienza. Ma se immaginassimo di costruire un’applicazione fotografica professionale oggi, sapendo quello che sappiamo sull’AI, la progetteremmo allo stesso modo?

Probabilmente no.

Ecco la sfida - e l’opportunità enorme - che qualcuno, prima o poi, dovrà raccogliere. Che sia Apple, o qualcun altro. Non si tratterebbe solo di ridisegnare un’interfaccia. Si tratterebbe di ripensare il modo in cui l’essere umano comunica con lo strumento fotografico. Di passare dall’interazione fisica, limitata dalla memoria muscolare e dalla tradizione, all’interazione naturale, mediata dall’intelligenza artificiale e dal linguaggio.

La domanda è: le fotocamere professionali seguiranno?

Qui si apre un capitolo ancora tutto da scrivere. Se l’iPhone mostrerà una strada credibile verso interfacce fotografiche alimentate dall’AI, quale sarà il produttore di fotocamere professionali che deciderà di percorrerla?

Il mercato delle fotocamere professionali è tradizionalmente conservatore, lo abbiamo detto. Ma è anche un mercato che insegue instancabilmente la qualità: risoluzione, velocità, resa cromatica, affidabilità. Se si dimostrasse che un’interfaccia AI-native migliora i risultati senza rallentare il flusso di lavoro, l’adozione potrebbe diventare solo una questione di tempo e di coraggio industriale.

La domanda che ci facciamo è allora: non tanto se l’interfaccia delle fotocamere cambierà, ma chi avrà il coraggio di provarci per primo. E soprattutto: funzionerà?

Un’ultima porta socchiusa: la macchina che propone, l’umano che esegue

C’è un’idea che circola in certi ambienti tech - provocatoria, un po’ distopica, forse profetica - che vale la pena citare come chiusura di questo ragionamento. Esiste una piattaforma che propone un’inversione: non l’AI che sostituisce il lavoro umano, ma l’AI che propone il lavoro agli esseri umani. Offre agli umani ciò che le macchine ancora non riescono a fare.

È una visione limite, ma apre una domanda interessante applicata al nostro mondo: le fotocamere del futuro - più intelligenti, più autonome, più capaci di interpretare la scena - diventeranno strumenti che ci propongono cosa fare, mentre noi siamo il braccio esecutivo? Oppure rimarremo noi a comunicare intenzioni naturali alle macchine, e le macchine tradurranno quelle intenzioni in tecnica perfetta?

Probabilmente la risposta sarà nel mezzo. E sarà, come sempre, più interessante di qualsiasi previsione.

Continuiamo a guardare, con curiosità.

In questi giorni, per una serie di motivi - anche personali, ma non solo - ci siamo messi a riflettere sulla nostra percezione visiva, sulla certezza che quello che vediamo rappresenti non solo la realtà e la verità, ma che addirittura influenzi quello che pensiamo. Questa convinzione viene oggi messa in discussione da una serie di eventi e di situazioni, e forse abbiamo bisogno - noi che ci occupiamo di immagine - di fare valutazioni un po’ più ampie.

Guardiamo con gli occhi, o guardiamo con tutti i nostri sensi? I sensi sono tipicamente l’udito, l’olfatto, il tatto e così via, ma intendiamo qualcosa di più: non solo i cinque sensi classici, ma anche quelli legati all’istinto, alla consapevolezza, e forse l’”a prima vista” non è sufficiente. Ci sono in questo momento tante situazioni complicate, molto difficili, che portano a riflettere in modo profondo, preoccupante, a tratti ci fanno arrabbiare. Una cosa però è evidente: oggi la vista è uno strumento che non si basa più solo sulla capacità di vedere, ma sulla capacità di sapere, e quindi di avere informazioni.

Se proviamo ad allargare la prospettiva, ci accorgiamo che in questo momento, mentre tuonano venti di guerra, il lato visuale delle cose si è trasformato in dati. Se avete letto, studiato o fatto un po’ di ricerche, vi sarete accorti che esistono tecnologie sviluppate nell’ambito dell’intelligenza artificiale - dove l’AI è solo il motore, mentre le intenzioni restano umane - che per sapere cosa succede, e di conseguenza come intervenire, si affidano a miliardi di occhi. Sono gli occhi che noi installiamo nelle nostre case, nei nostri giardini, davanti ai nostri portoni.

Poi ci sono le telecamere delle strade, che sono in qualche misura più controllate. Diverso è il discorso per quelle che installiamo noi stessi, perché siamo dilettanti: creiamo sistemi per vedere chi arriva a casa nostra, senza renderci conto che quegli occhi possono inquadrare il palazzo di fronte, la strada, le persone che passano e a che ora passano. Ed è molto facile hackerare questi sistemi e trasformarli in dati.

Gran parte di quello che leggiamo sui giornali - sempre che li leggiamo ancora - o che guardiamo in televisione, o con cui veniamo bombardati sui social, quello che viene colpito, le persone arrestate, le persone trovate per le strade di Minneapolis, del Venezuela o di qualunque altro posto, tutto questo si muove a un livello che era assolutamente inimmaginabile fino a pochi anni fa. Ci sono occhi che vedono, occhi che controllano, e questa quantità gigantesca di dati diventa il vero occhio. Perché i singoli occhi sono semplici acquisizioni di dati: questi dati vengono raccolti in un sistema enorme che li elabora e li trasforma in una visione d’insieme. Ma non è detto che questa visione corrisponda alla verità, perché tutte queste informazioni possono essere interpretate in modo errato, e ogni sistema di intelligenza artificiale può commettere errori.

Quando vi guardate intorno e vedete zone, palazzi, case, scuole che vengono bombardate, e qualcuno dice “non volevamo farlo”, è probabilmente una delle poche verità: quasi certamente non volevano farlo. Ma gli occhi che guardano il mondo non riescono sempre a distinguere con precisione una casa da una caserma, o una caserma da una scuola - magari perché dentro quella scuola, fino a poco tempo prima, c’era un centro militare, e nessuno è andato ad aggiornare i dati.

Non vogliamo però soffermarci su questo. Vogliamo invece ragionare sul fatto che, in un’era in cui vedere la realtà è sempre più importante, dovremmo capire che gli occhi da soli non bastano più. Lo abbiamo detto qualche mese fa, commentando un post di Adam Mosseri, CEO di Instagram, in cui affermava che ormai non è più possibile distinguere la verità dalla finzione. E forse il pericolo maggiore, in questo momento, riguarda proprio le persone esperte di immagini: sono le prime che dovrebbero preoccuparsi, le prime che dovrebbero offrire punti di riferimento solidi, eppure sono spesso le prime a non avere una percezione concreta di quanto stia cambiando il nostro rapporto con la realtà. E la cosa più pericolosa è sempre la stessa: la certezza di saper distinguere il vero dal falso.

Qualche giorno fa, tornando alle situazioni più urgenti, è diventato virale un post con una fotografia satellitare che sembrava dimostrare senza dubbi la distruzione di alcuni avamposti di controllo americani. Solo dopo alcuni giorni quelle immagini si sono rivelate false. Fino a poco tempo fa, modificare in modo credibile - non in modo grossolano - immagini satellitari non era alla portata di chiunque. Oggi invece sì. E queste immagini false hanno ingannato organi di informazione che le hanno date per vere, fino a quando esperti in grado di riconoscere la manipolazione non hanno dimostrato il contrario.

Tutto questo per dire che da diverso tempo stiamo cercando di lavorare - con noi stessi, con i nostri studenti e nei nostri corsi - sull’esigenza di distinguere quello che si vede da quello che viene trasmesso. Abbiamo proposto un’applicazione molto sperimentale e ancora piccola; se non l’avete ancora provata, vi consigliamo di farlo. Non perché l’abbiamo fatta noi, ma perché è il primo passo per mettere a fuoco un’esigenza fatta di consapevolezza: quello che mostriamo dice e mostra cose che influenzano le persone, spesso senza che ce ne accorgiamo. Quindi il primo punto è: provate a mettere a fuoco che cosa mostrate.

Il secondo punto è: cercate di capire che cosa c’è dentro un’immagine e che cosa volete trasmettere. Oggi i sistemi di generazione di immagini tramite intelligenza artificiale richiedono un input testuale, ma sempre di più richiederanno un input narrativo, parlato. In questo momento sto scrivendo questo testo usando la voce: è un modo di rendere visiva una parola che viene solo pronunciata, eppure queste parole si stanno componendo sullo schermo e stanno prendendo una forma che è comunque un medium diverso rispetto alla parola stessa.

Allo stesso modo, dobbiamo iniziare a pensare che quello che immaginiamo con la mente potrebbe diventare un’immagine. È un discorso che guarda al futuro, un futuro che magari non vi appartiene o non vi convince, ma che fa capire come forse avremo macchine fotografiche che compongono immagini non perché le stiamo vedendo, ma perché le stiamo immaginando. Provate a pensare a una reflex o a una mirrorless dove quello che voi state immaginando è quello che si sta componendo nel mirino o sullo schermo. Vedere con tutti i sensi diventerà sempre più importante. Probabilmente non la chiameremo più fotografia, ma la chiameremo in qualche altro modo, e questo influenzerà comunque la nostra comunicazione e il nostro modo di lavorare.

In sintesi, quello che vogliamo trasmettervi è questo: anche quando fate clic con la vostra macchina fotografica, che cosa state vedendo dentro quel mirino? Non abbiamo dubbi che i professionisti di qualità, quelli sensibili e attenti, stiano vedendo quello che vogliono catturare - che è frutto di quello che stanno immaginando o che vogliono descrivere. La scelta di un angolo di campo, di un’ottica, di un filtro, di un’impostazione: tutto questo fa parte di quella manipolazione dell’immaginazione che ci porta a dire “un conto è quello che vedo, un conto è quello che voglio trasmettere.”

E in tutto questo ci fa sorridere pensare che forse il fotografo che ha capito questa cosa meglio di tutti veniva da tanti anni fa: un vecchietto, forse il simbolo della fotografia pensata per trasmettere quello che si vedeva nella mente. Quella persona era Ansel Adams, con il suo sistema zonale - un sistema quasi informatico, che trasformava in numeri le emozioni della luce. Da lui forse dovremmo imparare o recuperare moltissimo, perché lui non fotografava la realtà soltanto per quello che era: la fotografava in funzione della previsualizzazione, dell’immaginazione. Attraverso un processo fatto di ripresa, scelta della pellicola e stampa. Le tecniche sono cambiate molto, ma quello che vediamo oggi è che guardiamo sempre più quello che passa davanti ai nostri occhi, senza riuscire a percepire quello che verrà poi visto - in senso pratico - sui media che lo utilizzeranno e lo divulgheranno, dagli occhi spesso un po’ sfocati delle persone. Sfocati non perché non vedono, ma perché dedicano alle nostre immagini, quando va bene, decimi di secondo.

Le riflessioni finali sono dunque queste: stiamo attenti, perché stiamo entrando in un mondo in cui i dati pretendono di descrivere la verità, e non è sempre così. E purtroppo i risultati degli errori di visione, in certi casi, sono disastrosi. L’immagine non è quello che mostra, ma quello che vuole significare.

Su questo, vi rimandiamo al nostro sistema di analisi delle immagini: se volete, è disponibile con un piccolo contributo di 1,99 euro, perché i dati vengono elaborati da un sistema di intelligenza artificiale che ha dei costi, e vorremmo un contributo per continuare questa sperimentazione. Chi è già abbonato ad Aiway LAB ha accesso gratuito e sta scoprendo quanto sia interessante.

L’ultimo passo è tornare un po’ indietro. Magari andarsi a rileggere i libri di Ansel Adams (Il Negativo, La Fotocamera, La Stampa), e ascoltare nella nostra mente quello che voleva dirci. Perché quello che stava facendo non era solo insegnarci una tecnica: stava insegnandoci a vedere. Nel frattempo, gran parte di noi - e quasi tutte le macchine - non sono più capaci di farlo.

Partiamo dai numeri, perché in questo caso parlano da soli. In una settimana, più di 200 fotografi e creativi professionisti (214, al momento di redigere questa newsletter e crescono ora dopo ora) hanno prenotato il loro posto all’Aiway Essential Webinar. Non è un numero che davamo per scontato, e non lo celebriamo per vanità: lo citiamo perché dice qualcosa di preciso sullo stato della professione. Crediamo che chi si è iscritto non lo abbia fatto solo perché il webinar è gratuito, certo è un elemento facilitatore, ma è anche vero che ci sono mille cose gratuite in rete, ma si sa che la maggior parte di queste non vale il tempo che richiede. Molti, ce lo hanno detto e scritto, lo hanno fatto perché sentono che il momento è adesso, che aspettare non è più una strategia e neanche una buona scusa, che si sente bisogno di qualcuno (e lo riconoscono in noi) in grado di leggere questo territorio con gli stessi occhi con cui si guarda un’immagine: con esigenza, con metodo, senza accontentarsi.

Nel frattempo, a metà settimana, Google ha reso disponibile Nano Banana 2. Se avete seguito la copertura mainstream - probabilmente ne avete vista almeno qualche traccia - avrete notato lo schema consueto: titoli entusiastici, dimostrazioni spettacolari, confronti numerici strappati dal contesto. Quello che mancava, come quasi sempre, era la risposta alla domanda che conta davvero per chi lavora con le immagini sul serio: questo strumento cambia qualcosa nel mio workflow, e se sì, in che direzione?

Noi quella risposta l’abbiamo costruita per gli abbonati ad AiwayLAB prima ancora che la notizia finisse sui feed generalisti: una live completa di quasi due ore, con vantaggi concreti, limiti reali e implicazioni pratiche per chi usa l’AI come parte del proprio processo professionale, non come “curiosità da esplorare nel weekend”.

Lo diciamo perché, secondo noi, è la dimostrazione diretta di qualcosa che vogliamo che capiate: la velocità con cui questo ecosistema si muove non è gestibile cercando di seguire ogni annuncio singolarmente. È vero, Nano Banana 2 è arrivato (e cosa davvero fa di diverso rispetto alla versione precedente, rispetto alla versione Pro? Non è banale, se non vi occupate tutti i giorni e tutto il giorno di queste innovazioni), ma nei pochi giorni che ci separano dal webinar, arriveranno quasi sicuramente altri aggiornamenti: di questo siamo certi, perché il ritmo non sta rallentando. E chi rincorre ogni uscita senza una struttura di riferimento solida non accumula competenza: accumula confusione. Noi siamo qui a filtrare, a dare un peso giusto alle cose, ad unire i puntini… e specialmente non abbiamo alcuna spinta da nessuna azienda per parlare bene o male di qualcosa.

È esattamente per questo che l’Aiway Essential Webinar non è costruito intorno agli strumenti, è costruito intorno a voi: alla vostra professione, al vostro workflow, alle domande che il mercato vi sta già ponendo e a quelle che vi porrà nei prossimi mesi. Gli strumenti cambiano, gli annunci si moltiplicano, le piattaforme si evolvono: ma la capacità di leggere un’immagine, di riconoscere dove i dettagli non funzionano, di capire cosa manca nella coerenza di una scena, quella è vostra, e non diventa obsoleta con il prossimo rilascio di un nuovo tool. Il webinar vi dà la struttura per portare quella capacità dentro i nuovi strumenti, qualunque siano, invece di ricominciare da zero ogni volta che esce qualcosa di nuovo.

Sarà un appuntamento che terrà conto di tutto ciò che è accaduto fino all’ultimo momento utile, Nano Banana 2 compreso, e non solo. Non un corso confezionato mesi fa e riscaldato per l’occasione, ma una sessione contestualizzata sul presente del mercato, con la consapevolezza di chi lo legge ogni giorno e per professione.

Per chi non è ancora iscritto, ricordiamo che la partecipazione è completamente gratuita, ma solo per chi sarà presente in diretta. Appena concluso, l’Aiway Essential Webinar sarà disponibile solo in formato video a 149 euro più IVA nella nostra pagina dedicata ai corsi. Oltre duecento colleghi hanno già prenotato il loro posto. Se volete essere tra chi partecipa gratuitamente, il momento è adesso.

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