C’è una domanda che ci portiamo dietro da anni, e che raramente diciamo ad alta voce perché suona quasi come un’ammissione di colpa: perché non riusciamo a promuovere la nostra attività? Perché la sera, invece di uscire a passeggiare per la città con la mente sgombra - quella passeggiata che ogni tanto regala un’idea, uno stimolo, una visione nuova - siamo ancora davanti allo schermo a sbrigare le ultime cose rimaste indietro? Perché il business non cresce come dovrebbe, nonostante il lavoro non manchi?

La risposta è molto semplice: non abbiamo tempo. Ma questa risposta è anche troppo comoda, perché nasconde qualcosa di più profondo. Non è solo una questione di ore nella giornata. È una questione di come siamo stati abituati a lavorare, e di come il mercato nel frattempo ha smesso di aspettarci.

La fotografia, storicamente, è uno dei mestieri più solitari che esistano. Si pensa da soli, si progetta da soli, si esce a scattare da soli, si torna in studio e si fa la post-produzione da soli, si consegna il materiale e si aspetta (da soli) che il cliente sia soddisfatto. Le strutture con più collaboratori, con aree dedicate al marketing e allo sviluppo del business, sono una rarissima eccezione. La grande maggioranza dei fotografi professionisti è, di fatto, un artigiano, e come tutti gli artigiani ha interiorizzato un principio che per decenni ha funzionato benissimo: fare è quello che mi permette di fatturare. Finché produco, guadagno. Finché scatto… esisto.

Il problema è che il mercato ha cambiato le regole senza avvisarci. O meglio: lo ha fatto piano piano, anno dopo anno, finché un giorno ci siamo trovati a dover fare una quantità di cose che non stavano nel nostro concetto di lavoro. Aggiornare i social ogni giorno (o quasi). Ottimizzare il sito. Analizzare cosa fanno i concorrenti. Scrivere newsletter per i clienti già acquisiti, stimolando nuove richieste. Cercare clienti che ancora non ci conoscono, capire come avvicinarli, costruire una relazione prima ancora che ci commissionino qualcosa. Fare analisi, fare presentazioni, rispondere alle email, mandare preventivi, controllare quelli passati per calibrare i nuovi. Tutto questo, mentre continuiamo a scattare, consegnare, spostarci.

È letteralmente impossibile. Non è un’iperbole, è impossibile in senso matematico, nel senso che le ore non bastano.

Quello che stiamo cercando di fare da qualche tempo, e che ci stiamo impegnando a costruire in modo sempre più concreto e pratico, è rispondere a questa impossibilità con una soluzione che fino a poco tempo fa non esisteva. Non si tratta di lavorare di più, né di lavorare meglio nel senso classico del termine. Si tratta di avere dei collaboratori. Collaboratori che non richiedono di essere pagati profumatamente ogni mese, che non si ammalano, che non vanno in ferie, e che, una volta istruiti nel modo giusto, possono lavorare ventiquattro ore su ventiquattro se necessario. Stiamo parlando degli agenti AI.

Vale la pena fermarsi un momento su cosa siano, perché c’è ancora molta confusione. Un agente AI non è la stessa cosa di ChatGPT, o di qualsiasi strumento che risponde alle nostre domande con testi più o meno utili. Un agente è qualcosa di diverso: è un sistema progettato per eseguire compiti in modo autonomo, continuativo, seguendo un processo che noi abbiamo definito, con obiettivi che noi abbiamo stabilito. Non risponde alle nostre domande, ma agisce per noi. Fa le cose, invece di suggerire come farle.

Nel contesto del lavoro fotografico, questo si traduce in una serie di possibilità molto concrete. Pensate a un collaboratore che si occupa interamente dei vostri profili social: seleziona le immagini dai lavori recenti, scrive le caption, pianifica la pubblicazione, mantiene viva la presenza online anche nei periodi in cui siete completamente immersi in un progetto. Parallelamente, potreste avere qualcuno - un altro agente - che aggiorna il sito con i lavori nuovi, ottimizza le pagine per i motori di ricerca, monitora come vi trovano i potenziali clienti. Su un fronte diverso, un agente dedicato alla comunicazione con il vostro database di clienti già acquisiti potrebbe mandare una newsletter ogni dieci giorni, con contenuti personalizzati, promozioni mirate, aggiornamenti sui vostri lavori più recenti.

Questo si collega a qualcosa di ancora più interessante quando si parla di sviluppo del business: un agente strategico che fa ricerca costante (su nuove opportunità di mercato, nuovi settori da esplorare, tendenze emergenti nella fotografia commerciale) e che periodicamente vi porta un’analisi di quello che sta succedendo fuori, mentre voi siete dentro a lavorare. E poi c’è tutta la parte amministrativa: le fatture, la documentazione, le risposte alle email di primo contatto, i preventivi. Un agente che conosce il vostro tariffario, il vostro storico di lavori simili, e che è in grado di costruire una proposta commerciale seria partendo dalle informazioni che gli fornite. O ancora: presentazioni automatiche per potenziali clienti, costruite attingendo direttamente al vostro archivio fotografico: immagini di viaggi per le aziende del settore travel, ritratti per i clienti corporate, reportage di eventi per chi organizza conferenze.

Tutto questo, in modo automatico. E probabilmente, leggendo, starete pensando che è troppo, che è complicato, che non è per voi. Ma è esattamente quello di cui avete bisogno, e lo sappiamo bene perché lo diciamo da un po’ di tempo, anche a noi stessi.

Perché funzioni, però, bisogna prima imparare. Non si tratta di scaricare un’app e cliccare un bottone. Si tratta di acquisire una conoscenza, di capire quali strumenti esistono, come funzionano, quali sono i migliori per le vostre esigenze specifiche. E poi (e questa è la parte più importante) si tratta di insegnare a questi agenti quello che devono sapere per essere davvero utili. Il vostro stile di comunicazione. I vostri clienti tipici. I settori in cui lavorate di più. Il tono di voce della vostra newsletter. Come volete che vengano costruiti i preventivi. Un agente ben addestrato è un’estensione di voi, non un sostituto generico.

Su questo punto vogliamo essere chiari, perché è qualcosa che spesso viene frainteso: non stiamo insegnando a usare strumenti per ottenere risultati rapidi con il minimo sforzo. Stiamo insegnando a costruire un metodo di lavoro, a sviluppare un processo, a coltivare l’analisi del vostro futuro professionale. Chi impara solo i trucchi rimane indietro quando i trucchi cambiano (e cambiano sempre). Chi impara il processo ha qualcosa che rimane, che cresce, che si adatta.

È per questo che abbiamo già fatto un primo incontro con gli abbonati ad Aiway Lab: un webinar di due ore, già disponibile come video, che spiega come funzionano questi meccanismi e traccia la strada per i prossimi approfondimenti. Marketing, strategia, costruzione degli agenti: ogni aspetto verrà affrontato in modo progressivo, perché non si può spiegare tutto in una volta e soprattutto perché le esigenze di ciascuno sono diverse. L’esigenza di un fotografo di matrimoni non è la stessa di un fotografo industriale. Il processo di chi lavora da solo non è lo stesso di chi ha già uno studio con qualche collaboratore.

Se volete cominciare subito, potete acquistare il video del primo webinar a un prezzo di favore e iniziare a capire come funzionano questi meccanismi. Ma il nostro consiglio vero (quello che daremmo a un amico) è di abbonarvi ad Aiway Lab, con un abbonamento trimestrale o annuale. Non perché abbiate bisogno di un altro strumento: ne avete già troppi. Ma perché quello che serve è un modo per imparare ed essere seguiti, mese dopo mese, mentre questa trasformazione si sviluppa. Le tecnologie evolvono continuamente, le opportunità cambiano, e avere un punto di riferimento stabile in questo panorama vale molto di più di qualsiasi singolo corso.

Il lavoro del fotografo resterà artigianale, resterà creativo, resterà artistico: su questo non ci sono dubbi e non vogliamo che ce ne siano. Ma si unirà, necessariamente, a una gestione imprenditoriale che oggi non è un lusso: è la condizione per rimanere sul mercato con dignità, con soddisfazione, con risultati economici che rispecchino il valore di quello che fate. Smettere di pensare che il passaparola basti, o che pubblicare qualche post su Instagram senza una strategia produca risultati, non è un’ammissione di sconfitta: è il primo passo per costruire qualcosa di serio.

E sì, tutto questo richiede tempo per impararlo. Ma è un investimento che, una volta fatto, vi restituisce il tempo: proprio quello che adesso non avete.

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In poche settimane, tre fatti che sembrano separati, eppure si parlano tra loro con una chiarezza quasi inquietante. Il 16 aprile Condé Nast comunica alla redazione di Wired Italia, dieci minuti prima del comunicato pubblico, che la testata chiuderà. Nata nel 2009 sull’onda lunga della Wired americana (e di quella inglese, che nel frattempo ha già rinunciato al cartaceo per diventare trimestrale digitale), per diciassette anni ha raccontato tecnologia, cultura digitale e innovazione a un pubblico che in Italia non era affatto scontato esistesse. La motivazione ufficiale è la solita, quella che in editoria funziona come una scomunica: non è più redditizia. Meno dell’uno per cento del fatturato del gruppo, spiega l’amministratore delegato Roger Lynch.

Qualche settimana prima, il 10 marzo, l’assemblea dei soci della Hoepli di Milano ha deliberato la liquidazione volontaria. La libreria di via Hoepli, quattro piani, duecentomila volumi, una casa editrice storica (aperta nel 1870 dall’immigrato svizzero Ulrico Hoepli, che ha dato il nome alla via) che per generazioni ha rappresentato il punto di riferimento per chiunque cercasse libri di arte, fotografia, design, grafica, architettura e saggistica tecnica e innovativa. Ottantanove dipendenti, un patrimonio culturale che ha attraversato tre secoli. Le motivazioni ufficiali parlano di “performance del mercato editoriale” e di un conflitto familiare irrisolvibile tra due rami della proprietà; dietro si intravedono appetiti immobiliari e una certa stanchezza di quella borghesia milanese che della cultura sembrava aver fatto un pilastro, e che forse non ci crede più davvero. Chi lavora nel mondo dell’immagine e della grafica sa cosa significa. Significa perdere un luogo fisico dove si potevano sfogliare volumi che altrove non esistevano, dove si faceva lavoro di scoperta, dove si entrava con un’idea e si usciva con tre idee nuove.

Parallelamente, oltreoceano, una notizia dal segno opposto. All’inizio di aprile OpenAI ha annunciato la sua prima acquisizione di una media company: TBPN, un podcast tecnologico nato appena nel 2025, con 58.000 iscritti su YouTube. Cifra stimata dal Financial Times e confermata da alcune newsletter del settore: circa 200 milioni di dollari. Il podcast continuerà a raccontare la Silicon Valley come ha fatto finora, ma risponderà al chief global affairs officer di OpenAI, Chris Lehane. Nessuno ha bisogno di tradurre cosa significhi: le aziende dell’AI hanno capito prima degli altri che la rivoluzione in corso non si vince sui parametri dei modelli, si vince sulla narrazione, si vince occupando lo spazio in cui quella rivoluzione viene raccontata, interpretata, legittimata.

Tre fatti e una contraddizione.

Da un lato si spengono luoghi e testate che per decenni hanno prodotto cultura, sapere, pensiero critico. Dall’altro le aziende che stanno costruendo l’intelligenza artificiale pagano cifre enormi per comprare media, per produrre narrazione, per plasmare l’opinione. E qui arriviamo al paradosso più interessante del momento che viviamo. L’AI, nell’immaginario collettivo, è la macchina che sa tutto, che ha già dentro di sé l’intera cultura umana, che può rispondere a qualsiasi domanda. In realtà la situazione è quasi opposta. L’intelligenza artificiale ha una fame costante e crescente di sapere umano di alta qualità. Di dati freschi, di opinioni nuove, di visioni originali, di ricerca, di critica, di libri scritti da persone che hanno ancora qualcosa da dire perché hanno qualcosa da pensare. Senza questo flusso, la sua evoluzione diventa sterile: si ripete, collassa sui propri output, produce quella nebbia omogenea e piatta che già inizia a riconoscere chiunque lavori ogni giorno con questi strumenti.

L’Italia, in questo momento, sembra non aver capito bene il gioco. Si investe poco nella cultura, si lasciano morire istituzioni che sarebbero state definite strategiche se solo fossero state aziende di difesa o infrastrutture digitali. La cultura viene trattata come una spesa, non come l’infrastruttura che rende possibile tutto il resto. E questa è la parte che ci colpisce di più come autori del Sunday Jumper, perché parliamo a fotografi, creativi e professionisti dell’immagine, persone il cui mestiere poggia interamente sulla capacità di vedere prima degli altri, di collegare, di sintetizzare un’idea che non c’era un momento prima. Quella capacità non si compra in un abbonamento AI e non si scarica come un plugin. Si costruisce frequentando mostre, dibattiti, librerie come Hoepli, riviste come Wired Italia. Quando questi luoghi chiudono, chi resta sul mercato a produrre immagini e pensiero si ritrova con meno attrezzi, meno riferimenti, meno contesto.

Ora, se guardiamo a quello che sta succedendo con occhi pragmatici, viene da fare una domanda semplice. Perché nessuno, in Italia, si è fatto avanti per rilevare Hoepli? Non per conservarla come un museo, lo diciamo subito, ma per rilanciarla. Immaginiamola per un attimo come un faro di cultura concreta, pratica, democratica e progressista. Un luogo fisico in centro a Milano che funzioni anche come spazio digitale, un archivio che dialoghi con modelli di AI addestrati su contenuti di qualità, una casa editrice che produca saggistica pensata per i prossimi vent’anni invece che per i prossimi sei mesi, un punto di riferimento per chi deve educare se stesso e i propri figli a un pensiero che non sia soltanto consumo passivo di contenuti. Il capitale c’è, in Italia e all’estero, e c’è sicuramente anche in quelle stesse aziende dell’AI che tra poco si accorgeranno di quanto sia prezioso avere un partner culturale europeo capace di garantire un flusso continuo di sapere di qualità. Sarebbe un’operazione industriale, prima ancora che filantropica.

Facciamo un passo indietro e guardiamo al quadro più grande. La domanda che il Sunday Jumper si pone questa settimana è se davvero possiamo permetterci di lasciar morire i luoghi della cultura proprio mentre la più grande rivoluzione tecnologica della nostra vita ha bisogno di quegli stessi luoghi per evolvere senza inaridirsi. La risposta, per noi, è no. Gli investimenti sulla cultura vanno potenziati, non ridimensionati. Non una cultura per pochi, non quella da salotto bene che in Italia ha spesso allontanato le persone invece di avvicinarle, ma un sapere diffuso, allenato al pensiero critico, accessibile. Perché questo è lo spazio in cui gli esseri umani, e i creativi in particolare, possono ancora costruire valore: un’identità che sa guardare oltre le macchine, un pensiero che si interroga invece di limitarsi a rispondere, una visione che nasce dal frequentare cose che stanno fuori dagli schermi. È forse la cosa principale che dovremmo fare, adesso. E forse qualcuno, tra editori, fondazioni, investitori, istituzioni e aziende dell’AI, dovrebbe davvero pensarci seriamente. La finestra non resterà aperta a lungo.

Premessa doverosa: io la birra non la bevo. Eppure il miglior spunto per questo Sunday Jumper me l’ha dato una pinta di Guinness. Morale, prima ancora di cominciare: non cercate solo dove già sapete guardare. Le risposte spesso abitano altrove.

E ora, seconda premessa: parleremo di costi, di prezzi, di mercato che si uniforma. So già cosa state pensando. Rimanete qui, perché la conclusione è esattamente il contrario di quello che teme chi lavora con la creatività, con la comunicazione, con i valori. Promesso!

Una storia che inizia con €7,80

Matt Cortland, ingegnere americano che vive a Londra, entra in un pub di Dublino e ordina una Guinness. Il conto arriva: €7,80. Lui paga, torna a casa, e invece di sfogarsi su qualche forum costruisce qualcosa.

Quello che costruisce si chiama Rachel. Una voce con accento nordirlandese, creata su ElevenLabs, con un compito preciso: chiamare i pub di tutta l’Irlanda e chiedere una cosa sola. Quanto costa una pinta di Guinness?

Nel weekend di Saint Patrick’s Day 2026, Rachel ha composto più di tremila numeri telefonici, in tutte e 32 le contee dell’Irlanda. I numeri vengono dalle API di Google Maps, le chiamate passano attraverso Twilio con una SIM irlandese, poi Claude estrae i prezzi dalle registrazioni audio effettuate.
Spesa totale: €200.

Il risultato si chiama Guinndex, un indice nazionale del prezzo della pinta, raccolto voce dopo voce, pub per pub.
Media nazionale €5,95.
Dublino €6,75. Punta massima €10 a Temple Bar.
A Laois nell’entroterra arriva a costare €5,38.

La parte più interessante non è il dato, ma è quello che è successo dopo: un gestore ha visto la propria scheda, ha confrontato il prezzo con i locali vicini, ha abbassato di quaranta centesimi, e poi ha aggiornato lui stesso la voce sul Guinndex. Senza leggi, senza campagne, solo grazie a questo specchio del settore e la pressione silenziosa della trasparenza.

Rachel non è un esperimento da laboratorio, è un agente AI che ha svolto un compito preciso, in autonomia, su scala, producendo un effetto reale sul comportamento del mercato. E quello che ha fatto per la birra irlandese si può fare per qualunque cosa abbia un prezzo. Mutui. Assicurazioni. Voli. Avvocati. Fotografi. Agenzie di comunicazione.

Quando un agente AI viene delegato a trovare la soluzione migliore per una specifica esigenza, il prezzo diventa una variabile misurabile, confrontabile, indicizzabile in tempo reale. La conseguenza è prevedibile: i mercati si uniformeranno sui costi. Chi oggi si regge su margini gonfiati dall’opacità si troverà esposto, non da una legge, non da una disruption spettacolare, ma dalla stessa pressione silenziosa che ha fatto abbassare il prezzo di quella pinta.

Ecco perché vi avevo chiesto di restare!

Perché se il prezzo si appiattisce, il mercato allora si sposta sui valori.

E i valori non si indicizzano. Un fotografo, un designer, uno studio di comunicazione: il loro valore non è nel prezzo della singola ora. È in quello che sanno leggere di un cliente, in come traducono un’identità in immagini, in come costruiscono riconoscibilità nel tempo. Questo Rachel non lo trova e non può richiederlo a un numero di telefono.

Ma se un agente viene delegato a cercare “un fotografo per il lancio del mio prodotto” e se nel sito di quel fotografo non c’è nulla che risponda a questa domanda in modo chiaro e leggibile per un sistema AI, quell’agente non lo considererà. Non perché sia meno bravo, ma perché è… invisibile.

Meta ha appena presentato un modello AI progettato per personalizzare gli annunci usando tutto quello che l’intelligenza artificiale può sapere di noi. Amazon sta ridisegnando la propria piattaforma e-commerce da zero con l’AI nel cuore dell’esperienza di acquisto. Questi non sono segnali di un futuro lontano, ma sono l’infrastruttura che si sta costruendo adesso, qui e ora.

Per lungo tempo ci siamo chiesti come posizionarci su Google, ma oggi dobbiamo chiederci: quando un agente AI viene incaricato di trovare qualcuno come me, quali domande si pone? E nelle mie pagine, nei miei contenuti, nella mia comunicazione, ci sono le risposte a quelle domande?

Bisogna ricominciare da zero, non rattoppare

Il sito web di un professionista, oggi, è quasi sempre un racconto di chi sei. Quello che servirà è un sistema di risposte a domande specifiche: cosa risolvi, per chi, con quale approccio, con quali risultati. Lo stesso vale per i social: non contenuti generici ben confezionati, ma punti di vista precisi, competenza dimostrata su problemi reali, una reputazione che un sistema possa riconoscere come coerente nel tempo. E per chi lavora con le immagini: un’immagine bella ma priva di contesto, nel nuovo ecosistema, è semplicemente inesistente.

La rivoluzione non arriverà annunciata con le fanfare, arriverà come è arrivata per quel gestore di pub irlandese: un giorno troverai una scheda con il tuo nome, accanto ad altri nomi, e qualcuno avrà già fatto il confronto al posto tuo. Rachel ha chiamato tremila pub e ha chiesto il prezzo della birra. Presto, qualcosa di simile - più sofisticato, più capillare, più silenzioso - chiederà ai mercati di tutto: quanto vali, cosa fai, perché sceglierti.

Quando arriverà quella chiamata, avrai già la risposta pronta?

Di questo - di come funzionano gli agenti AI, di come costruire visibilità online in questo scenario, di come ripensare la comunicazione e i contenuti nell’ottica di questa evoluzione - parliamo e parleremo sempre di più su AiWay Magazine. Se sono temi che vi riguardano, e vi riguardano, è il momento giusto per seguirci.

In questi anni di lavoro nella formazione e nella consulenza, sia con aziende strutturate, sia con professionisti e studenti, una cosa si ripete con una frequenza che non lascia più spazio al dubbio: la maggior parte delle persone non ha ancora capito dove sta andando davvero l’intelligenza artificiale. Non è un giudizio, è un’osservazione. Ed è comprensibile, perché la velocità con cui questa tecnologia si evolve rende difficile anche a chi ci lavora ogni giorno avere una visione nitida di dove si stia andando.

Il punto di svolta non è stato quando i modelli linguistici hanno cominciato a rispondere in modo convincente alle nostre domande. Quello era il primo capitolo, straordinario ma ancora limitato nel suo impatto pratico: chiedevi, ricevevi una risposta, poi decidevi cosa farne. La discontinuità vera, quella che sta cambiando la struttura del lavoro e non solo la sua efficienza, si chiama agentic AI, ovvero l’intelligenza artificiale di tipo agentivo. Non un sistema che risponde, ma un sistema che agisce: che prende un obiettivo, lo scompone in sottocompiti, li assegna a sotto-agenti specializzati, coordina i risultati e porta avanti il processo in modo autonomo.

Facciamo un passo indietro nel tempo, molto indietro, perché il modo migliore per capire cosa sta succedendo è guardare a qualcosa che già conosciamo. Adam Smith, nell’opera “La ricchezza delle nazioni” pubblicata nel 1776, descriveva quello che è diventato uno dei concetti fondanti dell’economia industriale: la fabbrica degli spilli. L’intuizione era semplice ma rivoluzionaria: un artigiano da solo, occupandosi di ogni fase della produzione (tirare il filo, tagliarlo, appuntirlo, assemblarlo), riusciva a produrre al massimo una ventina di spilli al giorno. Dieci operai specializzati, ciascuno dedicato a una sola fase del processo, potevano arrivare insieme a produrne decine di migliaia nello stesso tempo. Non una differenza di efficienza, ma un salto di scala che ha cambiato il mondo.

Quello stesso principio, suddividere il processo in parti piccole e assegnare ciascuna parte a chi (o a cosa) è più adatto a eseguirla, è esattamente ciò che l’AI agentica sta portando dentro i flussi di lavoro moderni. Un agente principale capisce l’obiettivo e coordina la strategia; agenti esecutori si occupano delle singole fasi operative; un sistema di controllo verifica che ogni output sia corretto prima di passarlo alla fase successiva. La fabbrica degli spilli, in versione digitale e infinitamente più scalabile.

Fin qui, sembra tutto positivo. E in effetti lo è, almeno dal punto di vista dell’efficienza. Ma c’è una parte di questa storia che rischia di passare in secondo piano, e che invece merita tutta l’attenzione che sappiamo darle. Quando la specializzazione raggiunse il suo apice nell’industria manifatturiera, portò con sé anche l’omologazione: prodotti sempre più simili tra loro, prezzi sempre più schiacciati dalla concorrenza, margini sempre più ridotti. La differenziazione diventò possibile solo alzando il livello qualitativo o innovando radicalmente il prodotto. Chi non ci riusciva si trovava a competere solo sul prezzo, e quella è una guerra che porta tutti verso il basso.

Lo stesso meccanismo rischia di attivarsi ora, con una velocità molto superiore. Se deleghiamo alle macchine la scelta, quale fotografo scegliere, quale agenzia contattare, quale soluzione adottare, quella scelta verrà operata su dati oggettivi e criteri misurabili: il prezzo, la disponibilità, i feedback medi. Non si tratta di fantascienza, è già il modo in cui funzionano molte piattaforme di intermediazione. Il volo più conveniente da A a B negli orari indicati: l’algoritmo non ha dubbi, sa già la risposta. Se il nostro lavoro diventa altrettanto misurabile, altrettanto confrontabile su parametri oggettivi, smette di avere valore intrinseco e diventa solo un dato in una tabella.

Esiste una legge informale, osservata ogni volta che una tecnologia è diventata più veloce e più economica: la disponibilità aumenta, il prezzo scende, ma il tempo che pensiamo di risparmiare non si accumula davvero. Quando arrivò il processore più veloce, non ci trovammo con più tempo libero: cominciammo a fare di più, in meno tempo, e poi ancora di più. Quando le fotocamere digitali eliminarono il costo della pellicola, non scattammo lo stesso numero di fotografie: cominciammo a scattarne migliaia, quando prima ne facevamo decine. L’innovazione più veloce non liberava il tempo, lo riempiva di nuove richieste.

Con l’AI agentica sta accadendo la stessa cosa, ma con una variante che complica il quadro: questa volta, ciò che si automatizza non sono solo le azioni ripetitive e meccaniche, ma anche parti del processo creativo, decisionale, di analisi. E allora la domanda che si pone non è “quanto tempo sto risparmiando?” ma “cosa sto facendo con il tempo che sto liberando?”

Il consiglio che ci sentiamo di dare, e che stiamo testando anche nel nostro lavoro di Aiway LAB, è di cominciare a fare un’analisi metodica del proprio flusso di lavoro. Non in modo generico, ma con la precisione di chi vuole davvero capire cosa sta facendo. Prendere un processo (uno shooting fotografico, una campagna di comunicazione, un progetto editoriale) e scomporlo nelle sue azioni elementari: cosa si pianifica, cosa si esegue, cosa si controlla, cosa si distribuisce. Per ciascuna di queste azioni, chiedersi con onestà: questa attività richiede intuizione umana, oppure è riproducibile da un sistema ben istruito?

Non è un esercizio freddo o anti-creativo. È esattamente il contrario, perché permette di vedere con chiarezza dove si trova davvero il valore del proprio lavoro. Scoprire che una parte significativa di ciò che facciamo ogni giorno è automatizzabile non è una notizia scoraggiante: è la premessa per smettere di dedicare a quella parte il tempo e l’energia che invece dovrebbero andare altrove. Verso la strategia, verso l’intuizione, verso quelle scelte che un sistema, per quanto perfezionato, non riesce ancora a fare perché richiedono esperienza vissuta, senso del contesto, capacità di sbagliare e imparare dall’errore.

Quello che rimane alle persone, in questo schema, è la parte più difficile da imitare: non il fare, ma il pensare il fare. Non l’esecuzione, ma la visione di dove si sta andando e perché. Non la verifica tecnica dell’output, ma la capacità di riconoscere se quell’output è davvero quello giusto per quel momento, per quel cliente, per quella storia che si vuole raccontare. Sono le stesse cose che hanno sempre distinto un buon professionista da uno mediocre, ma diventano ancora più preziose in un mercato in cui la parte esecutiva si livella rapidamente verso un denominatore comune accessibile a tutti.

Il rischio che stiamo osservando, nelle aziende come tra i freelance, è opposto a quello che ci si potrebbe aspettare. Non è che le macchine tolgano lavoro alle persone. È che le persone, trovandosi di fronte a strumenti sempre più capaci, scelgano di delegare sempre di più, allontanandosi progressivamente da quella parte del proprio lavoro che genera valore reale. Diventare supervisori passivi di processi automatici non è un’evoluzione, è una rinuncia. E le rinunce, nel tempo, si pagano: in termini di differenziazione, di identità professionale, di capacità di offrire qualcosa che nessun sistema può generare al posto tuo.

Il futuro non è nella competizione con le macchine su ciò che le macchine sanno fare. È nell’investire con decisione su tutto il resto.

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C’è un campo che seguiamo con attenzione crescente, quasi quotidiana, nell’evoluzione tecnologica: quello delle interfacce. Non è un argomento che fa tendenza sui social, ma è forse il tema più profondo di questo momento. Perché le interfacce sono il confine tra noi e le macchine. E quel confine, per decenni, è rimasto sorprendentemente fermo.

Bottoni, ghiere e memoria muscolare

Per generazioni, l’interfaccia è stata un insieme di pulsanti, ghiere, slider, cursori. Elementi fisici o digitali che trasformano un pensiero in un’azione trasmessa a una macchina. Un linguaggio di mediazione tra la mente umana e il sistema elettronico.

Anni fa, guardando la presentazione di alcune fotocamere professionali, avevo sollevato questa questione: non potrebbe essere che la difficoltà di trovare nuove posizioni per i controlli fisici diventasse un limite all’innovazione del form factor? La risposta - data da una persona con anni di rapporto diretto con i fotografi professionisti, sportivi, di eventi - fu illuminante nella sua semplicità: “sono i professionisti stessi a chiederci di non cambiare nulla”.

La memoria muscolare è una risorsa preziosa. Decine di migliaia di ore passate a lavorare con una macchina fotografica costruiscono un sistema automatico di interazione: la mano trova il pulsante senza che l’occhio lo cerchi, il pollice gira la ghiera mentre la mente è altrove, sul soggetto, sulla luce, sull’istante. Qualunque cambiamento in quel sistema significa perdita di velocità, errori, frustrazione. Così le fotocamere professionali hanno mantenuto sostanzialmente la loro forma e la loro logica di interazione per decenni.

Il precedente iOS: quando il cambiamento fa paura

Lo abbiamo vissuto anche nel mondo degli smartphone. Chi c’era ricorda la transizione tra iOS 6 e iOS 7, da quella che i designer chiamano interfaccia skeuomorfica - icone e grafiche che riproducono oggetti analogici nel digitale - a quella piatta, minimalista, geometrica. Fu un cambiamento divisivo, polemico, sofferto. Poi, come sempre, l’essere umano si è adattato. Ma ci vuole tempo. E il tempo, nell’innovazione, ha un costo.

Gennaio 2026: Halide entra in Apple

A gennaio è successa una cosa che, in apparenza, sembra una semplice notizia di settore. Uno dei fondatori di Halide - l’applicazione fotografica amata dai professionisti che usano iPhone proprio per la sua interfaccia ricca, controllata, professionale -ha lasciato la società Lux per entrare nel team di Apple, con toni non privi di polemica verso la strada presa fino a quel momento.

Come spesso accade con Apple, la mossa è ambigua, ma invita a immaginare: e se qualcosa stesse per muoversi nell’app fotocamera dell’iPhone? Quella che fino ad ora è stata volutamente “basic” - apri, inquadra, scatta - potrebbe evolvere verso qualcosa di molto più sofisticato. Forse già dal prossimo sistema operativo, atteso come sempre nell’autunno di quest’anno. O forse no: Apple è Apple, e le sue mosse raramente si anticipano con certezza.

Ma se fosse così, ci sarebbe qualcosa di più grande in questa storia. Qualcosa che va ben oltre i bottoni dell’app fotocamera.

L’AI come nuovo sistema operativo delle interfacce

L’intelligenza artificiale non è più uno strumento che si usa dentro le applicazioni. Sta diventando un livello fondamentale della tecnologia, un layer trasversale che si colloca alla base di tutto, più vicino al sistema operativo che alle singole app.

Pensateci: perché dovrebbe esistere un modello AI separato dentro Photoshop, un altro dentro la fotocamera, un altro ancora nel word processor? Ha senso, invece, immaginare un’intelligenza artificiale a livello di sistema operativo che alimenta tutte le applicazioni, iniettando capacità dove servono, senza duplicazioni, con un’unica fonte di aggiornamento e miglioramento continuo.

Questo cambia tutto il discorso sulle interfacce. Perché l’AI non interagisce con ghiere e pulsanti. L’AI interagisce con il linguaggio naturale. Con le intenzioni. Con il contesto.

Il grande salto: dall’interazione fisica all’interazione naturale

Halide è nata in un’era pre-AI, come quasi tutti i software e le applicazioni che usiamo. È costruita su un modello di interazione che è figlio della tradizione: slider, istogrammi, controlli manuali, aree di tocco. Tutto questo è straordinariamente funzionale per chi ci ha investito ore ed esperienza. Ma se immaginassimo di costruire un’applicazione fotografica professionale oggi, sapendo quello che sappiamo sull’AI, la progetteremmo allo stesso modo?

Probabilmente no.

Ecco la sfida - e l’opportunità enorme - che qualcuno, prima o poi, dovrà raccogliere. Che sia Apple, o qualcun altro. Non si tratterebbe solo di ridisegnare un’interfaccia. Si tratterebbe di ripensare il modo in cui l’essere umano comunica con lo strumento fotografico. Di passare dall’interazione fisica, limitata dalla memoria muscolare e dalla tradizione, all’interazione naturale, mediata dall’intelligenza artificiale e dal linguaggio.

La domanda è: le fotocamere professionali seguiranno?

Qui si apre un capitolo ancora tutto da scrivere. Se l’iPhone mostrerà una strada credibile verso interfacce fotografiche alimentate dall’AI, quale sarà il produttore di fotocamere professionali che deciderà di percorrerla?

Il mercato delle fotocamere professionali è tradizionalmente conservatore, lo abbiamo detto. Ma è anche un mercato che insegue instancabilmente la qualità: risoluzione, velocità, resa cromatica, affidabilità. Se si dimostrasse che un’interfaccia AI-native migliora i risultati senza rallentare il flusso di lavoro, l’adozione potrebbe diventare solo una questione di tempo e di coraggio industriale.

La domanda che ci facciamo è allora: non tanto se l’interfaccia delle fotocamere cambierà, ma chi avrà il coraggio di provarci per primo. E soprattutto: funzionerà?

Un’ultima porta socchiusa: la macchina che propone, l’umano che esegue

C’è un’idea che circola in certi ambienti tech - provocatoria, un po’ distopica, forse profetica - che vale la pena citare come chiusura di questo ragionamento. Esiste una piattaforma che propone un’inversione: non l’AI che sostituisce il lavoro umano, ma l’AI che propone il lavoro agli esseri umani. Offre agli umani ciò che le macchine ancora non riescono a fare.

È una visione limite, ma apre una domanda interessante applicata al nostro mondo: le fotocamere del futuro - più intelligenti, più autonome, più capaci di interpretare la scena - diventeranno strumenti che ci propongono cosa fare, mentre noi siamo il braccio esecutivo? Oppure rimarremo noi a comunicare intenzioni naturali alle macchine, e le macchine tradurranno quelle intenzioni in tecnica perfetta?

Probabilmente la risposta sarà nel mezzo. E sarà, come sempre, più interessante di qualsiasi previsione.

Continuiamo a guardare, con curiosità.

In questi giorni, per una serie di motivi - anche personali, ma non solo - ci siamo messi a riflettere sulla nostra percezione visiva, sulla certezza che quello che vediamo rappresenti non solo la realtà e la verità, ma che addirittura influenzi quello che pensiamo. Questa convinzione viene oggi messa in discussione da una serie di eventi e di situazioni, e forse abbiamo bisogno - noi che ci occupiamo di immagine - di fare valutazioni un po’ più ampie.

Guardiamo con gli occhi, o guardiamo con tutti i nostri sensi? I sensi sono tipicamente l’udito, l’olfatto, il tatto e così via, ma intendiamo qualcosa di più: non solo i cinque sensi classici, ma anche quelli legati all’istinto, alla consapevolezza, e forse l’”a prima vista” non è sufficiente. Ci sono in questo momento tante situazioni complicate, molto difficili, che portano a riflettere in modo profondo, preoccupante, a tratti ci fanno arrabbiare. Una cosa però è evidente: oggi la vista è uno strumento che non si basa più solo sulla capacità di vedere, ma sulla capacità di sapere, e quindi di avere informazioni.

Se proviamo ad allargare la prospettiva, ci accorgiamo che in questo momento, mentre tuonano venti di guerra, il lato visuale delle cose si è trasformato in dati. Se avete letto, studiato o fatto un po’ di ricerche, vi sarete accorti che esistono tecnologie sviluppate nell’ambito dell’intelligenza artificiale - dove l’AI è solo il motore, mentre le intenzioni restano umane - che per sapere cosa succede, e di conseguenza come intervenire, si affidano a miliardi di occhi. Sono gli occhi che noi installiamo nelle nostre case, nei nostri giardini, davanti ai nostri portoni.

Poi ci sono le telecamere delle strade, che sono in qualche misura più controllate. Diverso è il discorso per quelle che installiamo noi stessi, perché siamo dilettanti: creiamo sistemi per vedere chi arriva a casa nostra, senza renderci conto che quegli occhi possono inquadrare il palazzo di fronte, la strada, le persone che passano e a che ora passano. Ed è molto facile hackerare questi sistemi e trasformarli in dati.

Gran parte di quello che leggiamo sui giornali - sempre che li leggiamo ancora - o che guardiamo in televisione, o con cui veniamo bombardati sui social, quello che viene colpito, le persone arrestate, le persone trovate per le strade di Minneapolis, del Venezuela o di qualunque altro posto, tutto questo si muove a un livello che era assolutamente inimmaginabile fino a pochi anni fa. Ci sono occhi che vedono, occhi che controllano, e questa quantità gigantesca di dati diventa il vero occhio. Perché i singoli occhi sono semplici acquisizioni di dati: questi dati vengono raccolti in un sistema enorme che li elabora e li trasforma in una visione d’insieme. Ma non è detto che questa visione corrisponda alla verità, perché tutte queste informazioni possono essere interpretate in modo errato, e ogni sistema di intelligenza artificiale può commettere errori.

Quando vi guardate intorno e vedete zone, palazzi, case, scuole che vengono bombardate, e qualcuno dice “non volevamo farlo”, è probabilmente una delle poche verità: quasi certamente non volevano farlo. Ma gli occhi che guardano il mondo non riescono sempre a distinguere con precisione una casa da una caserma, o una caserma da una scuola - magari perché dentro quella scuola, fino a poco tempo prima, c’era un centro militare, e nessuno è andato ad aggiornare i dati.

Non vogliamo però soffermarci su questo. Vogliamo invece ragionare sul fatto che, in un’era in cui vedere la realtà è sempre più importante, dovremmo capire che gli occhi da soli non bastano più. Lo abbiamo detto qualche mese fa, commentando un post di Adam Mosseri, CEO di Instagram, in cui affermava che ormai non è più possibile distinguere la verità dalla finzione. E forse il pericolo maggiore, in questo momento, riguarda proprio le persone esperte di immagini: sono le prime che dovrebbero preoccuparsi, le prime che dovrebbero offrire punti di riferimento solidi, eppure sono spesso le prime a non avere una percezione concreta di quanto stia cambiando il nostro rapporto con la realtà. E la cosa più pericolosa è sempre la stessa: la certezza di saper distinguere il vero dal falso.

Qualche giorno fa, tornando alle situazioni più urgenti, è diventato virale un post con una fotografia satellitare che sembrava dimostrare senza dubbi la distruzione di alcuni avamposti di controllo americani. Solo dopo alcuni giorni quelle immagini si sono rivelate false. Fino a poco tempo fa, modificare in modo credibile - non in modo grossolano - immagini satellitari non era alla portata di chiunque. Oggi invece sì. E queste immagini false hanno ingannato organi di informazione che le hanno date per vere, fino a quando esperti in grado di riconoscere la manipolazione non hanno dimostrato il contrario.

Tutto questo per dire che da diverso tempo stiamo cercando di lavorare - con noi stessi, con i nostri studenti e nei nostri corsi - sull’esigenza di distinguere quello che si vede da quello che viene trasmesso. Abbiamo proposto un’applicazione molto sperimentale e ancora piccola; se non l’avete ancora provata, vi consigliamo di farlo. Non perché l’abbiamo fatta noi, ma perché è il primo passo per mettere a fuoco un’esigenza fatta di consapevolezza: quello che mostriamo dice e mostra cose che influenzano le persone, spesso senza che ce ne accorgiamo. Quindi il primo punto è: provate a mettere a fuoco che cosa mostrate.

Il secondo punto è: cercate di capire che cosa c’è dentro un’immagine e che cosa volete trasmettere. Oggi i sistemi di generazione di immagini tramite intelligenza artificiale richiedono un input testuale, ma sempre di più richiederanno un input narrativo, parlato. In questo momento sto scrivendo questo testo usando la voce: è un modo di rendere visiva una parola che viene solo pronunciata, eppure queste parole si stanno componendo sullo schermo e stanno prendendo una forma che è comunque un medium diverso rispetto alla parola stessa.

Allo stesso modo, dobbiamo iniziare a pensare che quello che immaginiamo con la mente potrebbe diventare un’immagine. È un discorso che guarda al futuro, un futuro che magari non vi appartiene o non vi convince, ma che fa capire come forse avremo macchine fotografiche che compongono immagini non perché le stiamo vedendo, ma perché le stiamo immaginando. Provate a pensare a una reflex o a una mirrorless dove quello che voi state immaginando è quello che si sta componendo nel mirino o sullo schermo. Vedere con tutti i sensi diventerà sempre più importante. Probabilmente non la chiameremo più fotografia, ma la chiameremo in qualche altro modo, e questo influenzerà comunque la nostra comunicazione e il nostro modo di lavorare.

In sintesi, quello che vogliamo trasmettervi è questo: anche quando fate clic con la vostra macchina fotografica, che cosa state vedendo dentro quel mirino? Non abbiamo dubbi che i professionisti di qualità, quelli sensibili e attenti, stiano vedendo quello che vogliono catturare - che è frutto di quello che stanno immaginando o che vogliono descrivere. La scelta di un angolo di campo, di un’ottica, di un filtro, di un’impostazione: tutto questo fa parte di quella manipolazione dell’immaginazione che ci porta a dire “un conto è quello che vedo, un conto è quello che voglio trasmettere.”

E in tutto questo ci fa sorridere pensare che forse il fotografo che ha capito questa cosa meglio di tutti veniva da tanti anni fa: un vecchietto, forse il simbolo della fotografia pensata per trasmettere quello che si vedeva nella mente. Quella persona era Ansel Adams, con il suo sistema zonale - un sistema quasi informatico, che trasformava in numeri le emozioni della luce. Da lui forse dovremmo imparare o recuperare moltissimo, perché lui non fotografava la realtà soltanto per quello che era: la fotografava in funzione della previsualizzazione, dell’immaginazione. Attraverso un processo fatto di ripresa, scelta della pellicola e stampa. Le tecniche sono cambiate molto, ma quello che vediamo oggi è che guardiamo sempre più quello che passa davanti ai nostri occhi, senza riuscire a percepire quello che verrà poi visto - in senso pratico - sui media che lo utilizzeranno e lo divulgheranno, dagli occhi spesso un po’ sfocati delle persone. Sfocati non perché non vedono, ma perché dedicano alle nostre immagini, quando va bene, decimi di secondo.

Le riflessioni finali sono dunque queste: stiamo attenti, perché stiamo entrando in un mondo in cui i dati pretendono di descrivere la verità, e non è sempre così. E purtroppo i risultati degli errori di visione, in certi casi, sono disastrosi. L’immagine non è quello che mostra, ma quello che vuole significare.

Su questo, vi rimandiamo al nostro sistema di analisi delle immagini: se volete, è disponibile con un piccolo contributo di 1,99 euro, perché i dati vengono elaborati da un sistema di intelligenza artificiale che ha dei costi, e vorremmo un contributo per continuare questa sperimentazione. Chi è già abbonato ad Aiway LAB ha accesso gratuito e sta scoprendo quanto sia interessante.

L’ultimo passo è tornare un po’ indietro. Magari andarsi a rileggere i libri di Ansel Adams (Il Negativo, La Fotocamera, La Stampa), e ascoltare nella nostra mente quello che voleva dirci. Perché quello che stava facendo non era solo insegnarci una tecnica: stava insegnandoci a vedere. Nel frattempo, gran parte di noi - e quasi tutte le macchine - non sono più capaci di farlo.

Partiamo dai numeri, perché in questo caso parlano da soli. In una settimana, più di 200 fotografi e creativi professionisti (214, al momento di redigere questa newsletter e crescono ora dopo ora) hanno prenotato il loro posto all’Aiway Essential Webinar. Non è un numero che davamo per scontato, e non lo celebriamo per vanità: lo citiamo perché dice qualcosa di preciso sullo stato della professione. Crediamo che chi si è iscritto non lo abbia fatto solo perché il webinar è gratuito, certo è un elemento facilitatore, ma è anche vero che ci sono mille cose gratuite in rete, ma si sa che la maggior parte di queste non vale il tempo che richiede. Molti, ce lo hanno detto e scritto, lo hanno fatto perché sentono che il momento è adesso, che aspettare non è più una strategia e neanche una buona scusa, che si sente bisogno di qualcuno (e lo riconoscono in noi) in grado di leggere questo territorio con gli stessi occhi con cui si guarda un’immagine: con esigenza, con metodo, senza accontentarsi.

Nel frattempo, a metà settimana, Google ha reso disponibile Nano Banana 2. Se avete seguito la copertura mainstream - probabilmente ne avete vista almeno qualche traccia - avrete notato lo schema consueto: titoli entusiastici, dimostrazioni spettacolari, confronti numerici strappati dal contesto. Quello che mancava, come quasi sempre, era la risposta alla domanda che conta davvero per chi lavora con le immagini sul serio: questo strumento cambia qualcosa nel mio workflow, e se sì, in che direzione?

Noi quella risposta l’abbiamo costruita per gli abbonati ad AiwayLAB prima ancora che la notizia finisse sui feed generalisti: una live completa di quasi due ore, con vantaggi concreti, limiti reali e implicazioni pratiche per chi usa l’AI come parte del proprio processo professionale, non come “curiosità da esplorare nel weekend”.

Lo diciamo perché, secondo noi, è la dimostrazione diretta di qualcosa che vogliamo che capiate: la velocità con cui questo ecosistema si muove non è gestibile cercando di seguire ogni annuncio singolarmente. È vero, Nano Banana 2 è arrivato (e cosa davvero fa di diverso rispetto alla versione precedente, rispetto alla versione Pro? Non è banale, se non vi occupate tutti i giorni e tutto il giorno di queste innovazioni), ma nei pochi giorni che ci separano dal webinar, arriveranno quasi sicuramente altri aggiornamenti: di questo siamo certi, perché il ritmo non sta rallentando. E chi rincorre ogni uscita senza una struttura di riferimento solida non accumula competenza: accumula confusione. Noi siamo qui a filtrare, a dare un peso giusto alle cose, ad unire i puntini… e specialmente non abbiamo alcuna spinta da nessuna azienda per parlare bene o male di qualcosa.

È esattamente per questo che l’Aiway Essential Webinar non è costruito intorno agli strumenti, è costruito intorno a voi: alla vostra professione, al vostro workflow, alle domande che il mercato vi sta già ponendo e a quelle che vi porrà nei prossimi mesi. Gli strumenti cambiano, gli annunci si moltiplicano, le piattaforme si evolvono: ma la capacità di leggere un’immagine, di riconoscere dove i dettagli non funzionano, di capire cosa manca nella coerenza di una scena, quella è vostra, e non diventa obsoleta con il prossimo rilascio di un nuovo tool. Il webinar vi dà la struttura per portare quella capacità dentro i nuovi strumenti, qualunque siano, invece di ricominciare da zero ogni volta che esce qualcosa di nuovo.

Sarà un appuntamento che terrà conto di tutto ciò che è accaduto fino all’ultimo momento utile, Nano Banana 2 compreso, e non solo. Non un corso confezionato mesi fa e riscaldato per l’occasione, ma una sessione contestualizzata sul presente del mercato, con la consapevolezza di chi lo legge ogni giorno e per professione.

Per chi non è ancora iscritto, ricordiamo che la partecipazione è completamente gratuita, ma solo per chi sarà presente in diretta. Appena concluso, l’Aiway Essential Webinar sarà disponibile solo in formato video a 149 euro più IVA nella nostra pagina dedicata ai corsi. Oltre duecento colleghi hanno già prenotato il loro posto. Se volete essere tra chi partecipa gratuitamente, il momento è adesso.

→ LINK DI ISCRIZIONE

Partiamo da una buona notizia: il 6 marzo 2026 - dalle 16 alle 17.30 — organizziamo un webinar completamente gratuito per fotografi professionisti. Basato sulla pratica, concreto, di livello alto professionale. Non sarà un’introduzione generica, non un assaggio tiepido, ma una sessione che potete applicare subito — ma attenzione perché sarà gratuita solo per chi sarà presente in diretta. Trovate la prenotazione in fondo a questo articolo, ma prima, vogliamo spiegarvi perché lo facciamo, e perché lo facciamo adesso.

Saremo diretti, come lo siamo stati sempre: quello che circola in rete spacciato per “rivoluzione dell’AI per l’immagine“ è, nella stragrande maggioranza dei casi, di una bruttezza imbarazzante. Facce di plastica che sembrano manichini malriusciti, espressioni ibride tra il surreale e il perturbante, deformazioni dei corpi inaccettabili, trame dei tessuti imprecisi, prospettive architettoniche con pareti che finiscono nel vuoto. Se siete fotografi professionisti — e presumiamo che lo siate, altrimenti probabilmente non stareste leggendo questa newsletter — lo avete visto anche voi, e avete storto il naso. Giustamente.

Ma c’è qualcosa che disturba ancora di più di queste immagini di bassissimo livello, ed è il racconto che ci gira intorno: quello di chi organizza corsi che promettono di trasformare chiunque — chiunque, senza alcuna competenza fotografica, senza cultura visiva, senza aver mai capito cos’è la luce — in un “grande produttore di immagini professionali con l’AI”. Il messaggio che sentiamo ripetere è sempre lo stesso: non serve saper fotografare. Non serve la tecnica. Non serve l’occhio. Basta il prompt giusto. E questo messaggio, ve lo diciamo con franchezza, è una bugia — e una bugia che vi danneggia direttamente, perché crea aspettative nel mercato che poi ricadono su di voi sotto forma di clienti che svalutano il vostro lavoro, colleghi improvvisati che abbassano i prezzi, e una percezione pubblica della fotografia professionale che si deteriora ogni giorno di più. Diffidate da chi lo dice.

La domanda che dovremmo porci non è “com’è possibile che le persone si entusiasmino per questo?” (quella risposta la conosciamo già: perché non sanno riconoscere la differenza tra dichiarazioni e fatti). La domanda vera è: perché voi, che quella differenza la riconoscete immediatamente e con precisione assoluta, non state ancora sfruttando questa capacità come leva competitiva nell’AI?

Da quando esiste il lavoro di chi ha fondato questa rivista (Jump, poi Jumper), la missione è sempre stata la stessa: difendere la categoria dei fotografi professionisti, aiutarli a crescere, a non essere travolti dalle onde di turno. In questi ultimi quasi tre anni di Aiway Magazine — l’unica rivista professionale italiana dedicata all’AI per l’immagine — abbiamo costruito una cultura attorno a questi strumenti, lavorando fianco a fianco con fotografi, creativi e visionari per capire come l’intelligenza artificiale cambia la cultura visiva professionale, senza sostituirla. Ora torniamo a farlo, su un fronte complementare che si è fatto urgente, con qualcosa di concreto in mano.

Perché l’AI non fa magie: amplifica quello che chi la governa possiede come conoscenza, cultura ed esperienza. Se chi la governa non ha cultura visiva, non ha senso della luce, non sa cosa significa costruire un’immagine, il risultato sarà sempre e comunque mediocre, indipendentemente da quanto sia sofisticato lo strumento. È una questione di grammatica, e la grammatica non si sostituisce con l’entusiasmo né con qualche trucco da parte di chi si finge guru (che magari usa questi strumenti solo da qualche settimana e che fino a ieri diceva che l’AI non aveva una qualità sufficiente).

Voi che la fotografia la conoscete bene e siete professionisti di questo settore, che avete investito anni in tecnica, cultura, apparecchiature costose, conoscete la luce e il lessico fotografico in un modo che nessun principiante potrà mai raggiungere con qualche giorno di corso. Sapete quando un’ombra è sbagliata, quando una texture non torna, quando la coerenza visiva manca, quando un’espressione è vuota. Sapete esattamente perché certe immagini “sembrano AI” nel senso più deteriore del termine, e altre no. Questo non è un punto di partenza: è un vantaggio enorme, ed è precisamente la base da cui bisogna lavorare. Chi vi dice che “non serve più” o è in malafede, oppure... non sa nulla di fotografia vera. Però lo sta dicendo ai vostri clienti, non può certo stare “dalla vostra parte”.

Quello che invece potreste ancora non avere — e vogliamo essere precisi su questo, perché la precisione qui fa tutta la differenza — è la grammatica tecnica specifica dell’AI applicata alla fotografia professionale. Non parliamo in questo contesto di generazione di immagini dal nulla: non è quello il territorio che richiede approfondimento (approfondiremo...). Parliamo di operazioni concrete che ogni fotografo professionista oggi dovrebbe padroneggiare, perché rappresentano il livello base per non perdere posizioni su un mercato che si muove velocemente e non aspetta.

Ecco di cosa parliamo concretamente:

• Correzione di immagini già scattate — miglioramento dei dettagli fini, separazione dello sfondo, scontorni complessi (capelli, trasparenze, elementi sovrapposti), coerenza visiva tra elementi scontornati e reinseriti nella stessa scena. Operazioni per cui la post-produzione tradizionale richiede ore. Con gli strumenti AI giusti, molto meno tempo e risultati superiori.

• Cambio di inquadratura su soggetti già fotografati — il cliente chiama dopo lo shooting e vuole una inquadratura che nessuno aveva previsto (dall’alto, di lato, oppure un vestito che ora vogliono indossato da una modella e non solo steso). Senza questi strumenti: si torna in studio o si perde il lavoro. Con questi strumenti, si consegna.

• Upscaling per la stampa di grandi dimensioni — portare un’immagine alle risoluzioni che reggono il grande formato stampa senza perdere qualità. Una competenza che i clienti già danno per scontata, e che non potete non avere. Vi dicono che fino a “ieri” (tre anni fa, lo dimostra lo screenshot della pagina dell’articolo che abbiamo pubblicato nel 2023 su Aiway Magazine con i primi test… poi le cose si sono ulteriormente sviluppate e prontamente ne abbiamo parlato, testato, verificato sul campo) si poteva avere una risoluzione di soli 1000 pixel di lato lungo? Non è vero (da tre anni, abbiamo centinaia di esempi consegnati per lavori che sono finiti su cartelloni pubblicitari in tutto il mondo e test mostrati durante i nostri corsi e i nostri articoli su AiwayMagazine). E non solo arrivare a 4000 pixel di lato, ma si arriva a 8000/10 mila/12 mila pixel con una qualità incredibile. Ve lo mostreremo, gratis.

  

  

  Un esempio di upscale AI con strumenti di alto livello professionale (non quelli standard…)

• Creazione di prop in scene già scattate: il brief cambia all’ultimo momento, non c’è budget per un nuovo set. L’AI permette di inserire elementi nella scena con coerenza di luce, prospettiva e dettaglio. Non è magia: è tecnica, ed è tecnica che richiede un occhio fotografico per essere eseguita bene.

Queste non sono curiosità tecnologiche: sono competenze che il mercato già chiede e che i clienti tendono a dare per scontate, perché qualcuno ha detto loro che “con l’AI si fa tutto in un click”.

La cosa straordinaria — e vogliamo che questo sia chiaro — è che, con la base culturale e visiva che portate, queste competenze le acquisite in modo infinitamente più rapido e con risultati infinitamente migliori di chiunque parta da zero. Non perché siate più bravi a imparare software, ma perché sapete già cosa volete ottenere. E sapere cosa si vuole ottenere, nel lavoro con l’AI, vale dieci volte più di qualsiasi abilità tecnica pura.

C’è qualcosa che osserviamo da anni e che dobbiamo dire senza giri di parole: il mercato della fotografia professionale è pieno di predatori — di chi cerca di sottrarre lavoro e valore a chi lo fa con competenza — e la sfida non è solo tecnica. È strategica, commerciale, identitaria. Costruire una competenza AI solida, di livello professionale alto, è il primo passo necessario, ma da solo non basta. Dove vogliamo portarvi è molto più avanti, e lo faremo. Ma partiamo dal concreto, dal pratico, da quello che potete usare subito — perché ogni mese che passa senza queste competenze è un mese in cui qualcun altro occupa spazio che è vostro di diritto.

Il webinar di Marzo, Aiway Essential, offre esattamente questo. Sarà costruito su problemi reali e su soluzioni di livello professionale alto. Vi mostreremo come usare questi strumenti con la stessa esigenza qualitativa che portate in ogni scatto, in ogni post-produzione, in ogni consegna al cliente. Richiede grande competenza, cultura, stile, professionalità: esattamente quello che voi avete già, e che nessun principiante può simulare. E, specialmente, non è legato a NESSUNA AZIENDA, non è una marchetta, vi mostreremo pregi e limiti degli strumenti che useremo e non abbiamo nessun rapporto commerciale con nessuna di queste aziende, non ci dice nessuno di dirlo. Lo diciamo noi.

La partecipazione come detto è completamente gratuita, ma solo per chi sarà presente in diretta: appena concluso, il corso sarà disponibile in formato video alla cifra di 149 euro più IVA. Se volete partecipare gratuitamente, il momento per prenotare il vostro posto è adesso.

Perché noi?

Aiway Magazine è la sola rivista professionale italiana dedicata all’AI per l’immagine. Da quasi tre anni pubblichiamo ogni settimana analisi, strumenti, casi concreti e riflessioni culturali per chi lavora con le immagini sul serio.

Abbiamo organizzato i primi corsi professionali sull’AI per fotografi in Italia — in presenza, con ore di lavoro pratico su casi reali, con un livello di esigenza qualitativa che non abbiamo mai abbassato.

Abbiamo costruito una comunità di oltre 4.000 fotografi professionisti che leggono questa newsletter ogni domenica.

Lavoriamo da anni con fotografi, creativi, art director e docenti universitari per capire dove l’AI porta valore vero e dove invece fa solo rumore. Non vendiamo magie: difendiamo la professione.

Da che parte stiamo? Dalla stessa da cui siamo sempre stati: dalla parte di chi fa fotografia con competenza, cultura e rispetto per il proprio lavoro. E ci aspettiamo di vedervi con noi.

→ Prenota il tuo posto gratuito al webinar del 6 Marzo 2026 |ore 16-17:30

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Ho comprato una Kodak Charmera. Costa pochi euro, ha un sensore da 1,6 megapixel (sì, avete letto bene: uno virgola sei), pesa 30 grammi e sta attaccata al mio portachiavi come un ciondolo. Fa delle foto raccapriccianti: sfuocate, mosse, con luci bruciate e ombre che sembrano buchi neri. E proprio per questo mi diverto come non mi divertivo da anni a fotografare.

Viviamo in un tempo strano per la fotografia, un tempo in cui ogni giorno nel mondo vengono scattate tra i 4 e i 5 miliardi di immagini (oltre 61.000 al secondo, se vi piacciono i numeri vertiginosi), e il 94% di queste viene fatto con uno smartphone. Ogni singolo telefono in tasca è oggi più potente, tecnicamente parlando, delle fotocamere che avevano in mano i fotografi professionisti fino a dieci anni fa (o ancora oggi). Eppure, e qui sta il concetto che voglio raccontarvi, non siamo mai stati così ossessionati dalla qualità tecnica e allo stesso tempo così distanti dall’emozione che una fotografia può trasmettere

(da questo scatto un doppio confronto: dimensionale, guardate rispetto alle chiavi quanto è piccola la Kodak Charmera, e prodotto di culto tutto da scoprire: quando si compra la confezione non si sa quale delle sei versioni troveremo, è la “moda” delle blind box che hanno fatto anche la fortuna dei pupazzetti Labubu)

Foto scattate con Kodak Charmera. una “grande” in tutto il suo “non splendore”, ma per esempio, piccoline insieme sono molto carine… povere, ma carine, anche con gli effetti speciali integrati (icone, cornici grafiche). Nota: lo sappiamo che la data è sbagliata, è quella di default quando si acquista la fotocamera, e interfaccia davvero troppo piccola e pigrizia ci hanno portato a dire… non fa niente!

Su un fronte completamente diverso (almeno apparentemente), proprio in questi giorni è andato in onda durante il Super Bowl uno spot di Squarespace che ha fatto discutere. Diretto da Yorgos Lanthimos e interpretato da Emma Stone, lo spot è stato girato su pellicola negativa Kodak 2302 in bianco e nero, in formato 4:3 open gate (per “open gate” si intende che mostra anche i bordi del fotogramma negativo, preservando più dettagli per ritagli successivi in post-produzione. Questo approccio massimizza la risoluzione e la flessibilità, ideale per adattare il contenuto a diversi aspect ratio senza perdere qualità). Una scelta radicale in un contesto dove tutti gli altri spot puntano sulla spettacolarizzazione digitale, sull’HDR spinto, sulla pulizia cristallina dell’immagine. Lanthimos ha scelto la grana, il contrasto forte, la texture analogica per raccontare una storia surreale sulla perdita del proprio dominio digitale E quella scelta estetica, quel “passo indietro” rispetto alla perfezione tecnica disponibile oggi, è diventata il vero elemento distintivo dello spot, quello che lo rende riconoscibile e memorabile in mezzo a centinaia di altri.

Quando guardo le immagini che faccio con questa piccola Kodak (che è sostanzialmente un giocattolo venduto in blind box, con filtri vintage già integrati e un display LCD che sembra uscito dagli anni ‘90), mi viene in mente un articolo che scrissi tanti anni fa per una rivista che si chiamava Jump Take Away. Era una pubblicazione che avevamo creato, minuscola, grande come una cartolina, che veniva distribuita nei bar e nei locali e parlava di innovazione. In quell’articolo raccontavo di come il mio Nokia 3650, con la sua fotocamera ridicola, mi avesse riavvicinato alla fotografia proprio perché faceva foto così brutte da liberarmi dall’ansia della perfezione. La fotografia era diventata per me un mestiere, non più un divertimento, e quel telefono con il suo sensore pessimo mi aveva fatto riscoprire il piacere di scattare senza aspettative, senza la pressione del “contenuto perfetto da pubblicare”.

Oggi provo esattamente la stessa sensazione con questa Kodak Charmera. Le immagini che produce non servono a trasmettere visioni oggettive, non servono per i social (o meglio, ci finiscono lo stesso, ma con un’intenzione completamente diversa), non servono praticamente a nulla in effetti. Servono per sorridere. E quando le mando a qualcuno per condividerle, sorridono anche loro. C’è qualcosa di liberatorio in questa imperfezione dichiarata, in questa rinuncia volontaria alla qualità che ci viene costantemente propinata come unico valore.

Questo si collega a una riflessione più ampia che mi accompagna da tempo e che abbiamo già affrontato in parte in un recente numero del Sunday Jumper, quando abbiamo parlato di autenticità nell’era in cui tutto può essere replicato. La sperimentazione con i linguaggi fotografici è sempre stata un modo per personalizzare, per trovare una voce propria. Ma oggi, con l’intelligenza artificiale che può generare (o replicare) praticamente qualsiasi stile visivo, quella sperimentazione deve andare oltre il semplice “trucco estetico”.

Ci siamo divertiti a usare sistemi di AI per cercare di riprodurre proprio quel look lo-fi delle fotocamere giocattolo, quello della Kodak Charmera o delle vecchie compatte digitali che i ragazzi della Gen Z stanno riscoprendo. E sapete cosa? Ci siamo riusciti, siamo arrivati a risultati molto simili. L’imperfezione, quella che ci sembrava un segno distintivo di autenticità, è perfettamente replicabile. Anzi, è già stata replicata.

Queste immagini sono state realizzate con AI, estraendo lo stile, il mood, le imperfezioni delle foto scattate con il giocattolo Kodak, a dimostrazione che gli ingredienti sono importanti per creare il nostro messaggio, ma non possono essere i protagonisti.

Allora dove sta il punto? Facciamo un passo indietro. Il problema non è nei “trucchi” visivi in sé (il bianco e nero, la grana, le luci bruciate, il motion blur), ma nel perché li usiamo e nel cosa vogliamo comunicare attraverso di essi. Quando Lanthimos sceglie la pellicola 35mm per uno spot pubblicitario, non lo fa solo per l’estetica vintage, ma perché quella texture, quel contrasto, quella grana raccontano qualcosa di specifico sulla storia che sta narrando. C’è un’intenzione, una coerenza tra forma e contenuto, una scelta che si inserisce in un percorso autoriale riconoscibile (chiunque abbia visto Poor Things, Kinds of Kindness o Bugonia sa esattamente di cosa sto parlando, qui sotto una intervista interessante in merito).

L’uso dei linguaggi fotografici, che si tratti di pellicola negativa per uno spot milionario o di una fotocamerina da portachiavi per scatti quotidiani, diventa interessante e stimolante solo quando è al servizio di un’intenzione autentica, di un desiderio genuino di comunicare qualcosa. Non basta applicare un filtro “vintage” o comprare una fotocamera lo-fi per essere autentici. L’autenticità non sta nell’imperfezione tecnica, ma nella coerenza tra quello che scegli di mostrare e quello che realmente vuoi dire.

Proprio per questo, imparare a usare anche l’intelligenza artificiale per esplorare questi “sapori”, per capire cosa crea emozioni nelle persone, cosa risuona, cosa comunica, è un esercizio utile e necessario. Non per replicare meccanicamente uno stile (quello possono farlo tutti), ma per comprendere più profondamente i meccanismi della comunicazione visiva e poi usarli andando oltre, cercando di capire cosa vogliamo dire con le nostre immagini, e perché vogliamo dirlo proprio in quel modo.

La mia piccola Kodak Charmera continuerà a fare foto raccapriccianti, e io (forse) continuerò a divertirmi con lei. Non perché le sue imperfezioni siano “autentiche” in un senso assoluto (come detto, qualsiasi AI può replicarle), ma perché ogni volta che la tiro fuori dalla tasca e scatto, sto facendo una scelta consapevole di privilegiare l’emozione del momento rispetto alla perfezione del risultato. E quella scelta, ripetuta nel tempo, costruisce una storia, una voce, un modo di guardare il mondo che nessun preset e nessun prompt può generare.

Perché alla fine, nell’arte come nella comunicazione, è il “cosa” che vale. Sempre.

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Mentre guardiamo le immagini spettacolari che arrivano dalle Olimpiadi Invernali Milano-Cortina 2026, c’è una rivoluzione in atto che probabilmente sfugge alla maggior parte degli spettatori, ma che noi fotografi professionisti non possiamo permetterci di ignorare. Alibaba Cloud, in partnership con Olympic Broadcasting Services (OBS) e il Comitato Olimpico Internazionale, sta dimostrando al mondo che l’intelligenza artificiale applicata alla documentazione visuale non significa creare finzione o manipolare la realtà, ma aggiungere strati di comprensione, emozione e valore informativo che sarebbero impossibili da ottenere con la sola tecnologia fotografica tradizionale.

La tecnologia al centro di questa rivoluzione si chiama Spacetime Slices, ed è esattamente quello che il nome suggerisce: un sistema che crea immagini composite mostrando multiple fasi del movimento di un atleta in una singola visualizzazione. Non è il solito rallentatore che conosciamo tutti, non è nemmeno il classico effetto bullet-time che abbiamo visto nei film come Matrix (e che pure era stato introdotto alle Olimpiadi di Beijing 2022). Spacetime Slices va oltre, creando una prospettiva simultanea di diversi istanti temporali che permette agli spettatori di comprendere meglio la tecnica, la biomeccanica, la perfezione o l’imperfezione di un gesto atletico. È informazione visuale pura, non è trucco, non è finzione.

(frames del video che abbiamo pubblicato, che mettono in evidenza la tecnica adottata per visualizzare il “replay a 360° gradi” realizzato con tecnologia AI di Alibaba)

E qui arriviamo al punto che dovrebbe farci riflettere come fotografi professionisti: questa tecnologia viene generata in 15-20 secondi. Pensateci: dal momento in cui un atleta compie un salto con gli sci o una piroetta sul ghiaccio, a quando il sistema di intelligenza artificiale consegna una ricostruzione tridimensionale completa, passano meno di venti secondi. Questo è sufficientemente rapido per l’inserimento diretto nelle trasmissioni live, per alimentare i social media in tempo quasi reale, per trasformare un momento olimpico in contenuto didattico, emozionale e virale mentre l’evento è ancora in corso.

Ma facciamo un passo indietro per capire come funziona davvero. Il cuore del sistema è un algoritmo di intelligenza artificiale che esegue un’operazione tecnicamente complessa: separare l’atleta dallo sfondo. E non stiamo parlando di ritagliare una persona da un muro bianco in studio: stiamo parlando di isolare un corpo in movimento rapido su neve che riflette la luce in modo imprevedibile, su ghiaccio che è trasparente e riflettente, in condizioni di illuminazione che cambiano continuamente tra interni ed esterni. Questa è la sfida che l’AI di Alibaba risolve fotogramma per fotogramma, creando poi ricostruzioni tridimensionali fluide che permettono di visualizzare l’azione da angoli che nessuna telecamera fisica ha mai ripreso.

(qui sopra immagini scattate nell’area stampa delle Olimpiadi Milano-Cortina 26, sede di Milano, durante l’allestimento, con grande enfasi per gli spazi dedicati all’infrastruttura Alibaba Cloud)

Ora, la domanda che dovremmo farci è: perché tutto questo dovrebbe interessarci come fotografi professionisti? La risposta è semplice e allo stesso tempo profonda: perché dimostra che la tecnologia non è più solo quella fotografica. Per decenni abbiamo pensato che l’evoluzione del nostro lavoro passasse attraverso sensori più grandi, obiettivi più nitidi, corpi macchina più veloci e ovviamente quello che possiamo definire come “machine learning” che opera nei processori delle fotocamere più potenti ed evolute, e certamente, questi elementi continuano ad essere importanti, anche se l’innovazione in questo campo è più lenta perché trova un bacino di sviluppo economico molto circoscritto. Quello che sta succedendo a Milano-Cortina ci mostra che il vero salto qualitativo, quello che fa la differenza tra un’immagine ottima che “mostra” l’istante di una prestazione fisica e umana e un’immagine che spiega, permette di immergersi, di capire e di confrontare. Due ruoli, due missioni, due approcci al “sapere visuale.

Parallelamente alla tecnologia Spacetime Slices, c’è un altro elemento rivoluzionario in atto a queste Olimpiadi che merita la nostra attenzione: per la prima volta nella storia olimpica, viene utilizzato un sistema basato su modelli di linguaggio di grandi dimensioni (LLM), alimentato da Qwen, il modello AI di Alibaba che fa qualcosa di straordinario: permette ai broadcaster e ai creatori di contenuti di cercare negli archivi olimpici usando semplicemente il linguaggio naturale. “Trova la performance di pattinaggio artistico della medaglia d’oro”, “Mostra tutti i salti di sci sopra i 130 metri”, oppure “Cerca le cadute nell’hockey su ghiaccio del 7 febbraio”. Il sistema recupera queste informazioni quasi istantaneamente, attingendo a oltre 8 petabyte di contenuti storici che vengono automaticamente taggati dall’intelligenza artificiale entro pochi secondi dalla loro produzione.

Schemi esplicativi della tecnologia Alibaba Cloud usata durante le Olimpiadi Milano-Cortina 26 spiegate in questo articolo (dalla pagina di Alibaba Cloud)

E qui c’è un altro collegamento diretto con il nostro lavoro quotidiano: quanti di noi si trovano ad avere migliaia, decine di migliaia di immagini archiviate che sono sostanzialmente inutilizzabili perché il tempo necessario per trovarle e catalogarle supera il valore commerciale che potrebbero generare? L’AI sta risolvendo questo problema per gli archivi olimpici, e le stesse tecnologie stanno già arrivando (o sono già disponibili) anche per noi. Ma soprattutto, quello che questa applicazione olimpica ci insegna è che l’AI può trasformare contenuti che sarebbero rimasti inutilizzati in una biblioteca vivente e ricercabile, democratizzando l’accesso a decenni di lavoro professionale e moltiplicandone il valore nel tempo.

Ma c’è di più. Uno degli aspetti più interessanti della tecnologia olimpica è come stia ridefinendo non solo la produzione, ma anche la distribuzione e la fruizione delle immagini. OBS Content+, la piattaforma cloud alimentata da Alibaba, distribuisce oltre 5.000 pezzi digitali short-form per queste Olimpiadi: contenuti dietro le quinte, highlights, reazioni emozionali, clip ottimizzate per social media. Il volume più grande di asset digitali ready-to-use nella storia olimpica, e tutto gestito attraverso sistemi cloud che permettono ai team di tutto il mondo di trovare, editare e pubblicare contenuti in tempo reale.

Questo dovrebbe farci riflettere su come stiamo strutturando il nostro lavoro. Quanti di noi consegnano ancora ai clienti un set di file JPEG su una chiavetta USB (speriamo che non si faccia più) o tramite WeTransfer, e poi il rapporto finisce lì? Le Olimpiadi ci mostrano un modello diverso: contenuti che continuano a generare valore nel tempo, che vengono riscoperti e riutilizzati, che alimentano narrazioni multiple su piattaforme diverse. E tutto questo è possibile perché l’AI fa il lavoro pesante di catalogazione, tagging, ottimizzazione per i diversi formati e piattaforme.

L’AI alle Olimpiadi di Milano-Cortina non sta sostituendo i fotografi e i cameraman. Sta permettendo loro di fare cose che prima erano impossibili, di raccontare storie più ricche, di offrire ai broadcaster e agli spettatori livelli di analisi e coinvolgimento che solo pochi anni fa erano pura fantascienza. E questo è esattamente quello che l’AI può fare per noi fotografi professionisti: non sostituirci, ma moltiplicare esponenzialmente il valore che possiamo offrire ai nostri clienti.

In definitiva, quello che sta succedendo a Milano-Cortina è molto più di una semplice dimostrazione dell’innovazione tecnologica nel broadcasting sportivo. È una dimostrazione concreta, visibile a milioni di persone in tutto il mondo, di come l’intelligenza artificiale possa integrarsi nel lavoro di documentazione visuale senza tradire la realtà, anzi arricchendola. È la prova che la tecnologia non è più solo quella fotografica, ma comprende tutto l’ecosistema di strumenti che usiamo per ideare, catturare, elaborare e distribuire le nostre immagini. Ed è un invito, rivolto a tutti noi professionisti dell’immagine, a smettere di guardare all’AI con sospetto o come a una minaccia, e iniziare a vederla per quello che realmente è: il compagno di viaggio che ci permetterà di raggiungere livelli di professionalità e di impatto che da soli non potremmo mai ottenere.

La domanda quindi non è se l’AI farà parte del nostro futuro professionale (la risposta è: sì, inevitabilmente), ma come sceglieremo di integrarla nel nostro lavoro. Possiamo usarla in modo pigro, limitandoci ai trucchi facili che impressionano per cinque secondi, ma non aggiungono valore reale. Oppure possiamo usarla come stanno facendo alle Olimpiadi: con intelligenza, rigore e l’obiettivo di offrire qualcosa che prima era impossibile. La scelta, come sempre, è nostra.

Vi segnaliamo che abbiamo aggiornato il tool Aiway Image Analyzer che vi abbiamo presentato settimana scorsa e che ora è molto più funzionale.
Scopritelo e provatelo qui!

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I professionisti lo sanno molto bene: il vero lavoro di un fotografo/a non si fa dietro l’obiettivo. Si fa prima, molto prima. Quando si decide cosa dire, non solo cosa mostrare.

Abbiamo appena finito un esperimento che vorremmo condividere con voi. Abbiamo costruito un’applicazione, con l’aiuto dell’AI, attraverso quello che si chiama “vibe coding”, ovvero la strada che porta a scrivere codice (per un sito, per un’app), descrivendo quello che vogliamo ottenere... e l’AI lo realizza. Questa web app analizza le immagini non tanto per quello che mostrano, ma per quello che significano. Non si limita a descrivere una scena: ne esplora la semiotica, il linguaggio nascosto tra i pixel.

L’abbiamo chiamata Alway Image Analyzer, ed è nata da una constatazione semplice quanto importante: le persone leggono sempre meno, guardano sempre più velocemente, e comprendono sempre più superficialmente.

In questo contesto, la nostra professione di creatori di immagini deve evolversi, deve interrogarsi, deve fare i conti con una realtà complessa. Perché la stranezza del nostro tempo è evidente: viviamo nell’era dell’immagine, sommersi da milioni di fotografie ogni giorno, eppure la maggior parte di queste immagini non dice nulla. Scorrono, passano, vengono dimenticate in una frazione di secondo. Sono solo rumore visivo, non comunicazione. E questa è una sfida esistenziale per chi fa della fotografia un mestiere, una professione, un linguaggio.

Perché è vero che una fotografia vale mille parole, ma questa è un’affermazione che merita di essere messa in discussione, analizzata, compresa davvero, perché in molti casi, una fotografia può valere certamente mille parole, ma solo se chi la crea sa inserirle, quelle mille parole. Non è un automatismo, non è una proprietà magica della macchina fotografica o della composizione, è coscienza ed intenzione. È la capacità di pensare l’immagine come un sistema di segni, di costruirla strato dopo strato, di caricarla di significato in modo ponderato e consapevole.

La semiotica, che è la scienza dei segni e dei significati, ci insegna che ogni elemento visivo funziona su almeno due livelli: c’è quello che vediamo (il significante) e c’è quello che significa (il significato). Il problema è che questa capacità non si impara facilmente, non ci sono spiegazioni tecniche per comprendere con un tutorial il significato profondo, non esistono impostazioni ISO o programmi di esposizione automatica per l’emozione. E proprio per questo abbiamo voluto sperimentare con l’intelligenza artificiale, per vedere se potesse aiutarci non a creare immagini (quello è un altro discorso, un’altra frontiera), ma a comprenderle meglio, a leggerle in profondità, a estrarre quel substrato di significato che troppo spesso rimane implicito, non detto, forse nemmeno consapevole.

Abbiamo preso solo come esempio l’immagine che abbiamo pubblicato all’inizio della nostra newsletter. Un’analisi tradizionale, descrittiva (quindi una analisi breve di un osservatore, oppure un prompt che lo descrive, oppure una descrizione in un archivio di fotografie stock) direbbe:

“Due persone, una donna e un uomo, visti di spalle e di profilo, su un set cinematografico”

Tecnicamente corretto, ma troppo superficiale, ma se chiediamo all’applicazione di andare oltre la superficie, di leggere i segni, di interpretare il linguaggio visivo, otteniamo qualcosa di diverso. Leggiamo cosa ci indica il sistema che abbiamo generato:

Immagine 1 – Profilo della protagonista attivo

Profilo della protagonista

La luce di taglio accentua la tensione tra visibile e invisibile.

Il profilo della donna evoca attesa e vulnerabilità emotiva propria dell’attore, ponendo l’accento sulla dualità tra l’essere umano e il personaggio scenico interpretato.

Etichetta sull’immagine

Volto tra luce e ombra, contemplazione silenziosa.

Immagine 2 – Sedia da regista attiva

Sedia da regista

La sedia non è solo un oggetto funzionale, ma un potente simbolo di controllo e autorità.

Indica che la realtà osservata è una costruzione artificiale, una messa in scena dove ogni emozione è orchestrata e ogni gesto studiato.

Etichetta sull’immagine

Icona del potere creativo del set.

Immagine 3 – Presenza liminale attiva

Presenza liminale

La sagoma indistinta sullo sfondo rappresenta l’invisibilità del lavoro tecnico necessario alla creazione del mito cinematografico.

Evoca la natura collettiva dell’arte e il confine sottile tra chi crea l’illusione professionale e chi ne è il protagonista.

Etichetta sull’immagine

Figura sfocata che presidia il dietro le quinte.

Immagine 4 – Sguardo di spalle attivo

Sguardo di spalle

L’uomo, visto di spalle, funge da Rückenfigur romantica, invitando lo spettatore a condividere la sua prospettiva.

Rappresenta la direzione creativa, un’autorità silenziosa che osserva il mondo fittizio senza svelare la propria identità o reazione emotiva.

Etichetta sull’immagine

Posizione di guida, barriera visiva tra i soggetti.

Questa è la differenza tra catalogare e comunicare, tra descrivere e comprendere. E questa differenza, oggi più che mai, è ciò che distingue una fotografia professionale da una delle milioni di immagini che produciamo e consumiamo ogni giorno senza nemmeno vederle davvero.

Ma c’è un altro livello in questo discorso, forse ancora più importante per noi che facciamo questo mestiere: capire il significato delle nostre immagini non è solo un esercizio critico, non è solo cultura visiva. Quando sappiamo cosa un’immagine comunica a livello profondo, quali emozioni evoca, quali concetti veicola, quali archetipi attiva, sappiamo anche come replicare quell’effetto, come modularlo, come adattarlo alle esigenze diverse di clienti diversi. Sappiamo quali elementi includere, quali escludere, quali enfatizzare e se usiamo strumenti di AI generativa, sappiamo costruire prompt che vadano oltre la descrizione superficiale (”due persone viste di spalle”), che parlino di atmosfera, tensione narrativa, contrasto simbolico.

È qui che, per l’ennesima volta dobbiamo ribadirlo, si può capire come l’intelligenza artificiale ci può affiancare in un modo non ancora esplorato abbastanza nella nostra professione: non come minaccia che ci sostituirà, non come scorciatoia che svilisce il mestiere, ma come alleato che ci aiuta a vedere meglio, a pensare più chiaramente, a essere più consapevoli di quello che stiamo facendo. L’AI può analizzare in secondi livelli di significato che a noi richiederebbero tempo e distanza critica, può farci da specchio, da interlocutore, da primo lettore che ci restituisce quello che abbiamo detto senza saperlo. E questa capacità può trasformare non solo il nostro modo di lavorare, ma anche il nostro rapporto con i clienti. Perché i clienti non devono (più) comprare fotografie, comprano e compreranno sempre più comunicazione, significato, messaggio.

C’è poi un aspetto ancora più sottile, quasi filosofico, ma tremendamente concreto nelle sue implicazioni. In un mondo dove le persone leggono sempre meno e guardano sempre più distrattamente, la comunicazione visuale non è più un complemento del testo: deve sostituirlo, deve fare lo stesso lavoro con meno tempo, meno attenzione, meno pazienza da parte di chi guarda. Questo significa che le nostre immagini devono lavorare di più, devono essere più dense, più cariche, più consapevolmente costruite. Non possiamo più permetterci di creare immagini che “sembrano (sono) belle” sperando che qualcuno si fermi abbastanza a lungo da capirle. Dobbiamo creare immagini che parlano immediatamente, che comunicano il loro messaggio in quella frazione di secondo che è tutto ciò che ci viene concesso.

L’applicazione sperimentale che abbiamo sviluppato è ancora primitiva, è in beta, è sperimentale, ma funziona come punto di partenza per una riflessione che vorremmo fare insieme a voi. Vorremmo che la provaste, che ci mandaste le vostre immagini, i vostri test, i vostri commenti e le vostre critiche. Cosa funziona in questa analisi? Cosa manca? Cosa vorreste che facesse? Quali aspetti del significato visivo vi sembrano più utili da esplorare? Perché questo potrebbe diventare qualcosa di utile davvero, uno strumento professionale serio, ma solo se lo costruiamo insieme, da fotografi per fotografi, da professionisti della comunicazione visuale che vogliono andare oltre la superficie e che vogliono portare la professione a un livello di consapevolezza più alto.

Non vi stiamo mostrando e proponendo un prodotto finito, vi stiamo invitando ad una conversazione, ad un percorso di ricerca condiviso. Perché crediamo che la fotografia professionale stia vivendo una transizione fondamentale, e che questa transizione non riguardi principalmente la tecnologia (quella cambia sempre, è il nostro pane quotidiano), ma il nostro ruolo, la nostra funzione, il nostro valore in un ecosistema comunicativo completamente trasformato.

Vuoi essere i primi e le prime a provare Alway Image Analyzer?

Questa app usa, dietro le quinte, un’AI molto sofisticata che dobbiamo “pagare” a consumo, quindi chiediamo un piccolo contributo per il suo utilizzo in questa fase di beta. Cliccando qui, potete contribuire (1,99 euro, una tantum, sostanzialmente un cappuccino) a questo esperimento e poterlo usare per fare test e pensare “con una logica semiotica” al vostro lavoro.

Questo tool è invece gratuito per tutti i nostri abbonati ad AiwayMagazine che hanno ricevuto già il link per poterlo usare ;-)

Se pensate che sapere di più e prima di altri professionisti tutte le potenzialità dell’AI nel lavoro quotidiano, andando ben oltre all’uso banale e dilettantistico che purtroppo si vede in giro, abbonatevi ad Aiway Magazine, per avere pieno controllo e visione (tecnica, marketing, business) dell’AI nel mondo della fotografia professionale.

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Non è un bel momento: per la società, per i diritti, per l’autenticità, per la VERA libertà di espressione e di parola, per la separazione tra quelli che sono i diritti e quelli che sono gli abusi.

Mi hanno insegnato (era forse un mondo diverso, più semplice, più essenziale) che i diritti di ciascuno di noi devono essere pretesi fino al momento in cui questi diritti vanno a limitare i diritti degli altri. Non c’era una “seconda parte” di questo insegnamento, ovvero: cosa si fa, in questi casi? La risposta sarebbe stata ovvia, nella sua semplicità: se succede, il nostro diritto deve fare dei passi indietro, bisogna rispettare gli altri, bisogna capire che non ci siamo solo noi, e che “gli altri” hanno pari diritti (e pari responsabilità). Penso, spero, di avere imparato la lezione, sia quella ufficiale che quella “non detta”; spesso avrò commesso errori, avrò fatto pesare più il mio pensiero - più che il mio “diritto”, non tendo a dare così tanto valore a quello che mi riguarda, ma molto di più a quello che riguarda gli altri... eppure avrò sbagliato, di sicuro, in molti casi e mi dispiace se è accaduto. Sta di fatto che, però, dovrebbe essere insegnato di più questo approccio al diritto, al rispetto, al saper ascoltare l’opinione degli altri.

Invece no, siamo in un momento storico dove l’aggressione, la violenza (verbale e non solo) sono diventati la normalità, dove si può insultare chiunque esprima - anche civilmente - un’opinione che DOVREBBE essere appunto un diritto, purché non vada contro il diritto degli altri. È successo, in questi giorni, anche in Italia, dove un’opinione basata su ricostruzioni ed argomentazioni approfondite non è stata interpretata per quello che era (una semplice opinione), ed è stata oscurata da Meta (Facebook) su segnalazione della testata Open (fondata da Enrico Mentana) che collabora al progetto di Fact Checking della stessa Meta. Non è nostro interesse entrare sul tema di eventuali errori o dettagli che hanno portato Open a definire “falso” il contenuto di questo video, e nemmeno se questa opinione possa o meno essere condivisa (come detto: le opinioni e la libertà di espressione, se rientrano nei limiti di un dialogo civile, devono essere garantite in un mondo in cui il diritto viene riconosciuto). Se qualcuno vuole però approfondire, vi consigliamo questo articolo della piattaforma SlowNews, che lo offre gratuitamente a tutti. Parla proprio di correttezza del fact-checking e del rischio di una poco corretta interpretazione.

Ma rientriamo nel mondo dell’immagine, perché questa discussione sul diritto di espressione e di stampa è davvero una questione fondamentale, di questi tempi. Una stampa libera, che ha diritto di osservare, scrivere, fotografare, videoriprendere, dare opinioni senza che ci sia un potere che vuole controllarla o censurarla dovrebbe essere al primo posto nell’agenda di qualsiasi stato civile e democratico. E, invece, non solo in tanti Paesi questo non è possibile, ma sembra essere sempre più difficile da vedere anche in Stati che si dichiarano “liberi”.

Negli Stati Uniti esiste un diritto costituzionale consolidato che permette ai cittadini di filmare e fotografare la polizia mentre svolge le proprie funzioni in spazi pubblici.

Questo diritto si basa sul Primo Emendamento della Costituzione americana (libertà di parola e di stampa). Diverse corti d’appello federali hanno stabilito che registrare l’attività della polizia in pubblico è una forma di espressione protetta costituzionalmente.

In pratica si può liberamente filmare o fotografare gli agenti di polizia mentre operano in luoghi pubblici purché non si interferisca fisicamente con le loro attività o si ostacolino le operazioni e per farlo bisogna essere in un luogo dove si ha il diritto di essere (strada pubblica, marciapiede, ecc.).

Gli agenti non possono confiscare il telefono o la fotocamera o costringere a cancellare le registrazioni senza un mandato.

In Italia la situazione è più complessa e meno definita rispetto agli USA: non esiste un diritto esplicito paragonabile al Primo Emendamento americano che garantisca specificamente la possibilità di filmare le forze dell’ordine. La questione si trova all’intersezione di diversi principi e normative che possono entrare in conflitto. A favore della registrazione c’è il diritto di cronaca e di documentare fatti di interesse pubblico, la libertà di manifestazione del pensiero (art. 21 della Costituzione) e il fatto che le forze dell’ordine operino in spazi pubblici nell’esercizio di funzioni pubbliche.

Tra le situazioni problematiche, in Italia è necessario però prendere in considerazione la privacy e la protezione dati: il GDPR e il Codice della Privacy tutelano i dati personali, incluse le immagini; filmare persone (anche agenti in divisa) potrebbe configurarsi come un trattamento di dati personali.

Secondo il Codice penale esistono reati come “interferenza nelle comunicazioni” o “rifiuto di fornire generalità” che in passato sono stati contestati a chi filmava, ma anche l’oltraggio e la resistenza, considerati comportamenti che ostacolano l’operato delle forze dell’ordine sono punibili.

Nella pratica, filmare operazioni di polizia in Italia rimane un’area grigia. Molto dipende dalle circostanze concrete, dal comportamento di chi filma e dall’interpretazione degli agenti sul posto. Non è raro che vengano chiesti documenti o che si venga invitati a smettere di registrare.

Ora guardate questa fotografia, ripresa dalla pagina Instagram del fotografo protagonista di questa incresciosa storia.

Usiamo per questa pubblicazione il link di Instagram per rispetto del diritto d’autore (Pierre Lavie), visto che non abbiamo diritti di pubblicazione e quindi anche se a scopo documentativo e giornalistico non sarebbe lecito (come hanno fatto tutti) pubblicare senza autorizzazione, mentre l’embedding del post tutela questo diritto originario (cliccate il post qui sopra per visualizzare fotografia e commenti). La storia comunque è questa: il 17 gennaio 2026, durante le proteste a Minneapolis seguite all’uccisione di Renée Good da parte di un agente ICE, il fotografo John Abernathy stava documentando un’operazione federale presso il Bishop Whipple Building di Fort Snelling quando è stato placcato a terra da agenti di CBP e ICE. Nel momento in cui veniva atterrato, Abernathy è riuscito a lanciare la sua Leica al collega Pierre Lavie, che ha immortalato la scena: la fotocamera in volo mentre il fotografo veniva bloccato da diversi agenti. Abernathy è stato arrestato con l’accusa di ostruzione e impedimento dell’accesso, poi sottoposto a spray al peperoncino e gas lacrimogeni insieme ad altri manifestanti e giornalisti presenti.

La sequenza fotografica è diventata virale come simbolo della difesa del diritto di cronaca durante operazioni controverse delle autorità federali. Siamo abbastanza convinti che questa immagine potrebbe vincere la prossima edizione del World Press Photo, per la sua forza comunicativa e, specialmente, per il simbolo che rappresenta: quella fotocamera in volo, quel gesto che ha portato il fotoreporter John Abernathy a lanciare la sua fotocamera e lo smartphone ad un altro fotoreporter, Pierre Lavie, che tra l’altro non conosceva e che da quel momento è diventato un suo amico, racconta con così tanta forza ed intensità tutto un mondo che deve essere raccontato, facendo emergere la verità, il diritto di documentazione, la forza della realtà sulla finzione.

Non è necessario essere in una situazione così estrema per difendere questo diritto, non deve essere necessariamente eroismo percepire questa responsabilità per essere “veri”, per dire “la verità”, in un momento in cui questa verità sembra non avere più valore. E non serve necessariamente usare solo alcuni strumenti, ed evitarne altri. Quello che conta è la trasparenza, l’intenzione, l’opinione, che può essere espressa in qualsiasi modo, con qualsiasi strumento, purché sia evidente cosa si sta dicendo, e come lo si sta raccontando.

Per questo, troviamo eccezionale la documentazione non solo dei fotografi, ma anche di questa documentazione che non è fotografica, ma è realizzata da Isabelle Brourman che è una formidabile sketch artist americana che lavora nei tribunali federali, dove il disegno diventa atto di testimonianza politica e memoria visiva. Con penne, matite e acquerelli documenta ciò che le immagini non possono mostrare – udienze sull’immigrazione, detenzioni, potere in azione – costruendo un ritratto continuo e inquieto dell’America contemporanea.

Isabelle Brourman ha raccontato (e mostrato come sua interpretazione artistica e documentaria) questa stessa scena, anche lei nel post che pubblichiamo qui sotto. La sua interpretazione visuale e disegnata la trovate nelle immagini successive del carosello:

Traduciamo il post, per meglio illustrare la sua visione:

Speriamo che questa “altra” interpretazione della verità, che si discosta dalla documentazione e dalla testimonianza della realtà fotografica, possa far riflettere su un tema che pensiamo sarà sempre più importante, e che ci fa riflettere tantissimo (ne abbiamo parlato nella nostra newsletter dedicata agli abbonati di Aiway Magazine): vero è quello che possiamo documentare come tale, certificandolo come un atto legale, come la firma di un notaio? Se sì, dobbiamo adattare il nostro “strumento” e il nostro “processo” a qualcosa che certifichi con questa autorevolezza, accettando poi che, in ogni caso, ogni fotografia contiene la centralità dell’interpretazione, della scelta, del messaggio che l’autore vuole trasmettere. Oppure “reale” è quello che si racconta con trasparenza, con sincerità, con concreto desiderio di dire “quello che è successo” e quindi, come nel caso di Isabelle Brourman, anche in forma di documentazione che trasmette emotività e non certificazione del reale? Quando sentiamo parlare dei rischi di fake news causate dall’AI, diciamo sempre che il rischio sono gli “umani” che vogliono raccontare falsità, che decidono di omettere i fatti, magari per trarne vantaggio o per tutelare gli interessi del potere o dei soldi.

Come abbiamo scritto qui, due settimane fa, conterà sempre più CHI racconterà un fatto (sotto forma di parole, di immagini o qualsiasi altra forma espressiva) e non COSA e COME verrà mostrato, perché gli occhi non sono più strumento per comprendere quello che sia reale o falso, le orecchie non distinguono più cosa sia reale o virtuale, le sensazioni sono e saranno sempre più filtrate da mezzi che possono falsificare e nascondere. Ma le fonti, la storia, l’impegno delle persone (e delle aziende, delle istituzioni, dei media) sarà sempre più il valore da tutelare e da riconoscere.

NOTA IMPORTANTE:

Abbiamo fatto un’analisi molto approfondita di costi, benefici, vantaggi, criticità, processi evolutivi della produzione foto/video/creativa, con l’uscita di Creative Studio di Apple per la post produzione foto e video (ne abbiamo parlato qui, settimana scorsa).

Presenteremo questo report e ne parleremo nel dettaglio nella prossima Aiway LIVE del 30 gennaio 2026, con un report che consegneremo a tutti i presenti e tutti gli abbonati.

Se vi interessa studiare e analizzare questo report (che non sarà un contenuto per parlare delle novità, o per cavalcare un prodotto... non ci interessa proprio per nulla: solo fare un’analisi tecnologica, economica, strategica seria) e partecipare alla nostra live o ricevere il video, potete acquistare il PASS a questo link (durante la serata presenteremo anche altre novità importanti che stanno arrivando da altri fronti!).

Buona domenica, buone riflessioni, buon riposo

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La visione di come si lavorerà nel mondo della creatività (foto, video e produzione audio), ma anche tutto il lavoro correlato alla gestione di un progetto (testi, preventivi, analisi dei costi, presentazioni slide, eccetera) porta a un’unica certezza: sarà presto tutto diverso, rispetto alle nostre attuali abitudini. Qualche mese fa abbiamo parlato delle innovazioni di Affinity+Canva (sostanzialmente gratuito) e di Figma, meno conosciuto in ambito puramente fotografico e video, ma sempre più al centro della rivoluzione del design digitale. Qualche giorno fa, Apple ha scoperto sul tavolo le sue carte chiamata Apple Creator Studio e sono davvero una bomba che sta esplodendo sul mercato e fa riflettere su quelli che sono gli equilibri e gli sviluppi dei tool di produzione professionale creativa.

Con la premessa che questa suite sarà disponibile in Italia a partire dal prossimo 28 gennaio, quindi tra pochi giorni, vi elenchiamo cosa contiene e cosa permette di fare... ma poi, dopo questo elenco ragionato, arriviamo alle conclusioni.

La suite Apple Creator Studio si articola su quattro aree creative principali.

Per l’editing professionale di immagini, c’è Pixelmator Pro (Pixelmator è stato acquisito mesi fa proprio da Apple ed è considerato uno dei tool più potenti al mondo per l’immagine), disponibile per la prima volta anche su iPad.

Per l’editing video, comprende Final Cut Pro disponibile sia su Mac che su iPad, Motion per la grafica animata 2D e 3D e Compressor per la personalizzazione delle impostazioni di output. Logic Pro copre la produzione musicale su entrambe le piattaforme, mentre MainStage trasforma il Mac in uno strumento musicale o voice processor per esecuzioni dal vivo.

Completano l’offerta Keynote, Pages e Numbers con funzionalità intelligenti potenziate e contenuti premium, cui si aggiungerà Freeform entro fine anno. Sono tool che erano, sono e saranno sempre gratuiti, ma che in questo pacchetto saranno più potenti, di fatto andando a competere con la suite di Microsoft 365.

Pixelmator Pro: editing professionale multi-piattaforma

Ci concentriamo su Pixelmator Pro perché potrebbe essere l’ago della bilancia della vostra attenzione. Pixelmator è di fatto un Photoshop che importa file PSD con tutti i livelli, ed anche un “Illustrator” per grafica vettoriale. Come detto, questo debutta nella sua versione PRO su iPad con interfaccia ottimizzata per touch screen e Apple Pencil, mantenendo piena compatibilità con la versione Mac. La barra laterale “Layers” fornisce accesso a immagini, forme, testo e video. Gli strumenti di selezione intelligenti isolano parti specifiche delle immagini, mentre maschere bitmap e vettoriali avanzate permettono controllo granulare sulla visibilità degli elementi.

L’integrazione con i chip Apple abilita “Super Resolution” per l’upscaling intelligente, “Deband” per rimuovere artefatti da compressione e “Automatic Composition” per suggerimenti automatici di composizione. La compatibilità con Apple Pencil ovviamente apre all’uso tipico di una tavoletta grafica come Wacom, ma con lo schermo (come le Cintiq o anche i nuovi modelli di tavolette grafiche con schermo, come per esempio la Wacom One), quindi ovviamente anche questa è una valutazione da fare nel suo complesso. La versione iPad richiede chip A16, A17 Pro o M1 o successivi con iPadOS 26, mentre la versione Mac necessita macOS 26.

Un dettaglio: stranamente (ma secondo noi è questione solo di tempo), Apple non ha incluso in questo pacchetto Photomator, che di fatto è una alternativa a Lightroom e che si appoggia alla libreria di Foto di Apple. Diciamo che, nell’ecosistema Apple, è un po’ quello che in passato era rappresentato da Aperture (che ancora in molti amano). Vedremo se nel prossimo futuro ci sarà un’integrazione, oppure se sarà necessario un abbonamento aggiuntivo.

Video e audio

Gli strumenti di produzione video di Apple sono molto famosi e apprezzati, non stiamo qui a descriverli, li potete trovare qui e ovviamente si stanno aggiornando verso le implementazioni produttive che fanno uso dell’AI. Final Cut Pro ora integra l’editing video intelligente con ricerca AI e montaggio automatico, mentre Logic Pro, ideale per la produzione musicale, integra la possibilità di “lavorare” con musicisti AI virtuali e creare analisi armonica automatica. Vanno ovviamente a proporsi in alternativa ai tool di Adobe per l’editing video e audio.

Produttività visiva: Keynote, Pages e Numbers potenziati

Lo sappiamo che sono poco “importanti” a prima vista per chi è un/a fotografo/a, ma le applicazioni di produttività integrano una libreria multimediale con foto, elementi grafici e illustrazioni di alta qualità, oltre a modelli e temi esclusivi. Gli strumenti di creazione e modifica immagini utilizzano modelli generativi di OpenAI per creare immagini da testo o trasformare immagini esistenti. I modelli AI on-device abilitano “Super Resolution” per aumentare la risoluzione mantenendo nitidezza e “Auto Crop” per suggerimenti di ritaglio intelligenti.

Keynote offre funzionalità beta per generare bozze di presentazioni da schemi di testo, creare note per il presentatore da slide esistenti e rifinire automaticamente layout e posizionamento degli oggetti. Numbers introduce “Magic Fill” per generare formule e compilare tabelle basandosi sul riconoscimento di pattern. Le versioni richiedono iOS 18.0, iPadOS 18.0 o macOS Sequoia 15.6 o successivo, con funzionalità intelligenti di generazione immagini che necessitano iOS 26, iPadOS 26 o macOS Tahoe.

Modello di distribuzione e prezzi

Apple Creator Studio sarà disponibile come acquisto universale (quindi si potranno usare le app sia su Mac che su iPad, senza alcun costo aggiuntivo) sull’App Store Italia dal 28 gennaio 2026 a €12,99 mensili o €129 annuali, con un mese di prova gratuita per nuovi abbonati; l’acquisto di un Mac o di un iPad idonei include tre mesi gratuiti. Le applicazioni rimangono comunque disponibili per acquisto singolo su Mac App Store: Final Cut Pro a €349,99, Logic Pro a €229,99, Pixelmator Pro a €59,99, Motion a €59,99, Compressor a €59,99 e MainStage a €34,99. Apple garantisce aggiornamenti continuativi sia per le versioni in abbonamento sia per quelle acquistate singolarmente, ma le funzionalità intelligenti che richiedono accesso ai server AI sono esclusive dell’abbonamento, mentre le applicazioni standalone mantengono le funzionalità base.

Pensieri, conclusioni, appuntamento per approfondire

Quello che ci interessa è comprendere l’esigenza di pensare al nostro futuro della produzione ottimizzando gli elementi che devono essere considerati come primari:

1. bisogna ottimizzare i costi degli strumenti

2. bisogna ottimizzare il tempo di produzione perché è quello che impegna più tempo e vale sempre meno in termini di valore

3. bisogna guadagnare in flessibilità

Non stiamo dicendo che cambiare una suite di produzione potrà cambiare il mondo, ma la vostra mente che cambia sì... quello cambia il mondo, almeno il “vostro mondo”. L’AI (che sia generativa per creare contenuti o che sia strumento di ottimizzazione della produzione) diventa fondamentale per il futuro di tutti. Capire davvero come si integra, si fonde, si appoggia alla produzione quotidiana, per consentire di investire più sforzi in quello che conta davvero (e che si fattura, creando come detto valore) diventerà la chiave di volta. Questa integrazione ha componenti creative, cambiamenti di flusso produttivo, integrazioni con l’hardware; argomento quest’ultimo di cui poco si parla. Eppure, qual è l’azienda che sta traendo più vantaggio dall’AI? Nvidia, che produce hardware, il “ferro” per l’intelligenza artificiale. E qual è l’azienda che è l’unica ad avere al centro l’hardware in un mondo di software/piattaforme? Apple.

Quello che vediamo è quasi un ritorno a quel periodo in cui, attorno alla fine degli anni ‘80 e inizio anni ‘90, la scelta per chi lavorava con la creatività era e poteva essere una sola: il Mac. Poi Adobe ha fatto delle mosse strategiche molto intelligenti di acquisizione (la principale, Aldus) e il mondo si è aperto al versante Windows, che poi ha dimostrato di essere quantomeno “analogo” nell’uso di questi strumenti, e anzi migliore in termini di prestazioni fino al 2020 circa, quando dal cappello Apple ha tirato fuori quella che è stata probabilmente la più importante mossa dalla nascita dell’iPod e dell’iPhone: i processori Apple Silicon.

Oggi questi processori, lo abbiamo detto più volte, sono quelli che hanno la più forte potenza (a parità di costo e anche nei confronti di costi molto più elevati, senza arrivare alle GPU di Nvidia che non sono accessibili come costo ai professionisti singoli e alle piccole aziende) per far “funzionare” l’AI in locale. E cosa fa Apple? Integra “on device” l’AI: con questa piattaforma, Creative Studio, molto basata sull’AI, poi con l’arrivo della nuova generazione di Siri sfrutterà la tecnologia AI di Google mantenendo privacy e controllo, e poi lancerà una gamma di nuove macchine a breve (Mac Studio e MacBook Pro con le versioni più potenti del processore M5Pro e M5Max e poi M6, i primi due entro pochi mesi, il secondo entro fine 2026/inizio 2027) che eleveranno la potenza assoluta, specialmente come detto nei confronti delle attività AI. E se davvero non abbiamo bisogno di una potenza sconvolgente, possiamo sempre optare per un Macbook Air (M4, ma sempre davvero di grandi prestazioni) oppure sul fantastico MacMini, che con il processore M4 o M4Pro e un costo tra i 600 e i 1400 euro + Iva offre una potenza già eccezionale (non stiamo facendo pubblicità a Apple… facciamo due conti economici seri e contestualizzati per far capire come si muove un mondo tecnologico che sta modificando i suoi equilibri e quelli che lo hanno governato per 20 anni a causa delle esigenze dell’evoluzione AI).

Il tutto, però, ha un’altra chiave che si chiama iPad. Il “piccolo computer” di Apple, che negli anni ha promesso di essere un degno sostituto del portatile anche in ambito professionale, è già pronto per questo cambiamento di approccio di produzione: il suo sistema operativo è abbastanza maturo (non del tutto, ma ci aspettiamo entro settembre un ulteriore e forse definitivo step di maturazione) per sostituire in molti casi il “vero computer”, magari integrandosi a mouse, monitor e HD esterni, ma con un assetto di lavoro che si basa sull’uso della penna come interfaccia sullo schermo primario, sull’uso di app, software e piattaforme con interfacce nate e già pronte per questo futuro di interazione più naturale tra umani e macchine (touch, chat, voce, gesture) che l’AI ci abituerà sempre di più, e quindi un approccio anche ergonomico, di ambiente e postazione di lavoro che renderà sempre più vecchio (e inefficiente) il processo normale del lavoro quotidiano.

Cosa ne pensate di tutto questo?

Noi abbiamo lavorato facendo un’analisi molto approfondita di costi, benefici, vantaggi, criticità, processi evolutivi della produzione foto/video/creativa e la presenteremo nella prossima Aiway LIVE del 30 gennaio 2026, con un report che consegneremo a tutti i presenti e tutti gli abbonati.

Se vi interessa studiare e analizzare questo report (che non sarà un contenuto per parlare delle novità, o per cavalcare un prodotto... non ci interessa proprio per nulla: solo fare un’analisi tecnologica, economica, strategica seria) e partecipare alla nostra live o ricevere il video, potete acquistare il PASS a questo link (durante la serata presenteremo anche altre novità importanti che stanno arrivando da altri fronti!).

Ci vediamo presto, nel frattempo apriamo tutti la mente e proiettiamola in un futuro da costruire più sano e più solido.

Buona settimana a tutti e tutte!

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Un intervento (un post/carosello) da parte di Adam Mosseri, il numero 1 di Instagram, ha fatto discutere molto a fine 2025 e tocca direttamente le tematiche riguardanti il mondo che gravita attorno al Sunday Jumper e a voi che siete i lettori di questa newsletter: fotografi, ma anche professionisti della comunicazione visiva, creatori di contenuti, studenti che vogliono trovare uno spazio nel mondo del lavoro.

In breve sintesi, Mosseri parte da una coltellata a tutto il nostro settore: se si vogliono “intercettare” le immagini generate con l’AI, d’ora in avanti diventerà «più pratico ricercare e codificare con qualche “etichettatura” i media reali piuttosto che quelli falsi». Insomma, per essere pragmatici, ci si metterà meno a selezionare il vero in un universo di falso, che non il contrario. L’autenticità, per come l’abbiamo conosciuta, è finita: non possiamo più permetterci di dare per scontato (o possibile) che ciò che vediamo sia reale. È, di fatto, una mutazione percettiva profonda, che riguarda il nostro rapporto con l’immagine come prova del mondo, ma che di conseguenza ci pone due domande, una per “ogni lato” che possiamo interpretare:

• Se siamo “persone”, come facciamo a capire se quello che stiamo vedendo è vero? Quando potremo avere la conferma che davvero abbiamo di fronte a noi una dimostrazione di qualcosa che è reale?

• Se siamo professionisti dell’immagine, cosa possiamo offrire/proporre/garantire per dare questa sicurezza?

Proviamo ad affrontare la questione dal punto di vista non filosofico ma da quello pratico:

1. Pensiamo alle aziende produttrici di fotocamere: stanno scommettendo da sempre e sempre di più sull’estetica sbagliata, per garantire a utilizzatori/clienti uno strumento di veridicità. Gareggiano, infatti, per far sembrare tutti fotografi professionisti del passato (quando solo “chi sapeva davvero fotografare poteva riuscirci”), o comunque per garantire la resa tecnica ineccepibile, perfetta. Ma in un mondo in cui l’AI può generare facilmente immagini impeccabili, l’aspetto professionale diventa (anche quando non è così) il segno rivelatore possibile del falso.
   Un altro strumento che è stato sviluppato (e non sviluppato realmente: confusione, mancanza di accordi, marketing sordo e cieco su queste fondamentali tematiche: più facile parlare di pixel e di “muscoli tecnologici”): parliamo dell’idea di spostare il baricentro dalla caccia al falso alla certificazione del reale – firme crittografiche, catena di custodia, standard come C2PA – che poteva essere una strada importante, sono anni che ne parliamo, e sono anni che nessuno ci ascolta (le aziende, prima di tutto). Si intende allargare il ruolo della macchina fotografica da strumento “solo” tecnico ed espressivo a dispositivo notarile.

2. Se pensiamo invece allo stile “impreciso”, “imperfetto”, questo potrebbe rivelare ipoteticamente che si tratta di realtà.

   Foto mosse, inquadrate male, piene di difetti vengono spesso interpretate come “segni di realtà”, lo vediamo come approccio specialmente tra i giovani, che per esempio hanno abbracciato le “macchinette” (le compatte di pessima qualità di una volta) o addirittura l’analogico per poter segnare con un sapore di “reale” le proprie immagini, in contrasto con la perfezione che ormai arriva dagli smartphone. Il problema, però, è che l’imperfezione come prova di realtà è un’illusione a breve termine. L’AI non solo imparerà a riprodurla, ma lo sta già facendo, l’ha già fatto. A quel punto, se anche l’estetica collassa definitivamente come criterio di verità, la domanda vera emerge, ed è la stessa: cosa resta quando anche l’imperfezione è perfettamente riproducibile?

   Non è nel “sapore” delle immagini che si può trovare la risposta alla definizione di “realtà”, ed è importante capire che questo parametro, questo fine già è e sarà sempre più IL valore che verrà richiesto, ricercato, desiderato. A questo punto, lo fa intuire Mosseri nel suo post, quello che conta e che forse ha sempre contato (ma oggi di più) è: non quello che si mostra, ma da dove proviene quel contenuto.

   Per fotografi, comunicatori, autori, l’autenticità non sarà più una qualità dell’immagine in quanto tale, ma una proprietà della relazione: coerenza nel tempo, riconoscibilità delle intenzioni, tracciabilità delle scelte. Non è più determinante comprendere e trasmettere perentoriamente che

   “questa foto è vera”

   ma, molto di più

   “questa persona è affidabile”.

   
   È un cambio durissimo di ruolo, ma anche di approccio nei confronti della professione, perché ora si richiede continuità, esposizione, responsabilità; non si risolve con un preset, né con un prompt, né con un comunicato stampa o uno slogan/hashtag. La credibilità, l’affidabilità, la reputazione sono qualcosa da costruire, da mettere sul tavolo, da farsi riconoscere.

Come si può procedere, quindi, in questa complessa situazione?

Proponendo un processo che diventa prodotto. Visto che non è più sufficiente dire “ho creato questa cosa”, dobbiamo riuscire a mostrare: ecco da dove siamo partiti, ecco dove pensavamo di andare, ecco dove ci siamo persi (l’errore di percorso è rafforzante e non più un difetto), ecco cosa ci ha fatto cambiare direzione, ecco le tre versioni che abbiamo scartato prima di arrivare a questa. Ogni deviazione, ogni esitazione, ogni ripensamento è una prova di presenza umana nel tempo, una catena di decisioni che può essere tracciata, verificata, riconosciuta come genuina proprio perché non è stata ottimizzata.

Quello che vale sarà il “contesto”. Il backstage, le tracce, le varianti, il fatto che dietro quel singolo tassello c’è una storia, che è stata disegnata, scritta, mostrata nel tempo. Nei giorni, nei mesi, negli anni. Una traccia che è troppo complessa (e non vantaggiosa) per essere costruita dalla bugia. E, importantissimo, non bisogna pensare che la “bugia” sia generata dall’AI, ma dalle persone, dagli esseri umani, che possono usare qualsiasi tecnica e qualsiasi percorso per dirla, quella bugia. Questa non è una battaglia contro l’AI, ma contro la falsità e contro gli intenti di trasmettere il falso.

L’idea, l’ipotesi, la missione è quella di costruire sistemi di comunicazione dove l’autenticità non è una dichiarazione ma una dimostrazione. Non serve dire o convincere qualcuno che “quello che vedono è reale”, ma mostriamo che lo è attraverso l’unica cosa che non può essere falsificata: il tempo umano, nelle sue forme più riconoscibili, quel tempo che si vede nei nostri processi imperfetti, che chiediamo a chi vuole entrare in relazione con noi, quello che costruisce, settimana dopo settimana, mese dopo mese, una storia verificabile di presenza continuativa.

In un mondo dove Mosseri stesso ammette che distinguere il vero dal falso diventerà impossibile, il tempo diventa l’unico watermark affidabile, e il tempo, per fortuna, è ancora l’unica cosa che l’intelligenza artificiale non può generare. E non è detto che poi tutto questo nuovo corso verso la realtà troverà nelle piattaforme come Instagram (o simili) il luogo ideale, dove la paranoia dilagante della “brevità”, della “sintesi”, del “catturare l’attenzione” saranno gli ingredienti per far crescere questa strada dell’autenticità, perché la fiducia si costruisce nel tempo, con il dialogo, con le sfumature. E allora, forse sono proprio gli sforzi che si fanno altrove, magari anche su una lunga newsletter come questa (lunga perché fatta di tante parole, che richiedono tempo per essere lette e lunga perché sono anni e anni che vi e ci accompagna, costruendo quella catena del valore di cui si parlava) che potrebbero aprire nuovi orizzonti.

Bentornati con il Sunday Jumper, siamo ripartiti in questo 2026 per tenervi compagnia un altro anno.

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Ciao a tutte e tutti!

Questa newsletter NON arriva di domenica, ma è pur sempre un giorno di festa (Epifania). Ma mancava, qualcuno se ne sarà forse accorto/a, una ultima casellina del calendario dell’avvento che abbiamo usato per regalarvi alcuni degli articoli più interessanti della nostra rivista in abbonamento Aiway Magazine. Ecco, la casella che mancava era questa….

Lo facciamo per annunciarvi e “guidarvi” verso il nostro nuovissimo numero di Aiway Magazine, arrivato al numero 7 e che è proprio ora stato pubblicato online.

È un numero che, come sempre, segue un fil rouge di pensiero, questa volta ancora di più. L’uscita di Aiway Magazine è sempre stata collegata ad un momento importante di scoperta, di analisi, di critica del mondo dell’AI. Ogni uscita ha rappresentato un tassello di svolta di questa storia, un’occasione per raccoglierci e discutere insieme, per fare il punto. Ed è per questo che vi consigliamo di aprirlo, di seguire la traccia che vi indichiamo, e di farlo ora perché questo è il momento di conoscere e prendere coscienza delle attuali evoluzioni.

Il numero ha un tema principale che unisce una serie di sensazioni: siamo partiti proprio dalla ricerca di un filo per indicarci la strada, e abbiamo raccontato, in chiave moderna, la storia mitologica del filo di Arianna, ma non spaventatevi: siamo stati molto concreti e per nulla “astratti“, e abbiamo considerato sia il pericolo attuale del labirinto (cosa fare, dove andare, come innovare) e dei nodi che sono sia punto di incontro che di “ingarbugliamento“. Il senso è che siamo in una fase di transizione, e di solito è il momento di fare delle scelte che sono, inevitabilmente, difficili.

Di quali scelte parliamo, su Aiway Magazine 7?

Prima di tutto del come intendiamo lavorare d’ora in avanti, con gli strumenti AI: siamo dell’idea che sia finita l’era della sperimentazione sporadica ed isolata e che siamo entrati in quella del processo globale: le risposte giuste arrivano dal costruire una piattaforma propria che risponde alle nostre esigenze, integrandosi al nostro flusso creativo e decisionale a 360 gradi.

Questo significa che non ci dobbiamo accontentare di “tool”, ma dobbiamo sviluppare una mappa esecutiva, e qui tornano sia i “fili”, che “i nodi” (ma anche il modo di uscire dal labirinto). Se non lo facciamo rischiamo di proporre una qualità troppo bassa rispetto al prodotto medio che viene richiesto oggi, di investire troppo in termini di tempo (l’Ai ci ha promesso di fare tutto in pochi click e ora ci accorgiamo che non è così) e anche di investimenti economici (no, l’AI non è gratis... non può esserlo!).

Per dare una risposta (la mappa che dicevamo), vi proponiamo queste letture, all’interno di Aiway7:

1) Previsioni antropologiche per la convivenza con l’AI

Abbiamo raccolto le opinioni e le visioni dei principali esperti di AI, le abbiamo analizzate, tradotte (non tanto e non solo in italiano, bensì tradotte in concetti semplici ed applicabili da tutti noi) su quello che sta prendendo forma come “AI matura”, a noi sono state di grande aiuto, siamo sicuri che sarà così anche per voi.

2) Abbiamo pubblicato delle nostre indicazioni, recuperandole negli anfratti meno “discussi” e più ispirati consigli, previsioni, orientamenti per capire (forse una volta per tutte) che tipo di esseri umani stiamo diventando insieme all’AI?

3) Come funzionano, come usarle e perché funzioneranno per noi le interfacce a nodi, che stanno velocemente guadagnando terreno in tutti i settori, in particolare quello della creatività? La risposta sul “perché” è presto detta (come vedete: fili, nodi, connessioni... sono la chiave), per quello che riguarda il “come usarli” ne abbiamo parlato e dato una visione di insieme che vi sarà molto utile.

4) È cambiata (trombe e fanfare: in Italia!) la legge sul diritto d’autore, e abbiamo fatto una analisi approfondita sul cosa cambia, sul come avvantaggiarsi (in quanto autori) di queste novità e quali sono i rischi: per noi, per il nostri clienti, per il nostro lavoro da creativi.

5) Abbiamo fatto ben 3 interviste, per permettervi di approfondire il lavoro e la visione di professionisti che operano nel campo della creatività: è un’apertura che pensiamo sia molto importante perché in questo momento abbiamo bisogno di ascoltare, di condividere, di scoprire nuove strade. Nello specifico abbiamo parlato con Rufus Deuchler, storico Evangelist di Adobe che ci ha raccontato qualcosa da “dentro” la grande azienda di software e di Photoshop (non solo, ovviamente); poi abbiamo parlato con Lennard Wolff, un giovane esperto di XR (extended reality) ed in particolare del suo studio creativo a Londra che lavora anche per Hollywood usando tecnologie richieste dal mondo VFX come il Gaussian Splatter (se non sapete cosa sia avete un motivo in più per leggere questo articolo!); ed infine Jimena Blanco Quiroga, “neo dottoressa“ spagnola laureata in Graphic Design con una tesi che sorprendentemente approccia l’AI dalla sua base più primordiale (quella dell’LLM), in realtà nata per trovare un codice per descrivere ed interpretare le parole in forma visuale e quindi comprensibile a tutti.

6) Nella parte più tecnica, abbiamo parlato di come usare e quali sono le novità principali degli style reference di Midjourney (ci sono tante cose nuove da dire e da mostrarvi!) e poi abbiamo affrontato il tema del vibe coding che apre sempre più strade per tutti noi e ci sono anche dei prodotti che abbiamo realizzato per voi e che vi regaliamo (potete scaricarli e usarli senza alcun costo).

E poi ovviamente ci sono le immagini e i contenuti visuali che vogliono essere di ispirazione e di stimolo per trovare nuove strade creative usando l’AI in modo originale, esclusivo, sempre nuovo.

Se non sei abbonato/a ad Aiway Magazine, puoi leggere questo fantastico numero attivando almeno un abbonamento mensile (che vi da diritto anche a ricevere le prossime 4 newsletter esclusive per gli abbonati, l’unico canale di informazione e formazione per l’immagine AI, dedicata esclusivamente ai professionisti dell’immagine e della comunicazione visiva in Italia). A solo 8 euro+iva al mese (ma non è obbligatorio ed impegnativo rinnovare, se non vuoi), avrai tutti e 7 i numeri usciti di Aiway Magazine, la newsletter settimanale e tante altre opportunità.

ATTIVA ORA IL TUO ABBONAMENTO E LEGGI SUBITO AIWAY MAGAZINE

Fateci sapere cosa ne pensate del numero, se volete condividete con gli amici: l’editoriale, come sempre, è aperto a tutti.

E, ancora... buon inizio di 2026 da tutti noi.

(domenica torniamo con il SundayJumper)

Quello di oggi non è un articolo che parla di Olimpiadi nel senso più ovvio del termine. È un testo che scivola di lato – come fanno le storie migliori – e va a cercare tutto ciò che normalmente resta fuori dall’inquadratura: i gesti minimi, le traiettorie invisibili, le biografie silenziose che rendono possibile l’evento più osservato del pianeta senza mai diventare protagoniste. Le mille storie invisibili delle Olimpiadi non racconta medaglie, record o classifiche, ma prova a stare in quello spazio sottile in cui lo sport smette di essere spettacolo e torna a essere umanità, lavoro, sacrificio, contesto, relazione. È un articolo che parla tramite immagini e suggerisce più di quanto spieghi, che lavora per sottrazione – come una buona fotografia che lascia respirare il margine.

Dentro c’è il rumore di fondo di un evento globale (che tra qualche giorno tornerà nella sua versione invernale che ospitiamo noi, in Italia) e, allo stesso tempo, il silenzio delle storie che non finiscono mai in primo piano. C’è una riflessione sul modo in cui guardiamo, su cosa scegliamo di vedere e su ciò che, sistematicamente, decidiamo di ignorare. È un testo che non cerca l’epica, ma la complessità; non la celebrazione, ma la stratificazione. Un invito a rallentare lo sguardo, a uscire dal flusso continuo delle immagini perfette e a fermarsi un attimo prima che tutto venga consumato.

Questo è il regalo della quinta casella del nostro calendario dell’Avvento editoriale.

Cliccate l’immagine del nostro calendario interattivo (oppure andate qui) per leggere “Le mille storie invisibili delle Olimpiadi”, che trovate alla casellina 5. E se vi siete persi qualche passaggio, vale la pena recuperare anche le precedenti: alla casellina 4 Immagine AI: clienti e modifiche, troviamo la quadra; alla casellina 1 La verità della fotografia; alla casellina 2 AI come LSD; alla casellina 3 Quando le aziende illuminate costruivano valore. Tutte ancora aperte, tutte ancora lì ad aspettare uno sguardo un po’ più attento.

Ci sarà un’altra casella da aprire, ma dopo Natale… perché arriverà una novità prima di capodanno e la troverete proprio … in quella casella li!

E con questo vi auguriamo un buon Natale e uno splendido 2026. Ci ritroveremo a Gennaio, alla fine delle festività.

Grazie per avere dedicato al Sunday Jumper attenzione, tempo e amicizia durante tutto il 2025 ;-)

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Quello di oggi è il quarto regalo del nostro calendario dell’Avvento editoriale: un articolo di Aiway Magazine finora riservato agli abbonati e che, per questa settimana, abbiamo deciso di aprire a tutti.

Di cosa parliamo? Di qualcosa che davvero è importante… diremmo che è “qualcosa di valore”, perché proprio di valori parliamo. Dopo quasi tre anni di utilizzo concreto delle immagini generate con sistemi generativi nei contesti professionali, è diventato impossibile continuare a fingere che tutto funzioni per magia, o che basti una buona formulazione iniziale per sostituire processi, competenze e responsabilità. L’entusiasmo iniziale ha generato possibilità straordinarie, ma anche aspettative distorte, fraintendimenti strutturali e promesse fuori scala che oggi rischiano di incrinare il rapporto di fiducia tra creativi, clienti e mercato.

Questo articolo nasce da un’esperienza diretta, stratificata, quotidiana – fatta di progetti reali, di confronti con aziende grandi e piccole, di produzione, formazione, errori, revisioni infinite e decisioni difficili. È una riflessione che prova a rimettere a posto il focus che spesso viene spostato altrove: non sugli strumenti, ma sul modo in cui si lavora; non sull’effetto wow, ma sulla sostenibilità dei processi; non sull’illusione del controllo totale, ma sull’equilibrio fragile tra direzione creativa, interpretazione e risultato finale. Dentro c’è una presa di posizione netta, ma decisamente argomentata, su cosa l’immagine generativa può davvero fare oggi, e soprattutto su cosa non è, non può essere e non dovrebbe mai diventare.

È un testo che non offre scorciatoie e non distribuisce ricette universali, al contrario, prova a costruire un perimetro, a tracciare confini, a suggerire una maturità nuova nel rapporto tra creatività, committenza e tecnologie. Un passaggio necessario, forse inevitabile, se non vogliamo che uno degli strumenti più potenti degli ultimi decenni venga ridotto a una caricatura di se stesso – o peggio, a una promessa fallita.

Questo è il regalo della quarta casella del nostro calendario dell’Avvento editoriale.

Cliccate l’immagine del nostro calendario interattivo (oppure andate qui) per accedere all’articolo di questa settimana “Immagine ai: clienti e modifiche, troviamo la quadra”, lo trovate alla casellina 4. E se non l’avete ancora fatto, potete recuperare anche le precedenti: alla casellina 1 La verità della fotografia; alla casellina 2 AI come LSD (dedicato alle copertine di dischi leggendarie); alla casellina 3 Quando le aziende illuminate costruivano valore. Tutte ancora aperte, tutte ancora attuali.

Siete ancora nel turbinio dei regali da trovare e non volete combattere facendo code infinite nei negozi?

Regalate un abbonamento di tre mesi ad Aiway (MAG+LAB)! Basta andare a questo [link], e riceverete le informazioni per consegnare questo bellissimo ed utilissimo regalo ai vostri cari destinatari.

Veloce, lo fate dal divano, e non ci pensate più 😉

Buona domenica!

Cos’hanno in comune l’Illuminismo del XVIII secolo, una macchina da scrivere Olivetti, il primo Macintosh e l’intelligenza artificiale di oggi?

La risposta è in un articolo dal titolo: “Quando le aziende illuminate costruivano valore” che parte da lontano per arrivare dritto al cuore della rivoluzione che stiamo vivendo ora.

Potrete leggere la storia (vera) di Jean-Michel Folon, l’artista belga che disegnò manifesti poetici per Olivetti e che Steve Jobs volle pagare 30.000 dollari per creare l’anima del Mac.

Ma soprattutto, vi ritroverete di fronte a una domanda scomoda: stiamo usando l’AI nel modo peggiore possibile, come “il tasto da premere per ottenere qualsiasi cosa”, oppure possiamo sperare in una rivoluzione che ci renda più umani, e non meno?

In questo articolo di Aiway Magazine troverete:

• La teoria della “ciambella economica” che ribalta tutto quello che sapevamo sulla crescita

• Il cortometraggio perduto di Folon per Olivetti (con link per vederlo)

• Le buste illustrate delle lettere tra l’artista belga e uno scrittore e critico d’arte che, incidentalmente, abbiamo sempre chiamato “Zio” (e vi spieghiamo perché) e come sono diventati un bellissimo libro

• Mr. Macintosh, il personaggio che doveva vivere dentro ogni computer, ma non vide mai la luce

• E una rivista del 1764, “Il Caffè”, che ha molto da insegnarci su come agitare le idee.

Questo non è un articolo sul passato, ma una mappa per guardare al futuro.

Perché se Olivetti e Apple hanno dimostrato che un’azienda può essere molto più di “una macchina per fare soldi”, forse anche noi possiamo scegliere di usare l’AI non per correre più veloci, ma per pensare più in profondità. Ma anche per raccontare, di un’azienda, molto più che parlare di prodotto e di business.

È il momento di rallentare, di cercare la poesia anche nella tecnologia, di ricordarci che le emozioni sono l’unica arma che abbiamo per trovare il nostro spazio tra e insieme alle macchine.

Il regalo di oggi del calendario dell’avvento del Sunday Jumper lo trovate qui:[link], cliccate sulla casellina 3 e buona lettura, scoperta, emozione!

Cliccate l’immagine del nostro calendario interattivo (oppure qui) per accedere all’articolo: Quando le aziende illuminate costruivano valore, lo trovate alla casellina “3” e nelle prossime settimane troverete i prossimi! E se cliccate la casella “1” dello stesso calendario dell’Avvento, potete recuperare (se ve lo siete persi) l’articolo che abbiamo regalato due settimane fa, dedicato alla “Verità della fotografia”. E anche l’articolo AI come LSD, che vi abbiamo regalato la scorsa settimana: lo trovate alla casellina “2”.

Leggeteli SUBITO, perché poi torneranno solo all’interno dell’offerta dell’abbonamento di AiwayMagazine. E se, dopo averli letti, vi viene voglia di abbonarvi (per avere non solo questi articoli, ma anche la newsletter esclusiva che ogni settimana fa chiarezza su quello che succede nel mondo in fermento dell’immagine AI - tecnologia, creatività, etica, discussioni, mercato, opportunità - e un appuntamento mensile LIVE di formazione, confronto e incontro con la community di Aiway che potete fruire sia online, sia come video che inviamo a tutti gli abbonati, sia in alcuni appuntamenti “di persona”), è ancora attiva la promozione del Black Friday per l’abbonamento di 3 mesi per ottenere tutti questi vantaggi:

Per avere tre mesi di Abbonamento Aiway MAG+LAB al costo di SOLO 89 euro + Iva dovete andare a questo [link], e indicare questo codice sconto:
AiwayBlackFridayLAB3Mesi

Buona domenica ;-)

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Proseguiamo oggi con il nostro calendario dell’avvento, appuntamento che vi accompagnerà nelle domeniche che ci separano dal Natale, per scoprire insieme a noi (o riscoprire, se siete abbonati ad Aiway Magazine) alcuni degli articoli che abbiamo pubblicato e che vogliono darvi l’occasione di scoprire la magica connessione tra il mondo reale della creatività e dell’immagine con quella “tutta da immaginare” dell’AI.

Oggi vi proponiamo un articolo dal titolo provocatorio:

AI come LSD

Al contrario di quello che si può pensare, però, parliamo essenzialmente di musica, di copertine di dischi realizzati da fotografi e da studi di design che hanno fatto la storia, e dove però la creatività - lo hanno ammesso spesso gli autori di queste opere - ha trovato “ispirazione” dall’uso di sostanze psichedeliche che sono diventate spesso “ponti” per immaginare qualcosa di davvero speciale.

C’è un filo sottilissimo che unisce le copertine dei vinili Hipgnosis (lo studio di copertine di dischi più leggendario di sempre, fondato da Storm Thorgerson e Aubrey Powell), le musicassette registrate dalla radio e le sperimentazioni psichedeliche che hanno attraversato la Londra degli anni Settanta.

Non è nostalgia, né semplice memoria visiva, ma vuole recuperare quell’energia creativa un po’ sfrontata, un po’ ingenua, capace di trasformare un disco in un rituale e una fotografia in un mondo intero. Un’energia di cui abbiamo davvero bisogno, in un momento in cui la creatività sembra essersi messa a servizio degli algoritmi e dei trend, e quindi rimane ingabbiata e senza originalità.

L’articolo che abbiamo recuperato dal numero 5 di Aiway Magazine e che vi riproponiamo gratuitamente oggi, ricostruisce proprio questo spirito, passando dalle dune di sabbia di Saunton Sands alle follie produttive dei Pink Floyd, dalle custodie illustrate che sembravano opere d’arte ai racconti di Powell su set costruiti come fossero film.

Poi arriva la svolta inattesa: il parallelo tra LSD e intelligenza artificiale. Non come provocazione, ma come ipotesi culturale, per esplorare le connessioni imprevedibili, la libertà di combinare idee lontane, l’assenza di blocchi creativi che Powell attribuiva alle sostanze psichedeliche trovano nell’AI un’eco contemporanea, più veloce e meno rischiosa, ma non meno disorientante.

L’articolo lo racconta con delicatezza, mostrando come gli strumenti digitali amplifichino quella stessa voglia di oltrepassare i limiti; spesso si accusa l’AI di “imitare”, ma invece può servire, se usata molto bene, per immaginare.

Il finale è un ritorno al presente: immagini create dal nostro team creativo, usando strumenti potentissimi come gli sref, ovvero codici che definiscono gli stili, che li uniscono, che generano miliardi di varianti (altro che limiti!), animazioni, piccoli esperimenti che dimostrano come l’immaginario analogico possa mescolarsi al digitale senza perdere anima, per arrivare a creare addirittura nuove musiche, nuovi brani, nuova musica. Non fatta DALLA AI, ma immaginata, percepita, inseguita da persone umane e creative che cercano nuovi confini e anche nuovi ruoli, creativi o professionali.

Il regalo di oggi del calendario dell’avvento del Sunday Jumper lo trovate qui: [link], cliccate sulla casellina 2 e buona lettura, scoperta, emozione!

Cliccate l’immagine del nostro calendario interattivo (oppure qui) per accedere all’articolo AI come LSD, lo trovate alla casellina “2” e nelle prossime settimane troverete i prossimi! E se cliccate la casella “1” dello stesso calendario dell’Avvento, potete recuperare (se ve lo siete persi) l’articolo che abbiamo regalato la scorsa settimana, dedicato alla “Verità della fotografia”!

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Si avvicina il periodo dell’anno del calendario dell’avvento, una moda che arriva da lontano (da bambini era un appuntamento fisso, e il “regalo” era una semplice immagine/disegno, ci si accontentava di poco ed era un’emozione comunque bellissima, una scoperta quotidiana che emozionava). Poi sono arrivati, tardivamente per noi, quelli con le caselline che contenevano delle caramelle, cioccolatini o dei piccoli regali (pupazzetti di plastica, anellini, ciondolini... tutte cose da pochi centesimi che però portavano ancora più in alto il livello di eccitazione dei bambini).

Negli ultimi anni, il calendario dell’avvento ha guadagnato una dimensione diversa, di lusso: quasi tutti dal prezzo molto alto, arrivando a cifre che possono raggiungere anche le molte centinaia di euro. La domanda è: ma se si arriva a pagare anche 700 euro per la “premessa al regalo”... chissà di che entità sarà il regalo di Natale? Ok, possiamo allegramente dire che non ci interessa, bene per chi li riceverà ;-)

Quello che vogliamo, però, è regalarvi un calendario dell’Avvento di Aiway Magazine: nelle prossime 5 domeniche che ci separano dal Natale, vi apriremo una casellina di un articolo della nostra rivista Aiway Magazine on line: articoli ricchi di bellissime immagini, di un approccio stimolante, curioso, affascinante, pratico sul mondo della generazione dell’immagine realizzata con l’AI, scelti con cura tra tutti i (finora 6) numeri usciti in questi due anni. È l’occasione di poter entrare nel nostro mondo, scoprire se li trovate interessanti e, magari, deciderete di regalarvi l’abbonamento come regalo di Natale, a voi o a persone che pensate possano essere interessate. Nelle prossime settimane impazzirete per trovare quei regali particolari, originali, esclusivi, e come sempre non vorrete stressarvi per negozi, code, con la pioggia e il vento.

Quindi il nostro calendario dell’Avvento parte OGGI, regalandovi un primo momento di riflessione, di scoperta creativa, di visione strategica: qui sotto la prima “casellina” ve la raccontiamo in sintesi, vi doniamo il link per poter leggere tutto, e sarà così per le prossime 5 settimane.

Alla fine di questa scoperta, potrete sfruttare una promozione BLACK FRIDAY per avere un buono/card regalo per un anno di abbonamento alla nostra rivista (magazine, ma anche newsletter settimanale che vi aggiorna su tutte le novità pratiche come software, tecniche, annunci, discussioni), oppure un buono/card regalo per 3 mesi di abbonamento alla sezione LAB, che, oltre a tutto quello che vi abbiamo segnalato, offre incontri di formazione mensili per approfondire, chiedere aiuto e consigli sulla generazione di immagini (e oltre) con AI ad altissimo livello.

PRIMA Casellina del 23 novembre 2025

La verità sulla fotografia (pubblicato il 4 agosto 2024)

La prima casellina del nostro calendario dell’Avvento si apre con un testo che scardina una convinzione radicata: la fotografia non è mai stata davvero “vera”. È sempre stata una costruzione – più o meno dichiarata – e l’articolo lo dimostra riportando alla luce un secolo e mezzo di immagini che abbiamo venerato come realtà e che invece erano interpretazioni, ritocchi, scelte narrative. Da Weston ad Adams, fino alla famosa foto di Coppi con lo slogan inciso dal fotografo stesso, la storia appare chiara: ogni immagine è sempre stata un racconto, non un documento.

In un’epoca in cui la generazione con AI rimette tutto in discussione, questo pezzo ci ricorda che il dibattito sull’autenticità non nasce oggi e non finirà presto. La vera domanda non è più “è reale?”, ma “è fedele a ciò che vuole raccontare?”.

È un articolo che apre gli occhi senza moralismi e che vale come primo passo del nostro percorso verso il Natale: un invito a guardare le immagini – tutte – con attenzione, consapevolezza e meraviglia.

Cliccate l’immagine del nostro calendario interattivo (oppure qui) per accedere a questo articolo, lo trovate alla casellina “1” e nelle prossime settimane troverete i prossimi!

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